Vida, arte, erotismo

Diccionario del sexo y el erotismo

2012-01-15T06:47:00.000-06:00

Pilar GARCÍA MOUTON

Elcultural.es

Un diccionario sobre sexo y erotismo no es un diccionario como los demás, porque su título atrae a los aficionados a la lexicografía, pero también a los interesados por el tema, por eso su consulta está a medio camino entre la de un diccionario y la de una enciclopedia. El autor de este Diccionario del sexo y el erotismo (DSE) es responsable del Nuevo diccionario de anglicismos (2001) y, en el ámbito de los léxicos especiales, del Diccionario de terminología y argot militar (2005) y del Diccionario gay-lésbico(2008). Hacía falta un estudio sobre este lenguaje, porque la sociedad ha evolucionado, pero algunos investigadores evitan un tema que todavía tiene mucho de tabú y no resulta fácil abordar un léxico analizable desde distintos enfoques -psicológico, psiquiátrico, sociológico, antropológico, literario, político, religioso, ético, etc.-, y muy permeado por el argot y las expresiones populares.

La Introducción aborda las relaciones históricas entre sexo, sociedad y lenguaje y, después de revisar su evolución en Europa, acaba centrándose en España. Fijado este marco, Félix Rodríguez repasa cómo esos cambios en el lenguaje casi no pasan a los diccionarios, y hay que esperar al siglo XX, con dos obras de Cela, provocadoras en su día, el Diccionario secreto (1968; 1971) y la Enciclopedia del erotismo (1976), y el Diccionario de expresiones malsonantes del español de Jaime Martín (1974).

El DSE es fruto del interés de su autor por el lenguaje de los grupos marginados, ya que “en buena parte contiene voces referidas a prácticas e identidades que suscitan rechazos y resquemores en la sociedad biempensante”. Sus definiciones incluyen marcas gramaticales y, en palabras procedentes del inglés, pronunciación, y a veces referencias a la etimología de la voz, a su uso estilístico y a su frecuencia. Muchas entradas llevan citas de textos con referencia, alguna tan larga que define la palabra y otras con información enciclopédica; y se matizan con marcas de coloquial, despectiva, familiar, humorística, juvenil, obsoleta o popular.

El autor ha optado por incorporar las voces que se documentan a partir de la segunda mitad del s. XX en España y “sólo por comparación o contraste aparece citado algún término de uso en Hispanoamérica”. Su corpus toma las palabras de fuentes escritas, revistas y publicaciones científicas, literatura, periódicos, Google y otros corpus (como los académicos CREA y CORDE), foros de internet, blogs, informantes y fuentes secundarias. Y, junto a voces asépticas como “cariñoso”, “puesta de largo” o “rodríguez”, aparecen otras más argóticas, como “petardear”; técnicas, como “cunnilingus”; populares, como “puta”; zonales, como “morsegón”; eufemismos flagrantes, como “trabajadora del sexo”; palabras propias del habla de los pijos, como “pistachos”...

Rodríguez González ha partido de “la mayor asepsia posible” para no herir la sensibilidad de los lectores. Y, anticipándose a ciertas críticas, justifica su obligación, como lexicógrafo, de recoger todo el léxico, hasta las expresiones más sexistas, homófobas o procaces, que estarán obsoletas cuando cambie la realidad social, y de las que ha dejado expresa su “condena mediante la marca desp (despectivo), con lo que el lexicógrafo será descriptivo y prescriptivo a la vez”. Aunque su referencia básica es la heterosexual, el DSE registra las voces más representativas de las minorías sexuales y los últimos neologismos de la filosofía “queer” y del feminismo radical, como postpornografía, postfeminismo, transfeminismo y contrasexualidad.

El Diccionario del sexo y el erotismo aspira a ser exhaustivo con unas dimensiones razonables, lo que justifica que excluya términos demasiado técnicos, algunas parafilias, nombres de posturas sexuales y ciertos regionalismos. En cambio, algunas palabras no parecen tan lexicalizadas y puede extrañar alguna grafía, como la -d- de adjuntaora, pero es que éste es un diccionario que trabaja sobre un lenguaje elusivo y evasivo, difícil fijar. El léxico del DSE dibuja las distintas realidades sexuales de la sociedad española a través de palabras patrimoniales con sus ampliaciones semánticas por uso metafórico o eufemístico (reina, principona, pagafantas, expresiones hechas con los verbos echar, hacer, ser, etc.) y palabras extranjeras encubridoras, unas del caló (quil, quilar), otras anglicismos reales (caning, dress code, drag king, pink) o inventados (edredoning), que hacen un verdadero repaso de la evolución de sus costumbres amorosas.

El Diccionario se cierra con una completa bibliografía y un vocabulario temático, que facilita las búsquedas. A la vista de los resultados, se impone felicitar al autor y a la editorial por una obra que tenía reservado un hueco en la lexicografía del español.

Diccionario del sexo y el erotismo
Félix Rodríguez González

Alianza. Madrid, 2011

Visitar y comprar arte sin salir de casa

2012-01-15T06:42:00.002-06:00

Llega VIP Art Fair 2012, una feria 'online' que agrupa a galeristas de todo el mundo

Elpaís.es

BARBARA CELIS | Nueva York

En el siglo XXI todo tiene su versión online. Y el arte no es una excepción. El pasado año se inauguró VIP Art Fair, la primera feria virtual de arte contemporáneo y pese a los múltiples problemas técnicos que tuvo su arranque, el próximo 3 de febrero y hasta el día 8 regresa al ciberespacio con un nuevo equipo al frente que aspira a revolucionar aquella experiencia, a multiplicarla con nuevas versiones de la misma y a llevarla lo más lejos posible. La idea es sencilla: facilitar el contacto entre galeristas y coleccionistas para potenciar las ventas de arte. Y además, dar a conocer a nuevos artistas y permitir que el público de todo el planeta viaje sin salir de casa por el universo del arte contemporáneo actual.

Además, con la ambición de quien sabe que está abriendo brecha, la feria se multiplica añadiendo tres citas más al calendario: un mercado dedicado a la obra en papel del 20 al 22 de abril, otro dedicado a la fotografía del 13 a 15 de julio y otra feria más pequeña y ultra selecta tituladaVernissage en septiembre. El cerebro estratégico y comercial al frente de esta nueva edición de VIP que reunirá a 2000 artistas de 115 galerías internacionales (sólo dos españolas, Elba Benítez y Joan Prats) es el de una mujer que nada tiene que ver con el arte.

En realidad Lisa Kennedy, la nueva consejera delegada de la feria, de lo que sabe es de comercio electrónico. Y mucho. Gracias a ella una empresa pequeña llamada Quidsi que vendía pañales y productos de limpieza fue adquirida por una cifra millonaria por Amazon.com, convirtiéndose en uno de los grandes éxitos empresariales del pasado año.

No es que vender pañales tenga alguna relación con la venta de arte pero en el ámbito de internet, a veces lo fundamental no es el producto si no cómo se presenta. "Dependiendo de la categoría, hay muchas diferencias dentro del ámbito del comercio online. El 70% de las ventas de computadoras y productos electrónicos se venden a través de Internet. Sin embargo, sólo el 6% de la ropa se adquiere online. No hay estadísticas fiables sobre el arte pero las ventas online no deben ni alcanzar el 1%. Sin embargo, las conversaciones entre galeristas y coleccionistas cada vez se producen más en el ámbito virtual. Se envían fotos por email, se conversa por skype... La comunicación digital facilita las transacciones" explicó Kennedy a este diario.

En ese sentido VIP Art Fair aspira a convertirse en uno de los centros que faciliten esas relaciones. "Nosotros no tenemos un motor de ventas. VIP Art Fair es simplemente una plataforma para que galeristas y coleccionistas se encuentren. Después, todas las transacciones ocurren de forma privada, aunque el primer paso lo pueden dar en la feria, comunicándose a través de un chat e incluso haciendo viajes virtuales a través de videos donde galerías y artistas se presentan al público. Pero es que galerías y compradores basan sus relaciones en la confianza, que se va construyendo con el tiempo. Y nuestro papel, de momento, es ayudar a construir esa relación de confianza". No descarta que en el futuro su papel podría ampliarse entrando como intermediario en las transacciones pero de momento la feria aspira sólo a ser plataforma de encuentro.

Y esa tarea no es precisamente fácil: el pasado año las más de 40000 visitas que tuvo VIP Art Fair colapsaron su servidor, provocando fuertes críticas en el sector. De ahí que una de las tareas de Kennedy haya sido la de formar un equipo propio de ingenieros capaces de garantizar que la experiencia de participar o acudir a la feria sea plenamente satisfactoria. El cuidado puesto en la selección de las galerías (la directora de la feria es Liz Parks, quien trabajó en la web Art Net durante años) es otra de las armas con las que la feria se presenta este año en un universo, el del mercado del arte, que es de los pocos que pueden presumir de haber tenido ganancias en 2011: según el índice Mei Moses All Art, elaborado principalmente con las ventas de arte de Londres y Nueva York, quienes invirtieron en arte tuvieron ganancias del 11%, una cifra superior incluso a la de los que invirtieron en la bolsa estadounidense.

Bunbury reivindica canción tradicional latinoamericana

2011-12-21T14:15:00.002-06:00

Con Licenciado Cantinas, el cantante recorre estilos musicales como la chacarera argentina, el bolero cubano o la cumbia colombiana, desde la perspectiva de un roquero

EFE | El Universal

La canción tradicional latinoamericana también tiene sitio dentro del rock, como demuestra Enrique Bunbury con su disco Licenciado Cantinas, que describe como "un tributo y una revisión equilibrada a un inmenso continente con infinidad de géneros" .

En un sorprendente cambio de registro, el artista zaragozano recorre, a través de 15 canciones, multitud de estilos musicales, como "la chacarera argentina, el bolero cubano o la cumbia colombiana, desde la perspectiva de un roquero y siempre buscando el equilibrio" , explica.

Así, Bunbury quiere establecer "un puente entre la música latinoamericana y el rock, procurando que la balanza no esté inclinada hacia la visión más folclórica o a los clichés" y cree que es su propia personalidad, a la hora encarar el sonido, lo que aporta coherencia al conjunto.

Entre las canciones que conforman Licenciado cantinas, se hallan Llévame, versión de una composición original del grupo Texas Tornados en la que interviene Flaco Jiménez, o Mi sueño prohibido, un bolero cubano con la guitarra de Eliades Ochoa, al que Bunbury ha dado "un toque de Nueva Orleans" .

También hay temas peruanos como Ódiame, el primer sencillo del álbum, o Vida, con el que Bunbury reivindica "la música criolla peruana, la gran desconocida de Latinoamérica, con unas melodías vocales hermosísimas que todo cantante ha de aprender" .

Según el artista, las canciones del álbum se dividen en cuatro etapas diferenciadas, con un primer tramo con "sonido Nueva Orleans" , un segundo tramo "más criollo" , una tercera parte "más cantinera" y un desenlace "más reflexivo y espiritual" .

Con estas cuatro fases, se recorre la vida de un personaje inventado por Bunbury, el Licenciado Cantinas que da nombre al disco, un personaje que, en palabras del cantante, representa "un poco a todos, es alguien más o menos universal, al que le ocurren todas los dramas y tragedias que recogen estas canciones" .

De este modo, el Licenciado Cantinas experimenta, según el músico, sentimientos y situaciones como "el amor, el abandono, la perdición, la redención y la muerte" , en un transcurso vital inherente a todos los individuos.

Pero el nuevo disco de Bunbury también es un canto de amor a las cantinas, bares, tabernas, sitios en los que, además de maltratarse, le sirvieron de "lugar de aprendizaje" , donde conoció y asimiló canciones que, dice, "ya casi no se escuchan" , de la mano de artistas que le llevaron a "lugares fascinantes" .

Bunbury se refiere a todas las versiones del disco como "bastardas" , porque "no tienen un padre concreto" , y en este sentido alude a las fuentes musicales de su propio rock, que, como él mismo explica, "proceden de muchos lugares diferentes, como Nueva Orleans, el country sureño o el rock and roll heterodoxo de los 50" .

En Licenciado cantinas colaboran distintos músicos latinoamericanos, como Dave Hidalgo, Eliades Ochoa o Flaco Jiménez, quienes "hacen aportaciones sustanciales, con su peso específico dentro del disco" , remarca el artista, que prescindió de voces famosas para "no tergiversar el sentido del álbum" .

Bunbury quería "grandes músicos, nombres fundamentales, con enjundia y que hubieran establecido puentes entre el rock y la música latina" y se queja de "los duetos insustanciales" que abundan hoy en día.

"Dentro del rock existe mucho fundamentalismo, con gente que establece unos límites concretos donde hay que moverse" , lamenta el músico, quien siempre pensó que "el rock era libertad" y por ello defiende la cabida de estos géneros latinos dentro del estilo que ha cultivado en su carrera.

El cantante destaca que "esta música es bueno conocerla, no hace daño" , y duda que "los fundamentalistas de la canción popular sean tan intransigentes, y es que la gente del folclore agradece mucho que estas canciones se den a conocer" .

"Tras morir Franco, se abrazó en España un mundo anglosajón al que había sido difícil acceder" y se dejó de lado lo latino, recuerda Bunbury, que contactó con esta música muchos años después, en la primera gira por Latinoamérica de Héroes del Silencio.

México, segundo lugar en relaciones sexuales

2011-12-21T14:00:00.000-06:00

Milenio

La Encuesta Global Sobre Hábitos Sexuales, realizada en 13 países de cuatro continentes y a 13 mil 57 personas mayores de 33 años, ubicó a México en segundo lugar en cuanto al número de relaciones sexuales, 2.3 a la semana, siendo viernes y sábado los días preferidos, de las 10:00 pm a las 2:00 am, y la estación con mayor actividad es invierno.

Luis Antonio Reyes, gerente de Investigación Clínica de Lilly ICOS, médico urólogo y andrólogo del Hospital Ángeles Metropolitano, explicó que el primer lugar se lo llevó Portugal, con 2.5 encuentros sexuales a la semana, mientras que México registró un promedio de 2.3 relaciones, en las que la mujer suele tomar la iniciativa.

El especialista explicó que la encuesta se llevó a cabo por internet en julio de 2011, y en el caso de México participaron 509 hombres y 402 mujeres, de 33 a 60 años de edad y monógamos. “Lo interesante es que los mexicanos son muy activos sexualmente y lo importante es que en la mayoría de los encuentros las mujeres toman la iniciativa”.

La encuesta, dijo Reyes en entrevista con MILENIO, también arrojó que algunos además aprovechan las mañanas, desde las seis hasta las nueve, para tener sexo.

Uno de los aspectos interesantes entre los mexicanos es que existe una gran necesidad de tener sexo espontáneo: nueve de cada 10 participantes en el estudio manifestó que no acostumbra planear sus encuentros, a diferencia de países como Canadá, EU y Corea del Sur, que fijan fecha y hora.

Por lo regular, las relaciones sexuales entre mexicanos son satisfactorias, en promedio duran de 15 a 20 minutos, aunque hay casos extremos de cinco minutos o poco más de una hora.

México compitió con Austria, Bélgica, Canadá, EU, Dinamarca, Finlandia, Portugal, Republica Checa, Reino Unido, Rumania, Suiza y Corea del Sur, que obtuvo el último lugar en encuentros sexuales con uno o menos a la semana.

“Detectamos que a los mexicanos nos gusta el inviernos para tener relaciones, algo que no disfrutan países europeos, que son más activos en verano”, dijo.

Otro aspecto fundamental en la encuesta, abundó, es que la crisis económica si afectó la sexualidad de países como Estados Unidos, con menos de dos encuentros semanales, y lo mismo se observó en Reino Unido, donde la gente prefiere centrar sus energías en resolver sus deudas.

“Los mexicanos con crisis y sin crisis, tal vez por una larga historia de recesiones, optamos por satisfacer a nuestra pareja y encontrar en esos momentos de intimidad una forma de olvidarse del mundo, de los políticos, del aumento de precios y los bajos salarios”, comentó.

Las excusas recurrentes para no tener sexo en general son 56% cansancio; 15% dolor muscular; 11% dolor de cabeza; 8% dolor de articulaciones y 10% diversas.

La encuesta evidenció que para 94% de los mexicanos la disfunción eréctil representa un problema serio; sin embargo, por vergüenza, sólo tres de cada 10 hombres ha acudido al médico para platicar sobre sus problemas sexuales.

México. Blanca Valadez

Vargas Llosa defiende el misterio del erotismo en su próximo libro

2011-12-21T09:23:00.006-06:00

Por Agencia EFE

Lima, (EFE).- El escritor peruano Mario Vargas Llosa defiende el misterio del erotismo frente a la exposición a la que se le somete con la "supuesta liberación del sexo", un tema que desarrolla en su ensayo "La civilización del espectáculo", que se publicará en 2012.

"Hacer el amor en nuestros días, en el mundo occidental, está más cerca de la pornografía que del erotismo y paradójicamente ello ha resultado como una deriva degradada y perversa de la libertad", señaló Vargas Llosa al leer hoy el capítulo "La desaparición del erotismo".

El Nobel de Literatura de 2010 ofreció un adelanto de su nueva obra tras recibir el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Peruana Cayetano Heredia, el primer reconocimiento que esta casa de estudio limeña especializada en medicina otorga a un personaje que no pertenece al área de la salud.

En el capítulo, que confesó es el más corto de su ensayo, Vargas Llosa remarca que la divulgación de los misterios del erotismo significa un "retroceso" que puede degradar el sexo a "lo puramente instintivo y animal".

"Si queremos que el amor físico contribuya a enriquecer la vida de las gentes liberémoslo de los prejuicios, pero no de las formas ni de los ritos que lo embellecen y civilizan", apunta.

El escritor puso de ejemplo de lo público que se está volviendo la sexualidad a la campaña dirigida a los jóvenes españoles, denominada "El placer está en tus manos", que promueve talleres de masturbación.

Para el escritor, el objetivo de esa campaña es válido si logra combatir prejuicios, pero no si empobrece el acto sexual y lo vuelve un ejercicio puramente físico, "desprovisto de sensibilidad y emoción".

"Con sexo público, sano y normal la vida se volvería mas aburrida, mediocre y violenta de lo que es", manifiesta.

El autor de "La guerra del fin del mundo" también estima que las futuras generaciones pueden desilusionarse del sexo al banalizarlo y llegar a perder su misterio, pasión, fantasía y creatividad.

"No es abusivo decir que el erotismo representa un momento elevado de la civilización y que es uno de sus componentes determinantes", enfatiza.

Vargas Llosa también revisa en su próximo ensayo la forma en que la cultura ha ido "afectando, impregnando y modelando determinadas actividades como el quehacer artístico, literario, la vida política y también la vida erótica".

"Destellos" nuevo libro de David Tovilla

2011-12-11T10:13:00.000-06:00

Nicanor Parra, premio Cervantes

2011-12-11T10:02:00.000-06:00

JAVIER RODRÍGUEZ MARCOS - Madrid -

Elpais.com

El poeta chileno Nicanor Parra, de 97 años, ha ganado el Premio Cervantes 2011. Es el escritor más veterano en recibir esta distinción. La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, ha anunciado en la sede del ministerio el fallo del galardón más importante de las letras hispanas, dotado con 125.000 euros. Parra (San Fabián de Alico, Chile, 1914), creador de la corriente llamada antipoesía, es hermano de la célebre cantautora Violeta Parra, fallecida en 1967. Académico chileno, matemático y físico, había sonado para el Cervantes varias veces en los últimos años.

Parra es el superviviente del grupo más señero de poetas chilenos contemporáneos, junto a Pablo Neruda, Gabriela Mistral, Vicente Huidobro y el también premio Cervantes, Gonzalo Rojas (fallecido el pasado abril). Después de publicar en 1937 Cancionero sin nombre, muy influido por el popularismo de Federico García Lorca, llegó en 1954 el libro que marca su obra y parte de la poesía latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX, Poemas y antipoemas. Posteriormente, Versos de salón (1962), incluyó un poema en el que afirmaba: Durante medio siglo / la poesía fue / el paraíso del tonto solemne. / Hasta que vine yo / y me instalé con mi montaña rusa. / Suban, si les parece. / Claro que yo no respondo si bajan / echando sangre por boca y narices.

Desde 1948, en una poética (una introducción teórica) para una antología, ya acuñó los términos a los que ha permanecido fiel en su obra: "Busco una poesía a base de hechos y no de combinaciones o figuras literarias. Estoy en contra de la forma afectada del lenguaje tradicional poético".

En 1977 vio la luz Sermones y prédicas del Cristo de Elqui, sobre un visionario místico que predicaba por las minas del norte de Chile. Antes del Cervantes, ya tenía los premios más importantes de la lengua española, el Juan Rulfo, en 1991, y diez años después el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.

La obra de Parra ha tenido en España algo parecido a la buena suerte editorial tratándose de un poeta y latinoamericano. Galaxia Gutenberg / Círculo de lectores ha publicado este mismo año el segundo, monumental y digamos definitivo tomo de sus Obras completas & algo + (el primero apareció en 2006). Allí reúne la totalidad de la obra del nuevo premio Cervantes supervisada por él mismo, establecida por el hispanista Niall Bins -el gran experto en su obra- y cuidada por el crítico Ignacio Echevarría. Existen, además, buenas antologías comoParranda larga (Alfaguara), a cargo de Elvio E. Gandolfo, una amplia selección de sus libros, poemas visuales (artefactos los llama él) incluidos. Publicado el año pasado, ese título vino a sumarse a ediciones ya históricas como Chistes para desorientar a la policía/poesía (Visor) o Poemas y antipoemas (Cátedra), a cargo del catedrático de la Universidad de Chicago René de Costa, estudioso de la vanguardia hispánica y comisario además de la muestra que en 1992 expuso en Valencia la obra visual de Parra al lado de la de Joan Brossa.

Influencia en Bolaño

Parra ha ejercido enorme influencia, entre otros, en el fallecido novelista Roberto Bolaño, quien le consideraba a la altura de Jorge Luis Borges y César Vallejo. "Escribe como si al día siguiente fuera a ser electrocutado", dijo de él. Bolaño afirmó también que, "el que sea valiente, que siga a Parra". El chileno representa la adaptación a la lengua española de lo que el crítico Julio Ortega llamó "el dialoguismo civil de la moderna poesía inglesa", más cercana al lenguaje hablado y de la conversación que la elevación lírica y a veces épica de su compatriota Neruda.

Parra sucede en la nómina de galardonados con el Cervantes a la catalana Ana María Matute. Desde 1976 han recibido el considerado como Nobel de las letras castellanas36 escritores españoles e hispanoamericanos. El premio, creado en 1975 por el Ministerio de Cultura, reconoce la figura de un autor que, con el conjunto de su obra, haya contribuido a enriquecer el legado literario hispánico. Y aunque no figura en la bases del premio, habitualmente se cumple una acuerdo tácito que reparte alternativamente el galardón entre Hispanoamérica y España. Así se ha cumplido una vez más la tradición.

Presidió el jurado una mujer

Por primera vez, una mujer ha sido presidenta del jurado, la científica Margarita Salas. El poeta José María Micó, miembro del jurado, ha dicho que se ha valorado en Parra su larga trayectoria, que sea un poeta activo, de gran independencia creativa y al que ha calificado de "gran maestro sin escuela". En el momento de hacer público el galardón el jurado no había hablado aún con él.

Tras conocerse el premio, el fundador y director de la editorial Anagrama, Jorge Herralde, desde Guadalajara, donde se celebra la feria internacional del libro más importante del mundo hispano (la FIL), ha dicho sobre Parra: "es uno de los mejores premios Cervantes que se han dado y debería haberlo ganado antes. Le descubrí hace mucho en Oxford, leyendo sus Poemas y antipoemas, ha recordado Herralde,informa Winston Manrique.

"Nicanor sigue la senda de la gran familia Parra, cuya creatividad, talento y genio nos llenan de orgullo a todos los chilenos", ha escrito en su cuenta de la red social Twitter el presidente de Chile, Sebastián Piñera. Según el mandatario, el galardón es "un justo reconocimiento a su enorme genio y talento poético".

El escritor chileno Ariel Dorfman, mediante correo electrónico, también ha saludado el galardón: "Qué maravilla y qué delicia. Parra ha transformado, desacralizándolo, nuestro idioma. Me muero de ganas de oír el anti-discurso que va a pronunciar cuando le entreguen el premio. Cervantes y Parra unidos, jamás serán vencidos...".

Rose, c'est Paris

2011-12-11T09:54:00.000-06:00

De cineyletras.es

Inspirada por su pasión por el retrato artístico y femenino, la artista Bettina Rheims se dedica por entero a la fotografía desde 1978.

En las últimas tres décadas, Rheims ha realizado numerosas colecciones fotográficas, que han sido expuestas en todo el mundo.

Entre sus libros, figuran Female Trouble (1989), Modern Lovers (1990),Chambre Close (1994), I.N.R.I. (1998), X'Mas (2000), Shanghai (2003),Heroïnes (2007) y The Book of Olga (2008). En 2007 le fue concedida la Legión de Honor por sus logros artísticos.

Rose, c'est Paris, de Bettina Rheims y Serge Bramly es tanto una monografía fotográfica como un largometraje en DVD.

Esta extraordinaria obra de arte, en dos formatos diferentes pero entrelazados y complementarios, desafía la categorización. En este trabajo de poético simbolismo, la fotógrafa Bettina Rheims y el artista Serge Bramly evocan la Ciudad Luz de un modo completamente novedoso.

Éste es un París de visiones surrealistas, identidades confusas, fantasmas artísticos, manipulación oculta, obsesión, fetichismo y deseo hirviente.

La obra admite diversas etiquetas: erotismo, fotografía de moda, arte, misterio metafísico, arqueología social y cultural de la capital francesa y film neo-noir de autor.

Rose, c'est Paris es todo esto y más. En una inversión surrealista del imitado libro parisino de fotografía Love On The Left Bank(1954) de Ed van Elsken, esta obra hipnotizante es la sinuosa historia de dos hermanas gemelas, conocidas apenas como B y R, y una tercera protagonista: la propia ciudad.

Cuando R regresa a su apartamento y se da cuenta de que B ha sido secuestrada tras una violenta pelea, se abre un onírico relato policial en blanco y negro por las calles, los cafés y cabarets, épicieries y museos, usines abondonées y grandes hoteles de París.

Pero incluso esta trama está sumergida bajo referencias y homenajes a artistas como René Magritte, Marcel Duchamp, Salvador Dalí y Man Ray, sin olvidar la brillante amoralidad de las novelas pulp protagonizadas por Fantômas a principios del siglo XX.

¿Qué pasó con la hermana desaparecida? ¿Había una trama? ¿Fue realmente secuestrada? ¿Está viva o muerta? ¿Fue un asesinato? ¿Suicidio? ¿O sólo una pesadilla? ¿O ella es ahora una rockera punk, una prostituta, una bailarina de cabaret o posiblemente incluso una monja? ¿Se casó y huyó a la India? ¿Sabe R más de lo que admite? ¿O acaso B ha adoptado la identidad de su hermana y es de hecho R la desaparecida...?

Rheims y Bramly crean una serie de cuadros extraordinarios sugiriendo todas estas posibilidades.

Los autores presentan a una multitud de figuras excepcionales, desde Naomi Campbell, Michelle Yeoh, Monica Bellucci, Charlotte Rampling, Valérie Lemercier, Inès Sastre, Anna Mouglalis, Audrey Marnay, Anthony Delon, Rona Hartner, Jean-Pierre Kalfon, Azzedine Alaïa, Louise Bourgoin y Hélèna Noguerra, hasta miembros de su familia, modelos de moda, estrellas del porno y le pipole de la sociedad parisina.

Rose, c'est Paris es un delicioso regalo visual, una obra erótica original y una celebración de París que elude todos los clichés habituales. Y, sin embargo, la obra mantiene su misterio en el modo en que juega con el género y la narrativa, la alusión y la expectación.

Como la propia ciudad, no puede ser nunca definida o explicada del todo, sólo experimentada una y otra vez.

Serge Bramly es artista, escritor y ensayista. Colabora con frecuencia en proyectos artísticos y fotográficos con su ex esposa Bettina Rheims, con quien tienen un hijo, Virgile.

Su novela La Terreur dans le boudoir (1994) fue adaptada por Benoît Jacquot en la película Sade.

Sus libros de no ficción incluyen Leonardo: The Artist and the Man (1995) y Mona Lisa: The Enigma (2005).

Ficha editorial

Bettina Rheims: Rose, c'est Paris, 2009

Serge Bramly, Bettina Rheims

Libro de tapa dura y DVD (138 minutos)

29 x 40.5 cm

332 páginas

Imagen superior: Bettina Rheims, cortesía de la Galería Jérôme de Noirmont, París: Tenue de gala, Le Meurice, rue de Rivoli, février 2009, Monica Bellucci.

Copyright de las imágenes © Bethina Rheims. Reservados todos los derechos.

Copyright de fotografías y notas de prensa © Benedikt Taschen Verlag GmbH. Cortesía del Departamento de Prensa de Taschen. Reservados todos los derechos.

“Se cree que la salvación es la ética”: Fernando Savater

2011-12-11T09:50:00.000-06:00

Yanet Aguilar Sosa Enviada | El Universal

GUADALAJARA.- La vida le ha enseñado al filósofo español Fernando Savater que, con el transcurso de los años, la ética puede pasar del desprecio o el desinterés de parte de la sociedad a convertirse en el elemento indispensable para calificar la actuación de los ciudadanos, y que si antes la política regía la vida hoy es despreciable.

Durante su conferencia magistral en la Cátedra Latinoamericana Julio Cortázar en la Universidad de Guadalajara, que organizan desde 1993 a iniciativa del escritor colombiano Gabriel García Márquez y el mexicano Carlos Fuentes -quienes no estuvieron presentes-, el filósofo aseguró que durante su juventud la historia fue distinta en materia de ética y política, que en los años actuales.

En su juventud las ideas políticas ocupaban todas sus acciones. “La política era política, pero también era política la literatura, el erotismo, absolutamente todo, uno guiaba su vida por motivos políticos, desde que te levantabas hasta que te acostabas, cambiabas de novia porque te recomendaban políticamente que ella no te convenía, todos vivíamos una vida dirigida y regida por la política”.

Incluso dijo que cuando alguien trataba de introducir un tema moral y ético, era visto como alguien totalmente fofo, blando, sin nervio, pues se trataba de una ideología “desviacionista” que trataba de introducir una quinta columna peligrosa en la solidez de las ideas. Sin embargo, dijo ante cientos de estudiantes y profesores de filosofía de la Universidad de Guadalajara, que con el tiempo se ha dado el fenómeno inverso.

“Hoy todo es moral, todo es ético; la salvación es la ética y todo mundo espera de la ética la regenaración del universo; mientras que la política es algo sucio, vil y sectario”, afirmó.

“Por supuesto, yo creo que es malo que todo en la vida sea política como aquellos años en mi juventud, pero también es muy nefasto que hoy se arrincone el pensamiento político y se considere que la política es algo vicioso en sí mismo, sobre todo se enseña a los jóvenes que la política es algo sobre la cual hay que pasar, que el voto es algo inútil, que la participación en la parlamentaria no vale la pena; todo eso me parece sumamente dañino”, dijo.

Agregó que “a muchos nos suena a aquellas cosas que se oían en la España franquista”, comentó el filósofo.

La crisis y los valores

El filósofo español recordó que en la actualidad se habla mucho de crisis de valores, e hizo un llamado a los jóvenes universitarios reunidos en el Paraninfo de la UdeG a que no deben perder de vista que todos los valores nacen de una crisis.

“El valor nace del choque entre la realidad que estamos viendo y un principio, una idea de lo que creemos nosotros que debería ser; por lo tanto todos los valores están constantemente en crisis”.

Por eso, dijo, lo malo sería que aceptáramos el mundo como algo perfectamente bueno, que todo es irremediablemente lo que debe ser y que los seres humanos no fueran capaces de escandalizarse ante eso o ante nada.

“Mientras nos escandalicemos y sigamos viendo las cosas como intolerables, todavía estamos moralmente vivos, la muerte moral se dará cuando pensemos que algo malo está bien y perfecto”, dijo.

Savater agregó que la ética no sirve como un arma para juzgar a todos los demás y sostuvo que la política posee valores. “La mejor idea política se convierte en mala cuando se impone por la fuerza, si las ideas no han surgido de una idea colectiva entonces la política realmente no vale”.

Concluyó que política y ética son temas distintos. “La ética busca mejores personas y la política busca mejores instituciones. Un mundo con mejores instituciones, tendrá mejores personas”.

http://www.eluniversal.com.mx/cultura/67064.html

Destellos, nuevo libro de David Tovilla

2011-11-29T15:26:00.003-06:00

“Un amante inolvidable lo es porque sabe conversar, acompañar y aprender con la misma intensidad que follar” dice David Tovilla en su nueva producción bibliográfica: Destellos.

El volumen es un sumario de ideas, convicciones, conclusiones. Puede leerse: “Las distancias físicas son relativas. Estamos lejos o cerca de alguien como queremos. Depende de nosotros, no de los otros”; “la manera exitosa de vivir en conflicto es destacar lo que el otro no hace, en lugar de reconocer lo que aporta”; o bien: “La existencia es la lucha inacabable por cambiar de lo posible a lo deseable”.

Son cien pensamientos sobre actitudes, relaciones y vivencias: “Un amigo me enseñó que es más desatinado no saber ganar que no saber perder. Agrego una conclusión: más importante que estar es saber estar”, “Tenemos dos opciones: vivir en el reclamo o actuar con atención a las virtudes y defectos humanos”, “Felicidad o infelicidad están asociadas con la fortaleza o vulnerabilidad de que nos dotamos. Es nuestra actitud de vida”.

Desde luego, incluye apuntes sobre temas usuales en este autor como las parejas, el amor y el sexo: “Se confunde fidelidad con respeto a la pareja. Respetar al otro es reconocer el derecho a su individualidad y salvaguardar su integridad”, “El paso del apasionamiento a la admiración de las cualidades personales es el principio del amor. Si nuestra pareja nos admira, ama. Si no, debemos pensarlo”, “Todos conocemos a nuestras parejas. Quienes sospechan y buscan, fingen: ya saben qué encontrarán”.

También se plantea una perspectiva libertina: “Es preferible ser libertinos que hipócritas. Los primeros, son sinceros y plenos. Los segundos, buscan esconder su desenfreno con fotos de familia en el Facebook”, “El encanto de los libertinos está en su esplendor, placidez, naturalidad. Se está con ellos o no, en libertad. Para otros atributos, existen otras personas”, “Ser libertino no implica ser cínico. Los sentimientos no se laceran”.

Destellos tiene un apartado sobre los amantes de calidad: “Un buen amante vive, no promete. Es aquel a quien nadie le presenta una lista de incumplimientos”, “Amor y sexo se enriquecen con la educación. El amante educado es admirado”, “La pluralidad incluye al amor. Existe cada forma de amar como amantes pasan por nuestra vida”, “Un gran amante se caracteriza por la paciencia y la persistencia. Hay deseos sexuales que tardan hasta diez años en satisfacerse”, “Las mejores amantes nunca traspasan los límites que establecemos sobre nuestra vida privada”.

David Tovilla cierra este año, 2011, con dos publicaciones. En enero, presentó: Imágenes voluptuosas, una propuesta de canon de cine erótico; y, ahora: Destellos, una centena de reflexiones. Para 2012, el escritor presentará un nuevo libro de narraciones y un prontuario sobre la obra ensayística de un intelectual mexicano.

Malditas redes sociales

2011-11-16T11:53:00.000-06:00

Valeria Villa

De El Blog de Vida en Prodigy MSN

Desde mi lugar de adicta en recuperación al twitter escribo esta columna de jueves. Por cierto que es un lugar de tremenda incomodidad conmigo misma que supongo es compartido por muchos de ustedes. Las redes sociales se han convertido en un medio instantáneo para expresar opiniones, para generar movimientos ciudadanos de modesto alcance (por lo menos en México) , para informar o desinformar a la población, para hacerse autopromoción generando tuits sobre nuestros logros profesionales, escritos, libros publicados, amores recién estrenados, vidas felices que casi siempre dicen algo así: "Hoy es lunes. Empieza una semana de maravillosas posibilidades".

Lo que me he puesto a pensar en estos días como usuaria cada vez menos feliz de las redes sociales, es que nos metemos en problemas cuando quitamos la mirada atenta de nuestro propio camino y nos enfocamos en mirar la vida reluciente de alguien más. Mi sensación es de mareo; de perder mi propio piso, mi arraigo o mi ancla respecto de mi propia vida. Me impresionan las declaraciones de amor y odio extremo en el twitter, en todos los terrenos. La capacidad con la que descalificamos de inmediato a quien no está de acuerdo con nuestra opinión, los comentarios ofensivos sobre las imágenes que usamos como avatar, las declaraciones amorosas vía DMs (mensajes directos privados) provenientes de personas que ni siquiera saben quienes somos.

Insisto en que todo esto lo reflexiono desde el lugar de protagonista de muchas de estas actitudes. El acoso y los celos seguro se han intensificado con el twitter y con el facebook. No he muestreado el asunto, pero en el consultorio veo cada vez más frecuentemente parejas al borde del colapso porque ella le encontró fotos o mensajes a él en facebook o porque él revisa quiénes son los seguidores de ella en twitter y a quien de estos sigue ella.

Muchos tuiteros bromean constantemente sobre cuáles son los límites entre la simple curiosidad y el acoso. Un tuitero dijo que dependía de la intensidad con la que ves las fotos de otros y cuánto tiempo pases mirándolas. O quizá podríamos medirlo en cuántas veces al día nos metemos a la cuenta de una ex pareja para ver en qué anda, quién le escribe y ahora de quien está enamorado. La verdad que me parece muy deprimente la imagen de un ser humano, en un sábado por la mañana, en pijama, tomándose un café mientras ve la vida de los otros en las redes sociales. Nos engañamos todos al decir que sólo las usamos para informarnos o para hacer relaciones públicas. En algún momento yo defendí esa teoría, porque en efecto, soy consumidora fundamentalmente de artículos especializados, editoriales políticos y sigo en su mayoría a gente que me parece inteligente y que aporta algo a mi vida profesional. Pero creo que también todos hemos caído en la trampa de enterarnos de cosas que no deberíamos saber. En los tiempo pre-twitter jamás sabrías quién es, a qué se dedica y cuáles son los sentimientos que alguien tiene por tu ex. Es un acto masoquista radical, sin justificación alguna, ir a meterse en estos lugares dolorosos. Y sin embargo, están ahí, a la mano. Tan a la mano que se vuelve compulsivo estar husmeando en la vida de los otros. Como la película ubicada en la extinta Alemania del Este en la época de la guerra fría, en la que un pobre empleado de la policía secreta tenía la misión de espiar 24 horas al día a los alemanes que se creían detractores del régimen, o bien a los que se sospechara planeaban cruzar el muro de Berlín hacia la otra Alemania, crímen en ese entonces. Ese hombre no tenía una vida propia. Vivía las vidas de los otros (La vida de los otros 2006 de Florian Henckel von Donnersmarck).

Compararse es un camino seguro hacia la autodevaluación y tal vez hacia la depresión. Si yo quiero escribir un libro y veo que alguien ha publicado el 6º este año, me comparo y pienso que soy un fracaso porque no he podido escribir siquiera el primero. Si llevo un largo rato sin pareja, ver a los que posan para la foto para que todos vean su amor, me puede pegar en algún mal lugar del corazón. La envidia, ya he escrito sobre ella, es un sentimiento que todos hemos llegado a sentir.

Pienso que muchos en facebook son artificialmente felices o posadamente inteligentes en twitter. Vemos en algunos muros a alguien que tiene miles de amigos que jamás ha visto en la vida real, fotos y videos de las fiestas más divertidas que nos podríamos imaginar o de los viajes más envidiables.
También hay quien hace catarsis en twitter y confiesa sus tristezas o sus días de corazón roto o sus enojos o frustraciones. O los hay cínicos profesionales, cuyo personaje básicamente se burla de todo y no cree en nada.

Pero nadie ahí, es quien es. Todos somos una máscara. El sábado pasado Alfredo Villeda escribió sobre el avatar. Aquí el link http://www.milenio.com/cdb/doc/impreso/9052763 en donde describe el origen de la palabra, que en síntesis nos habla de el otro yo, el yo es otro, el doble es el otro en nosotros.

Sin satanizar, creo que deberíamos usar nuestras redes sociales para compartir contenidos de valor. Creo que deberíamos pasar mucho menos tiempo en twitter y facebook y más trabajando, leyendo, jugando, conversando en vivo con nuestros amigos, haciendo deporte en un parque.
Depositar nuestro prestigio o nuestro valor como personas en una red social es una apuesta falsa y engañosa, que sólo alimenta nuestro narcisismo o nuestro masoquismo. O ambas.

Podríamos dejar de ver a los otros y vivir más.

*Vale Villa es psicoterapeuta sistémica. Se dedica a la consulta privada desde hace más de 10 años. Teléfonos: 5606 7245 (Médica Sur-tlalpan) 5520 5525 (lomas de Chapultepec) su facebook es Vale Psicoterapia y su twitter @valevillag Colabora con Gloria Calzada y Pepe Bandera los lunes en el 102.5 fm (noticiasmvs.com) a las 12:15 como especialista en bienestar. Escribe en la revista Dinero inteligente. Tratará de ser congruente con este artículo tuiteando sólo información que considere interesante. Ojalá lo logre.

Casanova o la pasión de la libertad

2011-11-16T11:46:00.000-06:00

La Biblioteca Nacional de Francia expone por primera vez el manuscrito original de 'Historia de mi vida', 3.700 páginas subastadas en 2010 por siete millones de euros

El país.com

MIGUEL MORA - París -

Amante mítico de 132 mujeres y extraordinariamente galante y caballeroso, según decía él mismo; alquimista, ocultista y tramposo burlanga, para sus numerosas víctimas; hedonista pagano, ciudadano del mundo, viajero romántico y escritor hiperrealista antes de tiempo; traductor de la Ilíada y posible coautor del libreto deDon Giovanni, presidiario demasiado habitual, acosado por la Inquisición, autor mucho más estimable que estimado, Giacomo Girolamo Casanova tardó 10 largos años en redactar su autobiografía.

Trabajó en ello entre 1789 y 1798, y la terminó, sin terminarla del todo, un año antes de su muerte en Dux (hoy Duchcov, República Checa), a los 73 años. Ahora, por primera vez, la Biblioteca Nacional de Francia enseña al público ese manuscrito monumental, adquirido en 2010 por un mecenas anónimo que desembolsó siete millones de euros antes de cedérselo a la institución parisiense.

La futurista sede de la biblioteca, un gigantesco edificio de acero y cristal en forma de cuatro libros abiertos situado al este de la capital francesa, en el distrito XIII, cumple así (hasta el 19 de febrero) lo prometido el año pasado: la exposición de pequeño formato, dividida en 10 salas -el mismo número de capítulos del libro- se titula Casanova, la pasión de la libertad y presenta a través de cuadros (destacan un canaletto, un tiepolo y unmengs), joyas, grabados, mapas, objetos, ropas de época, teatro de sombras e incluso algunos vídeos, la azarosa y poliédrica vida de aquel artista premoderno que embelesó a mujeres, cardenales, reyes, músicos y pintores hasta convertir su nombre en una marca de seducción y un sinónimo de conquistador.

Con un centenar largo de obras, procedentes de Francia, Inglaterra e Italia, la muestra recrea algunas escenas narradas en el manuscrito, visita los lugares fetiche del impenitente nómada, se detiene en sus aficiones, amigos, rivales y mecenas, trata de atrapar sus fugas, fiestas y conquistas, y dedica un espacio a las películas (de Comencini, Fellini, Scola, Volkoff o Losey) que inspiró.

Pero la joya de la exposición es el propio manuscrito, 3.700 páginas escritas con una caligrafía tersa, limpia y clara, en francés porque esa era la lengua franca del momento, como hizo saber en el prólogo. "He escrito en francés, y no en italiano porque la lengua francesa está más extendida que la mía".

"Poco antes de su muerte, el autor entregó su biografía a su sobrino, que le soportó una vejez bastante insoportable", explica una de las comisarias, Corinne Le Bitouzé, otra mujer rendida al gran conquistador. En 1820, el sobrino vendió los cuadernos al editor Frederic Arnold Brockhaus, que prestaría el apellido a la gran enciclopedia alemana. El libro se publicó por primera vez en 1822. Pero la traducción alemana cercenó las partes más elocuentes. Cuando Historia de mi vida se publicó en el idioma original, tuvo tanto éxito que aparecieron muchísimas copias pirateadas. Y el libro no se publicó de nuevo hasta 1960.

La infancia veneciana en una familia de cómicos, y la juventud en Calabria, Nápoles y Roma, con las primeras aventuras y escándalos, incluida la primicia homosexual, ocupan las tres primeras salas de la muestra. Ahí está el retrato que le hizo su hermano Francesco, pintor de éxito para su disgusto; los palacios venecianos y sus primeras incursiones en la magia y la cábala, y enseguida la cárcel de los Plomos, la legendaria fuga por el techo atravesando un cuadro de Veronese, su carrera por los tejados y su primer gran amor, en Parma: la francesa Henriette. Luego Venecia otra vez, ya en plan matador, sin faltar una sensual monjita llamada M. M., y muy pronto, París, "capital de la moda, la inteligencia y la impostura".

Aquí mantendría docenas de encuentros galantes y financieros, inventaría loterías y pendencias, vería a Voltaire y Dalambert, viviría el miedo a no gustar, el "comienzo de la muerte y el final de la vida"... Un romance de fuego con Manon Balleti, y un retrato delicioso de Jean-Marc Nattier llegado de la National Gallery, conducen a un grabado de Goya que ilustra su viaje a España.

"Fue un viaje raro, en esa época España no figuraba todavía en la ruta de los viajeros europeos", explica la comisaria. Acosado por los torquemadas patrios, Casanova fue detenido dos veces en aquel lugar lleno de "poblachos", un "prodigio de fealdad y de tristeza". Los varones españoles le parecieron "feos y celosos por naturaleza"; las mujeres, sin embargo... "Son muy hermosas, arden en deseos y siempre están dispuestas a favorecer algún enredo para engañar a todos los seres que las rodean a fin de espiar sus intrigas".

Como recordaba su traductor, Mauro Armiño, en un artículo reciente, "Casanova pasó por Ágreda, lugar de nacimiento de aquella sor María, autora de una biografía de la Virgen dictada por la Virgen misma que Casanova se había visto obligado a leer, entre carcajadas, durante su encarcelamiento en los Plomos venecianos".

Estuvo seis semanas arrestado en Barcelona. Al irse, dictaminó: "¡Pobres españoles! La belleza de su país, la fertilidad y la riqueza son la causa de su pereza, y las minas del Perú y del Potosí son las de su pobreza, de su orgullo y de todos sus prejuicios. Para convertirse en el más floreciente de todos los reinos de la tierra, España tendría necesidad de ser conquistada, zarandeada y casi destruida, y renacería apta para ser la morada de los seres felices".

Todo empezó en esta tierra: LEONARD COHEN

2011-11-16T11:38:00.001-06:00

Discurso pronunciado por Leonard Cohen en la entrega de los premios Príncipe de Asturias.
Es un honor estar aquí esta noche, aunque quizá, como el gran maestro Riccardo Muti, no estoy acostumbrado a estar ante un público sin una orquesta detrás. Haré lo que pueda como solista. Anoche no logré dormir, pasé la noche en vela pensando en qué podía decir hoy aquí. Después de comerme todas las chocolatinas y cacahuetes del minibar garabateé unas pocas palabras pero dudo que haga falta referirse a ellas. Obviamente, estoy muy emocionado por el reconocimiento de la fundación. Pero he venido esta noche a expresar otro tipo de gratitud que espero poder contar en tres o cuatro minutos.

Cuando estaba haciendo el equipaje en Los Ángeles me sentía inquieto porque siempre he tenido cierta ambigüedad sobre la poesía. Viene de un lugar que nadie controla, que nadie conquista. Es decir, si supiera de dónde vienen las canciones las haría con más frecuencia. Es difícil aceptar un premio por una actividad que en realidad no controlo. Haciendo el equipaje para venir, cogí mi guitarra Conde, hecha en España hace 40 años más o menos. La saqué de la caja y parecía hecha de helio, muy ligera. Me la puse en la cara y la olí, está muy bien diseñada, la fragancia de la madera viva. Sabemos que la madera nunca acaba de morir y por eso olía el cedro, tan fresco, como si fuera el primer día, cuando compré la guitarra hace 40 años. Y una voz parecía decirme: "Eres un hombre viejo y no has dado las gracias, no has devuelto tu gratitud a quien la merece: el suelo, la tierra, al pueblo que te ha dado tanto. Porque igual que un hombre no es un DNI, una calificación de deuda tampoco es un país. Ustedes saben de mi fuerte asociación con Federico García Lorca y puedo decir que mientras era joven y adolescente no encontré una voz y solo cuando leí a Lorca, en una traducción, encontré una voz que me dio permiso para descubrir mi propia voz, para ubicar mi yo, un yo que aún no está terminado.

Al hacerme mayor supe que las instrucciones venían con esa voz. ¿Y qué instrucciones eran esas? Nunca lamentar. Y si queremos expresar la derrota que nos ataca a todos tiene que ser en los confines estrictos de la dignidad y de la belleza. Así que ya tenía una voz, pero no tenía el instrumento para expresarla. No tenía una canción. Y ahora voy a contarles brevemente la historia de cómo conseguí mi canción.

Yo era un guitarrista indiferente. Solo me sabía unos cuantos acordes. Me sentaba con mis amigos, bebía y cantaba, pero nunca me vi como un músico o un cantante. Un día, a principios de los años sesenta, estaba de visita en casa de mi madre. Su casa estaba cerca de un parque con una pista de tenis donde íbamos a ver jugar al baloncesto. Era un lugar que conocía de mi infancia. Me paseé por allí y encontré a un joven tocando una guitarra flamenca. Me encantó, estaba rodeado de algunas chicas y me senté a escucharlo, me cautivaba, yo quería tocar así, aunque sabía que nunca lo lograría.

Me acerqué a él y nos entendimos medio en francés medio en inglés y pactamos unas clases en casa de mi madre. Era un joven español. Al día siguiente se presentó. Me dijo: "Déjame escucharte tocar algo". Lo hice y declaró que no tenía ni idea. Él cogió la guitarra, la afinó, me la devolvió y dijo: "No suena mal. Ahora tócala de nuevo". No cambió mucho. La cogió otra vez y me dijo: "Te voy a enseñar unos acordes". Tocó una secuencia rápida de acordes y luego me explicó dónde tenía que poner los dedos y me dijo otra vez: "Ahora toca". Pero fue un desastre.

Al día siguiente, empezamos de nuevo con esos seis acordes. Muchas canciones flamencas se basan en ellos. Al tercer día la cosa mejoró. Aprendí los seis acordes. Al día siguiente el guitarrista no volvió por casa. Dejó de venir. Como yo tenía el número de la pensión donde se alojaba fui a buscarlo para ver que le había pasado. Allí me contaron que aquel español se había suicidado, que se había quitado la vida. Yo no sabía nada de él, de qué parte de España era, por qué estaba en Montreal, por qué estaba en la pista de tenis, por qué se había quitado la vida.

Sentí una enorme tristeza. Nunca antes había contado esto en público. Esos seis acordes, esa pauta de sonido, ha sido la base de todas mis canciones y de toda mi música y quizá ahora puedan comenzar a entender la magnitud del agradecimiento que tengo a este país. Todo lo que han encontrado favorable en mi obra viene de esta historia que les acabo de contar. Toda mi obra está inspirada por esta tierra. Así que gracias por celebrarla porque es suya, solo me han permitido poner mi firma al final de la última página.

El negocio de la vagina

2011-10-17T06:46:00.002-05:00

Milenio.com

AP

Nueva York, EU • Las celebridades hablan sobre ella sin inhibiciones, aumentan los productos de higiene para ella y un comercial televisivo la exalta como "la cuna de la vida" y "el centro de la civilización".

La vagina se está convirtiendo en un gran negocio.

Como la generación actual creció entre la difusión de expresiones e imágenes más explícitas y de contenido sexual, adopta por lo mismo un diálogo más abierto en el ámbito de los genitales femeninos y desecha las referencias elípticas como había sido la práctica durante décadas.

A fin de llegar a las veinteañeras y treintañeras de la era digital, que tienen además lapsos de atención cortos, los expertos de la publicidad han recurrido a anuncios más atrevidos, más francos y a veces de plano chocantes.

"Las mujeres de la generación Y están hora más a gusto con sus cuerpos, así que tienen más atención disponible para productos sobre los que antes daba vergüenza conversar", dijo Deborah Mitchell, directora ejecutiva del Centro para Administración de Marcas y Productos en la Facultad de Administración de Empresas de la Universidad de Wisconsin.

"No me avergüenza hablar de esto, exclaman las mujeres de esta tendencia", agregó.
La nueva libertad para hablar sobre la vagina coincide con la intensificación de la publicidad para que las mujeres compren productos que tienen que ver con esa parte del cuerpo femenino.

La publicidad para artículos de la higiene femenina, como tampones, pantiprotectores y productos de limpieza, aumentó casi 30% a 218,9 millones de dólares en 2010 en comparación con hace dos años, según Kantar Media.

La cultura popular en Estados Unidos también ha contribuido bastante a que las estadounidenses —y las compañías— se sientan más cómodas respecto de las partes íntimas femeninas.

El término "vajayjay" (vagina en "slang") se popularizó aún más cuando la magnate de medios Oprah Winfrey lo utilizó en 2007 en televisión. En agosto, la actriz Olivia Wilde, que estelariza la serie televisiva "House" de Fox hizo en el programa "Conan" de TBS una descripción de su tatuaje favorito para una vagina.

"Estoy a punto de desmayarme", expresó Conan.

La apertura en este tema ha dado lugar a una industria de productos y servicios para la vagina.

El "Vajazzling" (decorado púbico femenino con cristales destellantes de la marca Swarovski) fue todo un fenómeno en 2010 cuando la actriz Jennifer Love Hewitt lo mencionó en el programa "Lopez Tonight" de interacción con el público que salía en la TBS.

El decorado púbico femenino es ahora un servicio popular que se ofrece en algunos salones de belleza en el país. Por ejemplo, el balneario Brazil Bronze Glow Bar cobra 25 dólares por diseños de línea propios como una mariposa, un dragón o un corazón, y 100 dólares por diseños al capricho de la cliente.

Bettybeauty Inc. fue emprendida en 2006 por Nancy Jarecki y vende sus productos para el teñido del vello púbico en salones de belleza y tiendas de artículos cosméticos. El producto, que cuesta 14,99 dólares, funciona como un tinte ordinario de cabello pero tiene una fórmula segura para la zona púbica.

Los colores son los de costumbre —negro, café y rubio— pero también hay magenta, turquesa y púrpura.

Jerecki dijo que sus ventas se triplicaron desde la presentación de su línea de estos productos, aunque se abstuvo de precisar cifras. Algunas mujeres buscan teñirse las canas en el pubis mientras otras quieren color por diversión, agregó.

"Cuando presenté el producto, la expresión que recibí fue 'vaya que me has resuelto un problema. Ni cuenta me había dado que tenía muchas canas abajo''', apuntó.

Las compañías de productos de gran consumo también han emprendido la fabricación de artículos para la vagina y utilizan publicidad con diálogos desinhibidos para promoverlos.
La empresa Energizer Inc. sacó en 2009 a la venta su rasuradora Schick Quattro Trimstyle que está dotada con una cortadora para vello púbico.

El comercial del producto, difundido primero en Europa, fue un éxito en internet: presenta mujeres que bailan al ritmo de una canción pegajosa llamada "Mow the Lawn" (Podando el césped) mientras recortan setos.

Una versión atenuada del anuncio en Estados Unidos muestra arbustos pequeños que quedan con diversos diseños mientras las chicas caminan al lado, en alusión a un vello púbico perfilado.

Kimberly-Clark se burló de los anuncios de productos femeninos, de estereotipo conservador, en su campaña publicitaria de 2010 que estaba dirigida a promover una nueva línea de toallas femeninas y tampones que se ofrecen en paquetes vistosos.

En el anuncio televisivo una mujer dice "quiero sentir cosas suaves, como mi gato" y "a veces quiero correr en la playa, quiero dar vueltas, a lo mejor en cámara lenta". El comercial termina con la frase: "¿Por que los anuncios de tampones son tan ridículos?"

Besos. ¿Qué hay detrás?

2011-10-17T06:38:00.000-05:00

LUIS MIGUEL ARIZA/ elpais.com

Kiki Hanafilia, una joven indonesia de 17 años, y Anis Saputra, de 24, paseaban como una pareja de enamorados por una hermosa zona boscosa tropical en Lhoong, Indonesia, el 22 de octubre de 2010, cuando un pescador local que caminaba por allí les vio besarse. El hombre corrió para avisar a los residentes locales, quienes acudieron al lugar de los hechos y comprobaron que la pareja se cogía de la mano y besaba. Kiki y Anis fueron llevados a juicio, acusados de violar la sharía o ley musulmana por comportamiento indecente. La sentencia llegó el 9 de diciembre de ese año y se cumplió un día después: ambos fueron sometidos a ocho latigazos frente a cientos de testigos, junto a la mezquita de Al Munawarah, en la localidad de Jantho. El fiscal general del tribunal que los juzgó, Deby Rinaldi, indicó a la agencia de noticias Jakarta Updates el agravante de la pena: ambos estaban casados. "El chico, Anis, tenía una esposa embarazada de siete meses; la mujer estaba casada, aunque su matrimonio había entrado en vías de separación".

El beso en público está penado por la ley en Indonesia. Los extranjeros denunciados por besarse podrían enfrentarse a cinco años de cárcel; los locales, hasta 10 años, con multas de hasta 33.000 dólares, indica la novelista y actriz británica Lana Citron en su obra A Compendium of kisses (Harlequin Books). Y no es el único país. Charlotte Lewis, una británica de 25 años, fue sentenciada en 2010 a un mes de cárcel en Dubai por besar a un ejecutivo en público en la mejilla -según su abogado- y acariciarle la espalda. En la India, el beso en plena calle sigue siendo un tema tabú, y resulta extremadamente raro observar a las parejas besándose a la vista de todos. La multa en Delhi es de unos 12 dólares. Siendo el beso una de las manifestaciones más antiguas de la humanidad (las referencias escritas sobre los besos en la boca ya aparecen en los textos indios en sánscrito hace más de 2.000 años), resulta paradójico comprobar que no es universalmente aceptado. En China, el periódico Daily advirtió en 1990 a sus lectores que la costumbre de besar había sido traída por los "invasores europeos" y la describía como "una práctica vulgar rayana en el canibalismo". En Sudáfrica va contra la ley que los menores de 16 años hagan una manifestación pública de afecto. Los nepaleses no se besan. El beso a la vista de todos no está bien visto en Oriente Medio, aunque países como Turquía o Líbano son más tolerantes, indica Citron. En nuestra cultura occidental sí es habitual; besamos a nuestros hijos o a las personas que amamos, besamos los cuerpos de los familiares difuntos antes de ser enterrados, besamos en la mejilla como una forma cortés de saludo. Pero cuando se explora en profundidad, el beso humano y todo lo que le rodea se envuelve en un halo de misterio. No siempre ha sido así.

¿De qué estamos hablando exactamente? Hagamos el retrato robot de un beso. Primer paso: giramos la cabeza. Dos terceras partes de las personas lo hacen hacia la derecha antes de besar a su compañero o compañera en la boca, de acuerdo con los estudios. ¿Por qué? Según el psicólogo alemán Onur Gunturkun, el 80% de las madres acunan a sus hijos contra su costado izquierdo, sean diestras o zurdas, por lo que los bebés tienen que girar su cabeza hacia la derecha para encontrar el alimento y el contacto maternal. Segundo paso: juntamos y presionamos nuestros labios con los de él o los de ella. Claro que los labios humanos, en el reino animal, son muy raros, carnosos y vueltos hacia afuera. Y muy sensibles e inervados. En la corteza cerebral que recibe la información de los sentidos, la superficie dedicada a los labios y la lengua es más grande que la de los pies o los genitales. Tercer paso: un buen beso requiere todos los músculos faciales, en total 34, además de otros 134 músculos extra que configuran la postura en el resto del cuerpo. Una ópera llevada a cabo en la Universidad de Taiwán en 2007 por robots que se besaban requirió tres años de programación. En los besos con lengua (el llamado beso francés) hay, además, intercambio de saliva. Y en un solo mililitro de saliva anidan unos cien millones de bacterias, un intercambio superlativo de microbios (la saliva tiene también microbicidas que acaban con la mayor parte de estas bacterias ajenas). Este tipo de beso representa el erotismo que nos caracteriza, el juego para sublimar el mero acto sexual. Pero... ¿somos los únicos en practicarlo?

"No podría darle una respuesta concluyente", asegura Lana Citron a El País Semanal." Los amantes de los animales están convencidos de que sus mascotas entienden el afecto y la comunicación con los humanos. Pero cuando nos preguntamos por qué besamos de forma tan sexual no podemos afirmar que suceda lo mismo en el mundo animal". Citron describe el caso de los bonobos, el chimpancé más cercano a nosotros en su comportamiento: ellos también saben lo que es besar usando la lengua como un instrumento de exploración. Practican el beso francés (además de muy variadas posturas sexuales, incluyendo la de cara a cara), y a veces sus intensos besos se prolongan doce minutos. Algunos investigadores han puesto en tela de juicio que el beso sexual de los bonobos sea innato, al haberse observado en cautividad. ¿Podrían haberlo aprendido de nosotros... detrás de los barrotes? Para el prestigioso antropólogo Frans de Waal, que ha estado observando a los bonobos desde hace años, estos monos son mucho más sofisticados. Usan el beso como un elemento de excitación sexual. Los otros chimpancés, en cambio, se besan casi de forma platónica e inocente después de una trifulca. El beso, escribe este experto en su libro La política de los chimpancés (Alianza Editorial), "se parece a una picadura. Parece que podrías hacer algo peligroso, cuando en realidad no es así, sino que te coloca en una posición muy vulnerable". Sí, los besos son etéreos y contradictorios y quizá surgieron como una forma de comunicación afectiva.

No sabemos si los primeros humanos se besaban ya hace un millón y medio de años, cuando surgieron los primeros Homo erectus en África. No hay nada parecido al fósil de un beso. Y sin embargo, según las encuestas, la gente recuerda el 90% de las cosas que ocurrieron con sus primeros besos con más precisión incluso que sus primeros encuentros sexuales. Los besos dejan una huella vívida en la memoria. Se ha argumentado que surgieron como una consecuencia de la técnica de alimentación que muchas aves y mamíferos tenían con su descendencia, despedazando el alimento entre sus picos o fauces para dejar los pedazos en la boca de sus crías. Pero el asunto evolutivo del beso es intrigante. Para el antropólogo Vaught Bryan, de la Universidad A&M, en Tejas (Estados Unidos), no es algo innato, sino aprendido. "Si así fuera, todo el mundo lo haría. Y no es el caso", indicó a la revista australiana Cosmos. Algunos pueblos africanos nunca se besan en la boca porque consideran que es la puerta de acceso al alma, por lo que uno podría robar el aliento vital durante un beso. Y los indígenas de la isla de Mangaia, en el Pacífico Sur, tenían fama de ser magníficos amantes, pero desconocían completamente el beso hasta que llegaron los europeos en el siglo XVIII. Igual que los aborígenes australianos.

En Europa se ha visto de muy distinta manera. "Las prácticas del beso cambian con la época, especialmente en Inglaterra. Cuando era una niña, el beso como saludo era algo desconocido. Y en Alemania, hace poco oí el argumento de que los alemanes no usaban el beso como saludo, pues no era una costumbre alemana, y hablaban incluso de prohibirlo en las oficinas. Al bucear en la historia descubrí que en Inglaterra el beso para saludar se daba directamente en los labios", explica Citron. Al igual que en el resto de Europa en los siglos XV y XVI. Una carta escrita en 1544 por el poeta italiano Annibale Caro describe cómo los hombres besaban a las mujeres en los labios en la recepción que el rey español Carlos I dio en Bruselas en honor de la reina francesa Eleonora. Dos siglos después, el saludo en los labios desapareció. "Tiene que ver con la manera en la que la Iglesia católica contemplaba el beso", asegura esta novelista británica. En el momento en el que las autoridades eclesiásticas restablecieron las leyes contra la homosexualidad, los besos de saludo entre los hombres en los labios quedaron prohibidos. Y aunque el Kamasutra oriental describe los tipos de besos más eróticos y hermosos, el beso sexual es relativamente más moderno en Occidente. "Antes, la mayoría de las personas tenían muy poca higiene dental, por lo que se entiende que no resultara tan atractivo besar tal y como lo entendemos ahora", dice Citron.

El beso en el catolicismo tiene una carga ritual y religiosa innegable: se besan los pies de Cristo y los de los antiguos papas, o su anillo, o los objetos sagrados; o el pontífice besa la tierra del país que visita... Su abanico de connotaciones abarca incluso la traición -el beso de Judas en la mejilla de Cristo para identificarle ante los soldados- o la compasión. El beso a los leprosos estuvo de moda ente los nobles y religiosos medievales europeos y alcanzó su apogeo entre los siglos XII y XIII. Se dice que los guerreros templarios en Jerusalén interrumpían sus matanzas para besar las manos de los leprosos, lo que les acercaba a Dios. "Culturalmente, el beso se extiende a lo largo de todo el espectro de lo bueno y lo diabólico, desde el beso que da la vida hasta el de la muerte", dice Citron. Como el llamado osculum infame, el beso de la culpa, asociado a las orgías, el canibalismo o los rituales de infanticidio, y el beso en el recto del diablo, que servía para catalogar a una mujer como bruja en los terribles manuales del siglo XV.

Pero, ¿por qué besamos? El beso es adictivo. Como una droga. Nos gusta. Las pupilas se dilatan. El cerebro se ilumina. Según la neurocientífica Wendy Hill, del Colegio Lafayette en Pensilvania, los niveles de cortisol descienden. Se aleja el estrés. Pero, ¿y si el primer beso no nos gusta? La relación romántica cae hecha pedazos. Un estudio mostró que el 66% de las mujeres y el 59% de los hombres no empezaron una relación romántica por el desencanto del primer beso. Así que es posible que el beso sirva para obtener información mutua. El intercambio de saliva podría permitir que el hombre pasase cantidades de testosterona a la mujer para estimularla y hacerla más receptiva al acto sexual. Los besos también podrían ser una forma de selección femenina mediante el olfato (el beso esquimal no consiste, como se suele creer, en rozar las narices, sino en olfatear las mejillas).

El biólogo Claus Wedeking, de la Universidad de Laussane, en Suiza, saltó a la fama por su clásico "experimento olfativo de las camisetas sudadas". Demostró que las mujeres preferían el sudor dejado por aquellos hombres cuyos genes inmunológicos (MHC) eran diferentes a los de ellas (lo que garantizaría hijos más sanos). En una repetición de este curioso experimento, Craig Roberts, de la Universidad de Liverpool, comprobó que las mujeres que tomaban regularmente la píldora ¡hacían justamente lo contrario! Les atraía el olor de los hombres cuyos genes MHC eran más parecidos a los suyos. Esta selección no funcionó "cuando ellas tomaban la píldora, ya que eso pervierte el instinto natural del cuerpo", indica Citron.

El propio Wedeking ha comentado que la píldora produce una simulación del embarazo, y que a las mujeres embarazadas les gusta rodearse de gente con el mismo ADN, un ambiente familiar donde encuentran más seguridad.

Lana Citron, que lleva un par de años investigando todos los asuntos relacionados con el beso, no lo duda: "Puedo decir de forma inmediata si un beso va a funcionar o no. Para mí, la sexualidad es algo muy dependiente de a qué huele y a qué sabe la otra persona".

Tomas Tranströmer, Nobel de Literatura 2011

2011-10-15T08:01:00.000-05:00

http://www.elparadiario14.cl/

Por Maitetxu Larraechea

Este año sonaban como candidatos al Nobel de Literatura algunos nombres bastante conocidos entre el público masivo. A Murakami y Roth te los encuentras en ofertas, y qué decir de Bob Dylan. Sin embargo, otorgaron el Nobel de Literatura 2011 a Tomas Tranströmer, un poeta sueco que ni Vargas Llosa había leído jamás.

Pero cuidado con confundirse. Por acá está costando encontrar escritores familiarizados con Tranströmer, pero eso es un problema criollo: este es el poeta vivo más famoso de Suecia.

“Lo que pasa es que, siendo él de una lengua como el sueco, es más difícil tener traducciones”, justifica Oscar Hahn, galardonado el pasado julio con el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda. Al parecer, el sueco es realmente una muralla idiomática. Hay artículos que dicen que, precisamente, el gran mérito de Tranströmer es haber logrado, pese a su idioma nativo, notoriedad suficiente como para ganarse el Nobel. Y además, el autor logró este paso a otros idiomas manteniendo la musicalidad que caracteriza a su poesía. “Yo no sé una palabra de sueco -dice Hahn- y en las traducciones al español se mantiene algo de lo poético que debe haber en el original. Eso es mérito de él. Solo cierta poesía logra en las traducciones mantener ése algo, esa fuerza poética. Con sus textos traducidos al inglés, a mí me pasó que percibí que él tenía una gran capacidad de crear atmósfera. Luego leí que habían expertos que comentaban lo mismo desde las versiones suecas, y es admirable que esto se mantenga también en la traducción”, explica el admirado poeta nacional.

"Lo que pasa es que él describe mucho la naturaleza. Pero no es una naturaleza realista, si no que le agrega algo que le da un tono irreal, como de paisaje visto en un sueño” Oscar Hahn supo de Tranströmer gracias a un estudiante sueco que conoció en la Universidad de Iowa, Estados Unidos, donde Hahn enseña desde hace décadas. Este estudiante sabía que Hahn era poeta además de académico, y le recomendó la lectura del nuevo Nobel.¨Después miré en Internet y encontré traducciones al español, y pude compararlas. Enseguida cae uno en cuenta de esto que han comentado tanto, esto del uso que hace de las imágenes. Lo que pasa es que él describe mucho la naturaleza. Pero no es una naturaleza realista, si no que le agrega algo que le da un tono irreal, como de paisaje visto en un sueño”.

Visto en un sueño - o visto desde arriba, podría ser. A Tranströmer lo apodan “the buzzard poet”, algo así como “el poeta-águila”. La Academia sueca, al premiarlo, comentó que “a través de la condensidad de sus traslúcidas imágenes, nos aporta un acceso fresco a la realidad". Tenemos entonces la suavidad de estas imágenes traslúcidas, como de sueño, pero no por ello esquivas de lo real. Se mantiene la agudeza de la mirada del águila, la presencia de lo concreto.

“Era sicólogo y trabajaba en cárceles,” apunta Hahn. “Yo creo que eso influye en su poesía. Su poesía es sobre el interior de la persona, más que lo de afuera”, explica, pero asegurándonos que de todos modos Tranströmer conserva trazos de cosas reales, concretas, tal vez menos universales. “Por ejemplo, hay pasajes en los que aparecen algunas calles de Estocolmo, pero siempre mezcladas con ensueño”, dice Hahn.

El ejemplo magistral sobre esta capacidad de juntar realidad y ensueño está en uno de los poemas más famosos de Tranströmer: “Góndola Fúnebre, Nª2”. Este poema recrea un paseo en góndola que ocurrió en vida real entre Franz Liszt y Richard Wagner, los dos espléndidos compositores que eran además suegro y yerno. Por cartas se sabe que Liszt visitó a Wagner en Venecia, en 1882, apenas un par de meses antes de que Wagner muriera, y parece ser que Liszt percibió en Wagner una sombra de muerte. Lo sintió cansado y listo para partir. Con este sentimiento premonitorio compuso una primera versión para “La lúgubre góndola”, que es una de las obras más conocidas de la música de Liszt. Volvemos ahora a nuestro Nobel de Literatura: “Góndola Fúnebre, Nª2” recoge estos paseos y los recrea, esbozando también la mirada de Liszt hacia un Wagner que ya se despedía de la vida. “Y esta historia, esta anécdota, es algo muy concreto”, comenta Hahn, “pero escrito por él siempre aparece como una mirada hacia un mundo raro y de ensueño. Eso es -concluye- el suyo es un mundo raro y de ensueño”.

La apoplejía que Tranströmer sufrió en 1990 lo llevó a acercarse a la figura de los Haikus japoneses. “Era mas fácil para él escribir así, corto. Al menos, más corto que un poema tradicional”, apunta Hahn, “y lo interesante es que, como él tiene esta habilidad de condensar lo poético, sus Haikus funcionan muy bien, incluso traducidos”.

No le tengan tanto miedo a la lectura de Tranströmer, recomienda en síntesis Hahn. Piensa que el nuevo Nobel no es difícil para un público masivo, que no tiene cosas complicadas, aunque sí se trata de una poesía un poco más profunda que la media. Al final, todo cae en cuán habituado esté cada uno a leer poesía y cuánta facilidad tenga naturalmente para procesarla. “A veces, con la poesía pasa que no se necesita un entrenamiento, pero así como hay gente que tiene la aptitud para escribir poemas, hay gente que tiene la aptitud para leerlos. No tienen que pasar por la Universidad o estudiar literatura, la poesía es algo natural en esas personas”, comenta Oscar Hahn.

Probemos entonces de qué estamos hechos.

Periodismo narrativo, la apuesta ahora

2011-10-15T07:53:00.001-05:00

Alida Piñón | El Universal.com.mx

El periodismo cultural no existe, lo que existe es periodismo con temas culturales. La apuesta es el periodismo narrativo, el cual debe tener intriga, clímax, tono y una estructura que tiene a su vez sentido.

“El periodismo cultural no existe como tal porque un acontecimiento de esta naturaleza debe ser tan bien escrito como si se estuviera escribiendo una crónica de la matanza de mujeres en Ciudad Juárez ”.

Así lo planteó la periodista argentina Leila Guerriero, editora de Gatopardo para el Cono Sur, durante el tercer día del Seminario Nuevas Rutas para el Periodismo Cultural, organizado por la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

“El periodismo cultural no existe, qué suerte, porque lo único que el periodista debería pensar a la hora de escribir un texto sobre el aniversario de la muerte de Juan Rulfo no es en qué sección va a publicarlo, sino qué tiene él para decir sobre los aniversarios, sobre la muerte, sobre Rulfo”, sostuvo.

La periodista añadió que “cuando el periodismo se transforma en una línea de montaje en la que primero se escribe, después se imprime y al final se archiva, es un buen momento para empezar a pensar en dedicarse a otra cosa”.

Resaltó que si bien es un buen aliciente ganar premios, los periodistas escriben porque tienen algo para decir.

Sostuvo que el periodismo de diarios propicia la velocidad y la brevedad, por lo que se crean periódicos sin ningún tipo de análisis. “Uno es los ojos del lector y si lo que le muestras es pura carne picada, una hamburguesa hecha en dos minutos, estamos contando el mundo McDonalds”, dijo.

Guerriero manifestó que una persona estudia periodismo y ejerce su profesión porque tiene algo para decir. “Quiere contar un mundo, tiene una curiosidad sana o insana por el mundo que está afuera, así que tiene la gran excusa para ir a verlo y contarlo, y que le paguen por ello”.

Por su parte, el escritor Rafael Pérez Gay, quien fungió como comentarista, sostuvo que el periodismo cultural es lo que va a la cola de los periódicos, o está detrás de una sección y después de una época boyante, en la década de los 70 dejó de ser prestigioso el hábito de la lectura.

“Tenemos que convencer de que el periodismo cultural tiene tanto que decir como cualquier otra fuente”, dijo el director de la editorial Cal y Arena.

Instalarán 320 paralibros en todo México

2011-10-15T07:52:00.000-05:00

Milenio.com

Tienen la forma de los llamados parabuses: estructuras colocadas sobre aceras de calles y avenidas para el ascenso y descenso del transporte público, pero en lugar de la publicidad que suelen tener esos muebles se les dotará de libros, 365 títulos para bebés, niños, jóvenes y adultos; uno para cada día del año.

La iniciativa nació en Colombia y fue importada bajo el nombre de Paralibros, a cargo de la Dirección General de Publicaciones, del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), con la intención de colocar 320 en todo el país, 10 por cada entidad federativa.

“Los paralibros son muebles urbanos que se van a instalar en espacios abiertos, a la vez protegidos, como parques públicos, campos deportivos o accesos a museos. Aparecen en las distintas rutas de los transeúntes, salen a su encuentro para acercarlo al libro, para facilitarles revistas, libros y servicios plurales”, a decir de Consuelo Sáizar, presidenta del Conaculta.

El programa —que comenzará en Zacatecas, para seguir con Oaxaca y Colima, con la idea de funcionar en su totalidad en febrero de 2012— se sustenta en la experiencias de la Salas de Lectura, reconocidas por el centro Regional de Fomento a la Lectura y el Libro de América Latina y el Caribe (Cerlalc) como un programa modelo para la difusión de la lectura.

“Se trata de un programa importante para el Distrito Federal, pero para los estados va a ser fundamental. Muchas veces no nos damos cuenta del impacto de las acciones: imagino el pueblo donde nací, en Acaponeta (Nayarit), con un paralibros: le va a cambiar mucho ciertas dinámicas”, destacó Sáizar.

Con una estructura de acero —a fin de evitar el vandalismo—, techos y asientos fijos, losparalibros contarán con espacios para almacenar libros, bancos de lona y cojines, los cuales se van a colocar en lugares que cuenten con espacio para albergar otro tipo de actividades, como funciones de cuenta cuentos, titiriteros y sesiones de lectura en voz alta.

Desde la perspectiva de Laura Emilia Pacheco, directora general de Publicaciones del Conaculta, el proyecto contribuirá al rescate de espacios públicos y a fortalecer el tejido social “al generar puntos de encuentro de familia en torno a la lectura”.

“Los lugares no son azarosos: contamos con la experiencia de Héctor Chávez —director de la Red de Librerías Educal—, quien tiene localizados lugares donde no hay librerías ni bibliotecas, entonces queremos acercarnos a esos sitios.”

Para las 320 estructuras se contó con un presupuesto superior a los 37 millones 800 mil pesos, si bien cada uno de los paralibros cuenta con una vida útil de diez años.

Durante el lanzamiento del proyecto, Consuelo Sáizar enfatizó que no es un programa que se haya realizado sin una reflexión profunda, sino es un proyecto muy bien estudiado, que cierra el ciclo de capacitación, experiencia y selección de los materiales, desarrollado en Salas de Lectura, y en donde incluso se hizo un cruce de información con datos sobre consumo cultural o infraestructura en el país.

“Éste es un programa muy importante —insistió la funcionaria—, con el que nos vamos a acercar a la sociedad, a detectar cuáles son los libros que quieren tener: una aproximación que nos va a dejar una cauda de aprendizaje que podemos aprovechar de mejor manera.”

México. Jesús Alejo

Google Earth revela la mentira más cínica de Asia: Hay campos de concentración

2011-10-15T07:45:00.000-05:00

Por: Montserrat Arqué/de10.com.mx

Es bien sabido que en Corea del Norte, al igual que en muchos otros países en donde reinan los regímenes totalitarios, existen al menos 10 campos de concentración, también llamados de educación, en donde viven miles de personas en condiciones infrahumanas y que realizan diversos trabajos a marchas forzadas.

Uno de los sitios más conocidos fue elCampo de Concentración de Onsong, en donde habitaban más de 15 mil presos políticos, quienes realizaban brutales jornadas de trabajo. Finalmente, fue cerrado de manera definitiva en 1989.

A pesar de que el gobierno norcoreano en los últimos años se ha dedicado a desmentir que en la actualidad existen sitios como éste, hasta el año pasado se conocía que más de 250 mil personas aún viven en ellos, esperando algún día recobrar la libertad o poder escapar del martirio y emigrar a China,describe elpais.com.

De hecho, recientemente se difundieron algunas imágenes de lo que supuestamente sería uno de esos campos de concentración, que contrario a lo que dice el gobierno local y comparando con fotografías anteriores, ha sufrido ciertas modificaciones en su estructura, lo que significa que aún hay gente viviendo en él y que en los últimos años se incrementó el número de pobladores.

Enter.co publica que el Ministerio de Unificación de Corea del Sur utilizó Google Earth para verificar si aún existían estos campos de represión; y gracias a esta herramienta de internet se localizaron varios de éstos, mismos que fueron negados por Kim Jong iL, "líder supremo" de Corea del Norte.

Fue gracias al semanario Far Eastern Economic Review que ahora podemos conocer estas imágenes. Los directivos de la publicación, atraídos por el tema, le encargaron a la empresa DigitalGlobe que fotografiara unas coordenadas en la zona montañosa del noroeste de aquel país.

Iglesia Ortodoxa Rusa en contra de “Cien años de Soledad” de García Márquez y “Lolita” de Nabokov

2011-10-15T07:36:00.000-05:00

EFE | El Universal

La Iglesia Ortodoxa Rusa (IOR) acusó hoy a las novelas "Lolita" del ruso VladImir Nabokov y "Cien años de soledad" del colombiano Gabriel García Márquez de promover la pedofilia.

"En esas novelas se idealizan las pasiones depravadas que hacen infeliz a la gente" , señaló Vsevolod Chaplin, representante de la IOR, citado por las agencias rusas.

Chaplin opina que "la popularización de esas novelas en la escuela no contribuyen a la salud moral del pueblo, de la que depende el futuro de la sociedad".

El religioso criticó "los cínicos y monstruosos intentos de justificación de la pedofilia que tienen lugar en la Rusia actual" y añadió que la IOR tiene "derecho a juzgar desde el punto de vista moral cualquier expresión artística, nueva o antigua".

"A día de hoy es necesario revisar con decisión la relación con la moral social, en particular con el desenfreno sexual. Sin esta revisión, la sociedad rusa simplemente dejará de existir dentro de cien años. Esto está claro" , comentó.

Estas afirmaciones fueron muy criticadas por el escritor, historiador y opositor político, Eduard Limónov.

"¿Qué hacemos con Nabokov y Márquez? ¿Prohibimos sus libros? Esta gente no entiende que parecen personas que se han bajado del árbol del progreso" , dijo.

A su vez, el periodista y presentador Nikolái Svanidze aseguró que, en caso de que la IOR esté en lo cierto, habría que analizar por su contenido de violencia, pedofilia y otras cosas inaceptables, toda la literatura universal desde Homero, incluida la rusa.

"De ahí a quemar libros en las plazas hay un paso" , dijo.

La IOR ha incrementado notablemente su influencia en la sociedad desde que llegó al poder en 1999 el actual primer ministro, Vladímir Putin, que anunció el sábado pasado que regresará el Kremlin el próximo año.

Nueva York, la meca de las lenguas perdidas

2011-09-21T23:09:00.002-05:00

Emma Reverter/ BBC Mundo

Nueva York

Si un lingüista quiere estudiar y documentar lenguas en peligro de extinción puede cruzar desiertos, atravesar selvas, navegar por ríos perdidos y vivir con tribus indígenas o ir a Nueva York. Se calcula que en la ciudad se hablan más de 700 lenguas y de éstas, la mitad podrían extinguirse antes de fin de siglo.

Una de ellas, es el garifuna, originaria de África y que se hablaba en la isla caribeña de San Vicente, donde los garifuna llegaron tras escapar cuando eran transportados en un barco para ser vendidos como esclavos a América Latina. En 1796 los británicos expulsaron a la comunidad garifuna y obligaron a los que se quedaron a hablar inglés. El país de San Vicente y las Granadinas se independizó del Reino Unido en 1979. Tras dos siglos de presencia británica ya no quedaba ni rastro de ese idioma en la isla.

Ahora, el músico James Lovell, que creció en Belice y vive en Brooklyn, se ha propuesto resucitar la lengua en la isla de San Vicente.

"Quiero que los niños de la isla vuelvan a hablar garifuna y para ello quiero impulsar talleres de canto y danzas populares", explicó Lovell mientras canta en esa lengua con la ayuda de su guitarra y de un piano. El artista recibió a BBC Mundo en la sala de un centro cultural del barrio de Bushwick, la parte de Brooklyn con más habitantes de América Latina y del Caribe.

El año pasado Lovell impulsó un taller de verano para 70 niños y adolescentes de la isla, que aprendieron a cantar en garifuna, y espera contar en el futuro con alguna subvención que le permita hacerlo de forma más continuada.

Lovell cree que iniciativas culturales y educativas como la suya pueden ayudar a romper muchos prejuicios. "El garifuna fue una lengua estigmatizada en la Isla de San Vicente porque los ingleses difundieron rumores para atemorizar a la población", afirma. "Los ingleses dijeron que los garifuna éramos caníbales para aterrorizar a sus esclavos y que no se atrevieran a acercarse a los negros libres".
Nueva York como plataforma

Aunque le gustaría pasar más tiempo en la Isla de San Vicente, considera que vive en la ciudad idónea para promover su lengua. "Nueva York es una plataforma muy potente para proyectar un idioma y una cultura al mundo, defenderlas y conseguir ayudas para salvarlas", indica Lovell.

Lo ayuda el lingüista Daniel Kaufman, uno de los fundadores de laEndangered Language Alliance (Alianza del Idioma en Peligro, ELA en sus siglas en inglés), una organización con sede en Manhattan que trabaja con comunidades que viven en la ciudad que hablan lenguas en peligro.

La ELA documenta idiomas en peligro, como el garifuna, el zaghawa (una lengua sahariana) o el mamuju (una lengua austronesia). Kaufman recorre Nueva York para obtener imágenes, cintas de audio y documentos. "A veces trabajamos con comunidades de inmigrantes que son muy activas y quieren preservar su idioma y su cultura, y otras con inmigrantes que hablan una lengua en peligro de extinción y están solos en la ciudad", explica a BBC Mundo.

Aunque él es experto en lenguas austronesias, dedica gran parte de sus esfuerzos en documentar el garifuna porque le interesa su riqueza y porque se encontró con una comunidad muy organizada en Brooklyn y el Bronx. "Lovell ha inyectado la vacuna del garifuna a los niños de la Isla de San Vicente; estaría bien que pudieran seguir aprendiendo", añade Kaufman.

"Para los garifuna la Isla de San Vicente es su punto de referencia del mismo modo que para los judíos lo es Jerusalén". En la actualidad el garifuna cuenta con unos 600.000 parlantes en América Central. Junto con la danza y la música garifuna, fue proclamada en 2001 e inscrita en 2008 en la Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la Unesco
Recuperar las voces del mundo

Pero Kaufman no esta solo en semejante tarea. El Museo de Historia Natural del Smithsonian, en Washington DC, colabora con comunidades, museos, universidades y organizaciones como la UNESCO para documentar y salvar las lenguas en peligro de desaparición.

En el mundo se hablan más de 6.000 idiomas pero presiones culturales, políticas y económicas fuerzan a muchas comunidades usar la de otras comunidades de mayor tamaño. Los expertos estiman que cada dos semanas desaparece una lengua y que, a este ritmo, el 90% de las lenguas del mundo habrán desaparecido a finales de siglo.

"La iniciativa Recovering Voices (Recuperando voces, en inglés) empezó en 2009 y ahora tiene más impulso gracias a varias colaboraciones", explicó a BBC Mundo el profesor Joshua Bell, antropólogo de la institución.

Los expertos del Smithsonian trabajan sobre terreno con hablantes del zapoteca en México y de loma en Guinea y Liberia. También colaboran en los esfuerzos de recuperación del Miami de la tribu Miami de Oklahoma; una idioma algonquina de los nativos norteamericanos que ya no se habla. Los miembros de la tribu consideran que la lengua no está extinta sino dormida.

Como la ELA, el Smithsonian centra parte de sus esfuerzos en concienciar a la población de la necesidad de salvar lenguas en peligro y de la pérdida de información que comporta la desaparición de una lengua. "Intentamos documentar y ayudar las lenguas en peligro, así como los sistemas de transmisión de conocimiento y la cultura que rodean estas lenguas", afirma Bell. Los expertos consideran que cuando se pierde una lengua también se pierde un modo de entender e interpretar la vida.

En el libro "Aquí se habla un recorrido por las lenguas amenazadas", el escritor y poeta canadiense Mark Abley narra su viaje a través de lenguas en peligro. El autor explicó a BBC Mundo que "de la misma forma que la biodiversidad es crucial para la salud del ecosistema, yo diría que la diversidad lingüística es crucial para la salud de la cultura humana. Cuando una lengua muere no solo perdemos un vocabulario concreto sino también una forma única de entender el mundo ya que las lenguas no se duplican unas a otras con la traducción, como alguna gente piensa".

Y esto es lo que Lovell considera que pasó en la Isla de San Vicente. "Walamiserun (esta es nuestra mala experiencia), Yurumei Negebuga Wagierabei" (la isla de San Vicente era nuestra casa).

Inauguran retrospectiva de Willem de Kooning en el MoMA

2011-09-21T23:09:00.001-05:00

NOTIMEX/MILENIO

Nueva York • Como una oportunidad para estudiar el desarrollo artístico de Willem de Kooning, a partir de sus inicios académicos en Holanda y hasta sus pinturas abstractas de finales de los 80, se abrió hoy la mayor retrospectiva de este artista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Se trata de una gran exposición integrada por más de 200 piezas, entre pinturas, esculturas, dibujos y grabados, en la que se muestra cómo De Kooning, estadunidense de origen holandés, nunca siguió un único ni definido camino, pues el desarrollo de su obra evolucionó a partir de diversas técnicas.

Entre las piezas que conforman esta retrospectiva, que se podrá visitar hasta el 9 de enero de 2012, destacan "Pink Angels" (1945) y "Excavation" (1950), además de su conocida serie titulada "Women (1950-53)", sus tempranas "Still Life" (1916-17) y "Still Life (Bowl, Pitcher and Jug)", ejecutadas hacia 1921, cuando aún vivía en Holanda.

Otras de las piezas que expone esta magna exhibición son sus famosas figuras de mujeres, realizadas entre 1940 y 1946, las cuales fueron creadas mediante un proceso en el que su creador mezclaba los dibujos en carboncillo con pinturas al óleo aplicadas en capas alternativas.

Esta muestra también contiene ejemplos de sus series artísticas más importantes y siguiendo un orden cronológico desde las pinturas figurativas del principio de la década de los 40 a las composiciones en blanco y negro de 1948-49.

Igualmente, en esta retrospectiva, se han incluido obras de arte abstracto urbano que el pintor realizó a mediados de los años 50, así como las de su regreso al arte figurativo una década después y sus trabajos posteriores.

Entre ellas figura también un escenario teatral, "Labyrinth", muy poco conocido y que data de 1946, así como las obras que realizó a finales de esa década, después de haberse trasladado a Carolina del Norte para ejercer como profesor y su vuelta a Nueva York para proseguir con las intensas pinturas de su serie de mujeres.

La etapa final del artista, desarrollada entre los 70 y los 80, cuando su salud se había deteriorado y sufría demencia se puede observar en "Untitled VI" (1986) y "The Cat's Meow" (1987).

Considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo Abstracto, la obra De Kooning representa un recorrido en el cual se puede apreciar el deseo por lograr una interacción entre espacio y materia, y la ilusión representativa.

El último proyecto de Monsiváis

2011-09-21T23:09:00.000-05:00

Yanet Aguilar Sosa | El Universal.com.mx

Unos meses antes de su muerte (el 19 de junio de 2010), Carlos Monsiváis firmó los 40 ejemplares del libro-objeto Lí-rica sacra, moral y laudatoria, que contiene 48 de sus aforismos y 24 grabados de Vicente Rojo. Ese fue el último proyecto artístico del escritor y cronista que murió a los 72 años.

El libro que se hizo según idea y diseño del artista plástico Vicente Rojo, gran amigo de Monsiváis, es una pieza de arte en sí misma porque no sólo conjuga el arte de los dos creadores, sino que además se trata del primer libro de aforismos del cronista, que él mismo escribió para tal proyecto que ya se había exhibido como parte de la muestra Correspondencias, que montó Rojo en la Estación Indianilla en 2009.

Ese primer acercamiento artístico llegó al papel en el libro-objeto Lí-rica sacra, moral y laudatoria, un trabajo donde los 48 aforismos de Monsiváis están impresos en serigrafía y los 24 grabados de Vicente Rojo están impresos en metal, pero también al reverso, la misma imagen está impresa en serigrafía, casi todos a tintas y en dos colores diferentes, sobre papel Gvarro Super Alpha de 250 gramos.

Los 40 libros de arte que miden 15 centímetros de alto por 50 de largo, fueron firmados por Carlos Monsiváis en una de las altas que le dieron los médicos del Instituto Nacional de Ciencia Médicas y Nutrición Salvador Zubirán, donde estaba siendo tratado y donde murió víctima de fibrosis pulmonar.

Las citas a las que no llegó

Luis Miguel Valdés, fundador -con el poeta Cuitláhuac Rangel- del taller de grabado La Siempre Habana, donde Rojo trabajó el libro-objeto, recuerda que el plan era hacer un acto de firma en el taller de Vicente en Coyoacán, donde ambos creadores firmarían los ejemplares, pero aunque dos ocasiones programaron todo, la enfermedad de Carlos impidió concretar el acto.

“Hicimos dos citas para que Carlos fuera al taller de Vicente Rojo a firmar los libros, en una de las citas no llegó porque justo ese día lo ingresaron al hospital, en uno de los varios periodos; y en la segunda ocasión, pensaba que iba a salir del hospital pero tampoco fue posible. Al final, Vicente se llevó los libros a su casa en la Portales, aprovechando una de las altas, fue entonces cuando Carlos los firmó”, señala el editor de libros de arte y especialmente de grabados a la usanza artesanal.

Valdés siempre se mantuvo en comunicación con Rojo, artista con el que ha trabajado muchos de sus grabados y al menos dos de sus libros-objeto: Novela y Nubes de fuego, además de la carpeta Ceniza plata; él llevó hasta Cuernavaca, donde se localiza hoy el taller, la lista con los 48 aforismos de Monsiváis, él diseñó el libro y metió las manos en la impresión de los grabados. Fue Rojo quien le contó cómo había recibido los libros el cronista.

“Me dijo que Carlos estaba muy entusiasmado y que le había gustado mucho el libro, que quedó muy satisfecho. Se trata de un libro de signos y aforismos, los signos son de Vicente y los aforismos de Carlos, quien fue quien puso el título”, comenta Valdés.

El grabador y pintor dice que del libro Lírica sacra, moral y laudatoria se hizo una edición de 58 ejemplares numerados y firmados por los dos autores, numerados del uno al 40, más cinco pruebas de autor, cinco pruebas de editor, cinco pruebas del taller, dos pruebas de impresor y una prueba de archivo.

Los 40 ejemplares firmados se los dividieron entre los tres, Luis Miguel se quedó con 15 y su ejemplar autografiado por Carlos, y 25 se llevó Vicente Rojo y se los dividió con Monsiváis.

Como es normal, los libros que se quedan en el taller son los ejemplares que se ponen a la venta de coleccionistas o interesados en la obra de ese artista y aunque este libro-objeto tiene un precio de 2 mil 500 dólares, Valdés no se ha desprendido de ningún ejemplar, los conserva todos en su casa.

“Yo no he soltado ninguno de los que me tocaron. Le entregué los otros a Vicente, se los habrán dividido entre él y Carlos, es muy seguro que en El Colegio de México haya alguno porque normalmente, como Vicente es miembro, allí queda alguno. Este libro de aforismos tiene un precio, pero yo no los vendo”, afirma Valdés.

Sin embargo, en un par de sitios web, como en el de Moisés Valdés Galería, se anuncia la venta del libro, justo en los 2 mil 500 dólares, hay fotos de Rojo con el libro y se puede pedir, al menos eso dice, con el código ROJ-131.

Edición artesanal

La construcción de este libro de arte que se terminó en 2009 fue muy complicada, lo confirman las imágenes.

Valdés dice que hubo que hacer un tipo de ensamblaje donde se pudieran combinar todos los aforismos con todas las ilustraciones.

“Lo que buscó siempre Vicente con su diseño es que las páginas no se abrieran una detrás de la otra sino que fuera un libro como el que es: cortado al medio, luego encuadernado y que se puede leer como quieras, puedes leer el primer aforismo y después ver la última imagen o ver dos aforismos al mismo tiempo o tres imágenes; el libro se despliega un poco”, dice Luis Miguel Valdés.

El libro que tiene diseño de Rojo, quien ideó toda la solución gráfica, fue procesando lentamente porque el trabajo fue muy artesanal, tal como se trabaja la gráfica tradicional del grabado y serigrafía. Además, estuvo el trabajo creativo, Carlos y Vicente trabajaron a dos manos: Vicente le enseñaba los dibujos y Carlos los aforismos y viceversa.

Sobre la Siempre Habana

La Siempre Habana es un taller puramente de arte, Luis Miguel Valdés cuenta con todos los recursos para imprimir de la manera más tradicional, aunque ayudados por toda la tecnología. “Trabajamos grabado en madera y aguafuerte de manera tradicional. Se hacen ediciones muy limitadas, las más grandes que hemos hecho fueron con Anguiano, que imprimía 100 ejemplares de cada grabado, él se quedaba con 70% de eso y nosotros con 30%”.

Vicente Rojo y Raúl Anguiano no son los únicos artistas que han trabajado en el taller, también lo han hecho José Luis Cuevas, Víctor Guadalajara y Sergio Hernández, entre muchos otros. Pero con Rojo han hecho libros hermosos como Novela, un trabajo de puros grafismos que sólo al final tiene un frase de Bárbara Jacobs que dice: “Un libro se termina de escribir cuando un lector lo lee”. También trabajaron con él Nubes de fuego, grabados de Rojo y textos de Jacobs, los dos de 50 ejemplares.

Pero sin duda, el libro Lírica sacra, moral y laudatoria. Carlos Monsiváis-Vicente Rojo (Signos y aforismos) es uno de los más queridos y probablemente podrá llegar a ser uno de los más cotizados, pues no solo es el único proyecto de dos amigos, sino que sólo hay 10 ejemplares de cada grabado que pidió Vicente Rojo.

Valdés dice que generalmente cuando se hace un libro también se hace una suite, que es la edición de los grabados independientes porque hay personas que no les interesa en forma de libro o que incluso lo desarman para enmarcar los grabados, pero en este caso no se hizo una suite, Vicente le pidió que le imprimiera 10 ejemplares de todos los grabados juntos, pero para su uso personal o para regalárselo a sus amigos.

Sumado a eso está el valor sentimental. “Yo tengo mi ejemplar dos de 40, con dedicatoria de Carlos y firma de Vicente. La dedicatoria dice: ‘Saludo a Luis Miguel Valdés con un amistoso abrazo y esperando que me explique los aforismos. Carlos Monsiváis’”. Ese es el tesoro del grabador.

Publica Umberto Eco “Confesiones de un joven novelista”

2011-09-21T23:08:00.001-05:00

Milenio/EFE

Madrid • ¿Inspiración o trabajo? ¿Talento o esfuerzo? Estas cuestiones, eternas a la hora de hablar de la creación artística, se las plantea también el escritor y semiólogo italiano Umberto Eco en su nuevo libro, "Confesiones de un joven novelista", una reflexión de cómo pasó de ensayista a novelista.

Publicado por Lumen, "Confesiones de un joven novelista" está este mes en la calle para deleite de los muchos incondicionales del viejo profesor italiano, que, a punto de cumplir los 80 años, se considera "un novelista muy joven, ciertamente prometedor, que hasta el momento ha publicado unas cuantas novelas y que publicará muchas más en los próximos cincuenta años".

Así lo expresa en este libro, donde reflexiona sobre su forma de escribir."Prestaré más atención a la ficción que a los ensayos -dice-, porque, aunque me considero académico de profesión, como novelista no soy más que un aficionado", subraya Eco, que debutó como novelista con "El nombre de la rosa", en 1980.

Una novela que abrió su fama al gran público; un éxito internacional, que luego crearía escuela en otros autores al mezclar hechos históricos con la intriga y el misterio.

Entre algunas de sus reflexiones, el autor de "El péndulo de Foucault" sostiene que, cuando llegó a la cincuentena, no se sintió, "como les pasa a muchos alumnos", escribe, frustrado por el hecho de que su escritura no fuera "creativa".

"Nunca he entendido por qué a Homero se le considera un escritor creativo y a Platón no. ¿Por qué un mal poeta es un escritor creativo y un buen ensayista creativo no lo es?", precisa.

Según el semiólogo, "los escritores creativos piden a sus lectores que traten de encontrar una solución". Por ese motivo, Eco cuenta que, en las charlas que ofreció tras la publicación de "El nombre de la rosa", explicaba que un novelista puede decir cosas que no puede decir un filósofo.

Umberto Eco explica también que "inspiración" es una mala palabra que los autores tramposos utilizan para parecer intelectualmente respetables. "Como dice el viejo refrán, el genio es un diez por ciento inspiración y en un noventa por ciento transpiración", recalca.

Y, como Kapuscinski cuando afirma que para escribir una página hay que haber devorado una biblioteca, Eco asegura que, por ejemplo, para contar en "El péndulo de Foucault" que las editoriales Manuzio y Garamond están en dos edificios adyacentes entre los cuales se ha construido pasaje, se pasó mucho tiempo dibujando varios planos e imaginándose el aspecto de ese pasaje.

"En la novela menciono brevemente los escalones, y el lector pasa por ellos con paso largo, sin, creo, fijarse demasiado en ellos, pero para mí eran cruciales y, de no haberlos dibujado, hubiera sido incapaz de continuar con mi historia", advierte.

"Llorando por Ana Karenina" es otro de los muchos y ricos apartados del libro y, en él, Eco habla de la diferencia que existe entre llorar por la muerte de un ser querido y llorar por la muerte de Ana Karenina.

Otra de las preguntas y reflexiones que se hace el pensador está relacionada con la verdad que existe en la ficción. "Y por qué cuando Goethe publicó en el siglo XIX 'Las tribulaciones del joven Werther', donde su héroe homónimo se suicida por amor, muchos jóvenes románticos de la época hicieron los mismo?", se plantea.

Las cábalas y reflexiones de este "joven novelista" acaban con una larga lista ("como tuve una educación católica, me acostumbré a recitar y a escuchar letanías, dice) sobre otros autores que también analiza.

Un enigma cinematográfico tras el 'Guernica' de Picasso

2011-09-21T23:08:00.000-05:00

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid - El país.com

Pablo Picasso no pasaba por su mejor momento cuando pintó en mayo de 1937 el Guernica. La Guerra Civil destruía España y la II Guerra Mundial estaba a las puertas de asolar Europa. La insistencia del Gobierno de Negrín le empujó a aceptar el encargo para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París. "Si tenemos a Picasso en cuerpo y alma, el impacto será mayor que una batalla ganada en el frente a los fascistas", le atribuyen al último presidente de la República. No se equivocó, el impacto del lienzo de 349,3 por 776,6 centímetros fue enorme. Aún hoy, cuando se cumplen tres décadas de su llegada a España el 10 de septiembre de 1981, sigue incrustado en la retina de nuestro tiempo.

Pero el Guernica y su simbología, sobre la que el pintor jamás quiso pronunciarse, siguen despertando preguntas, elucubraciones e investigaciones. La última, la del director de fotografía español José Luis Alcaine, que el próximo 4 de octubre recibirá la Medalla de Oro de la Academia de Cine precisamente en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde el cuadro se expone desde 1992.

Alcaine, un maestro de la luz que ha trabajado en películas como La piel que habito, de Pedro Almodóvar, o El sur, de Víctor Erice, cree que la principal inspiración de Picasso fue, precisamente, el cine. En concreto, una secuencia de poco más de cinco minutos de la película Adiós a las armas, de Frank Borzage, drama antibelicista inspirado en la novela de Ernest Hemingway que se estrenó en París en 1933 y que, fotograma a fotograma, guarda sorprendente paralelismo con los personajes principales del cuadro. Ni Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya ni La matanza de los Santos Inocentes de Rubens. Alcaine se lanza a una fuente de inspiración tan popular como el mismo Hollywood en un gesto que, teniendo en cuenta la capacidad de amplificación de todo lo que rodea al Guernica, promete abrir un debate en el arte.

En un extenso artículo publicado en la revista especializada Cameraman, Alcaine revela los detalles de un estudio en el que trabaja desde hace meses. La secuencia, en blanco y negro, narra el éxodo nocturno de militares y civiles por una carretera que bombardean unos aviones. "Yo había visto Adiós a las armas a finales de los años sesenta, en el cineclub de TV2. Pero fue años después, cuando volví a verla en vídeo en mi casa y salté ante la secuencia de la carretera: ¡era el Guernica!", explica. A primera vista, tres son las imágenes que nos llevan al cuadro: la mano blanca de dedos gruesos moribunda en el barro, los caballos desbocados y la mujer clamando al cielo.

"Empecé a darle vueltas entonces, era el año 2006. En 2007 rodé cinco películas y aparqué la idea. No tenía tiempo para nada. Pero desde entonces solo he trabajado enLa piel que habito. Así, pude encontrar el momento para sacar la secuencia fotograma a fotograma y estudiarla". A la mano blanca y la mujer clamando al cielo se sumaba el marco vacío de una puerta, un carrito lleno de ocas blancas, las patas de los caballos, una madre agarrada a su hijo como una piedad, un hombre tendido en el barro con el brazo extendido y las llamas, arrinconadas a la izquierda de un fotograma de aire infernal.

Ya se había apuntado la influencia de El acorazado Potemkin (1925) en el cubismo de Picasso, pero no la de una película que en Europa fue mal recibida porque su protagonista, Gary Cooper, desertaba por amor y no por honor. En la novela, Hemingway dedica 80 páginas a la huida del personaje por carretera, y su deserción final no era por los brazos de una mujer sino por los horrores de la guerra. El escritor detestaba la película. "La secuencia de la carretera es extraña: tiene mucha influencia del cine soviético, con encadenados por todas partes. Es una película de Hollywood con un momento expresionista que nada tiene que ver con el resto del metraje".

Una visión fragmentada y violenta que acerca a esa especie de collage de personajes que es el Guernica. "Un collage que tiene mucho de montaje cinematográfico, de planos y primeros planos", apunta Alcaine.

En 1937, cuando Picasso pintó el mural, Adiós a las armas aún estaba en cartel. "El sistema de distribución de entonces hacía que las películas estuvieran hasta seis años en sala. Evidentemente, Picasso la había visto, no solo por su amistad con Hemingway -les presentó Gertrude Stein- sino porque entonces se iba muchísimo al cine, era el gran entretenimiento y también la manera de documentarse ante la realidad. Además, la película fue muy polémica en su día por el final feliz. No se la pudo perder".

Alcaine subraya que la secuencia ocurre por la noche, como el cuadro, mientras que el bombardeo de Guernica fue a pleno día. "Pero, además, el cuadro tiene un claro movimiento de derecha a izquierda, igual que los personajes de la película, siempre en el eje de derecha a izquierda". Esa carretera infernal que reproduce la película desprende el mismo infierno y el mismo movimiento. "Pero cuidado", puntualiza, "es en los personajes estáticos donde se ve la coincidencia. Es cuando se para la acción cuando reconocemos a los integrantes del cuadro".

Otro dato sorprendente es que los animales que aparecen en la secuencia de la carretera sean caballos y ocas. Ambos, presentes en el mural. Para el toro, el director de fotografía tiene su propia interpretación: "Esa figura me hizo saltar una noche de la cama y correr al ordenador, era el último cabo suelto de mi teoría. ¿A quién mira el toro? Nos mira a nosotros. Me desvelé. Puse a su lado Las Meninas y vi la misma mirada de Velázquez. El toro, como han apuntado algunos, jamás podría ser Franco. El toro es un animal noble y el propio Picasso ya se había representado alguna vez a sí mismo como ese animal. Él se pone en el mismo plano que Velázquez en Las Meninas, un cuadro, que como nos ocurre a todos los que estamos obsesionados con las imágenes, también le obsesionaba". Alcaine se ríe entonces al escuchar su entusiasmo y resume su descubrimiento con un dicho italiano: "Se non è vero, è ben trovato". Si no es cierto, está bien visto.

Benetton lanza la campaña publicitaria "Lanasutra"

2011-09-21T23:07:00.002-05:00

Terra.com

ROMA.- La nueva campaña publicitaria del grupo italiano Benetton, dará que hablar. Se llama "Lanasutra", en referencia al antiguo texto hindú sobre erotismo, pero que en su versión combina moda y sexo.

La nueva campaña, en la que se presentan esculturas realizadas con lanas de colores, se ven distintas escenas del Kamasutra y que representan a parejas en distintas posturas sexuales.

Son quince esculturas que se pueden ver en las tiendas que tiene la marca en Milán, Múnich y Estambul, y fueron realizadas por el artista cubano Erik Ravelo.

No es la primera que Benetton lanza una campaña provocadora; en los años noventa las polémicas imágenes del fotógrafo Oliviero Toscani generaron debate, como una de un trasero humano con el sello "H.I.V. Positive" o la de niños realizando duros trabajos en el tercer mundo, siempre unidas al eslogan "United Colours of Benetton".

Con respecto a la nueva campaña, "Lanasutra", el vicepresidente del grupo empresarial, Alessandro Benetton, señaló que "esperamos que con ello la gente reflexione sobre los valores del amor".

Pablo Milanés indignado por maltrato en Cuba

2011-09-21T23:07:00.001-05:00

De: Informador.com.mx

El cantautor cubano Pablo Milanés dijo sentir indignación por el maltrato que sufren las Damas de Blanco en Cuba y admitió que en la isla no hay espacio en los medios para expresar sus ideas.

En una carta abierta en respuesta a un periodista local exiliado, el trovador cubano también matizó que esas opiniones no implican que esté en total desacuerdo con el régimen de los hermanos Castro y coincida con las Damas de Blanco.

'Cuando veo que unas señoras vestidas de blanco protestan en la calle y son maltratadas por hombres y mujeres, no puedo por menos que avergonzarme e indignarme', escribió Milanés en respuesta a las críticas que le hizo en un artículo Edmundo García.

'De algún modo, aunque no estemos de acuerdo absolutamente, solidarizarme con ellas en su dolor; porque lo más vil y lo más cobarde puede ser que una horda de supuestos revolucionarios ataque despiadadamente a estas mujeres', agregó.

Las Damas de Blanco son un grupo de mujeres que piden la libertad de los presos políticos cubanos. Comenzaron a protestar en la isla después del encarcelamiento de 75 de sus familiares en marzo de 2003.

García cuestionó en su artículo el comportamiento de Milanés cuando daba entrevistas a medios estadunidenses, pero el cantautor, que se presentó en Miami el fin de semana, dijo que aprovechaba esos momentos para expresar lo que no puede decir en los medios de la isla.

'Soy yo el que me sirvo de esos periódicos para que difundan las entrevistas que en Cuba me están negadas y que sueño con que aparezcan en el Granma y las lea todo el pueblo', escribió Milanés.

Dijo que su militancia revolucionaria de más de 50 años le da derecho a manifestarse con la libertad que requieran sus principios y 'esa libertad implica que no tengo ningún compromiso a muerte con los dirigentes cubanos, a los que he admirado y respetado, pero no son Dioses'.

El trovador matizó que su cuestionamiento 'no implica que esté en desacuerdo con Fidel (Castro) y tampoco implica que esté de acuerdo con las Damas de blanco'.

Y en alusión directa a García remató: 'Pero tú vas al blanco o al negro, (más al negro que al blanco) y no tienes matices y los años irremediablemente te van a hacer aprender lo que es un verdadero revolucionario o inexorablemente vas a ingresar en ese mundo en el que he visto a tantos como tú, vagando, perdido en la nada'.

"Seguiré leyendo mientras me quede un soplo de vida": HAROLD BLOOM

2011-09-21T23:07:00.000-05:00

EDUARDO LAGO/ El país.com

Luz de agosto, la misma que hace 11 años, cuando lo entrevisté por primera vez, en verano de 2000. La casa, el jardín, las ventanas selladas, todo tiene el mismo aspecto. Entonces Harold Bloom era un hombre de 70 años, pletórico de energía, con bastantes kilos de más. Hoy me recibe un anciano enflaquecido que se apoya fatigosamente en un grueso bastón negro. Todo en la casa sirve de soporte a torres de libros, que se amontonan en los sofás, las sillas, los alféizares de las ventanas, en el suelo. Bloom dice haber superado ciertos problemas de salud, que califica de catástrofes. Constantemente bebe agua de una especie de biberón de plástico que recuerda la retorta de un alquimista. Es el crítico literario más importante de nuestro tiempo, por ser el único que ha sabido hacer llegar su portentosa sabiduría al lector normal, sin renunciar un ápice a la exigencia de calidad que es el distintivo de la gran literatura. Autor de más de 40 obras e innumerables estudios y artículos, Harold Bloom (Nueva York, 1930), que ocupa la Cátedra Sterling de Literatura de la Universidad de Yale desde hace más de medio siglo, acaba de añadir a su importante nómina de publicaciones un nuevo título: La anatomía de la influencia. En él vuelve sobre su más importante aportación al campo de los estudios literarios, el concepto de influencia. Se trata de una noción de considerable complejidad técnica, que Harold Bloom convierte aquí en el eje de un recorrido apasionante por las lecturas en que ha invertido toda su vida o, para decirlo parafraseando el título de su obra más emblemática, El canon occidental, un paseo por las mejores obras literarias de la historia. Simplificándolo al máximo, la influencia poética es un mecanismo que explica el proceso histórico de creación literaria, que Bloom caracteriza como una batalla formidable que los grandes creadores literarios de cada era se ven obligados a entablar con sus precursores, a fin de liberarse de la agónica influencia que ejercen sobre ellos los gigantes que los antecedieron. Alejándose del tecnicismo inherente a tan complejo proceso, Bloom desplaza el énfasis del libro a un terreno más humano y accesible, acercándolo a la realidad del día a día, como subraya el subtítulo que ha elegido para su obra: La literatura como forma de vida.

-La anatomía de la influencia es mi summaliteraria, mi legado como crítico. El testimonio final de una vida dedicada a los libros. El verdadero asunto es la pasión por la literatura. Para mí, leer es la única manera de dar sentido a la vida. En el libro tiendo un puente a los millones de lectores auténticos de todo el mundo, lectores anónimos que contra viento y marea, pese a que corren tiempos terribles para la verdadera literatura, se niegan a renunciar a ella.

-¿Es su canto del cisne?

-En el sentido de que seguramente ya no tendré ocasión de escribir ninguna obra de la misma envergadura.

En lugar de hacer preguntas, sugiero leer en voz alta breves fragmentos, invitándole a iluminarlos con sus comentarios. Bloom acepta. "Gertrude Stein observó en una ocasión", leo, "que uno escribe para sí mismo y para los desconocidos, lo cual yo traduzco como hablar conmigo mismo, que es lo que nos enseña a hacer la gran poesía, y hablar con los lectores disidentes, aquellos que buscan instintivamente en solitario la literatura de calidad, desdeñando a los devoradores de J. K. Rowling y Stephen King, que llevan a sus seguidores al suicidio intelectual, haciendo que se despeñen en el océano gris de Internet".

"Hoy día se ha producido un abandono de toda exigencia estética y cognitiva que son las señas de identidad de la gran literatura. La literatura imaginativa, tal y como la cultivaban Shakespeare, Cervantes, Dante y Montaigne, ha cedido ante la basura abominable de best sellers como los que acaba de citar y cualesquiera sean sus equivalentes en España y el resto de los países del mundo. ¿Qué se puede hacer ante una situación así? Llevo años luchando contra ello, pero sé que es una batalla perdida".

Leo la siguiente frase: "Todos tememos la soledad, la locura y la muerte. Whitman, Leopardi o Hart Crane no nos curarán de esos espantos, y sin embargo esos poetas nos traen el fuego y la luz".

"Comentar eso es decir por qué leemos, por qué vivimos. Supongo que lo esencial es la alusión al fuego y la luz, manifestaciones elementales de la fuerza vital. En realidad, todo se reduce a la emoción y al deseo, a la palabra, el dabar de la Biblia hebrea, el logos de los griegos, o dicho de otro modo, el amor por cuanto vive".

Dentro de unos días regresa a la universidad, a impartir clases. La enseñanza, junto con la lectura y la escritura crítica, son sus grandes pasiones: "Será mi 56º año consecutivo como profesor de Yale. Si algo tengo claro es que jamás voy a retirarme. Jamás dejaré de enseñar ni de escribir". Bloom comenta que en estos momentos está escribiendo tres libros: un estudio de cinco figuras clave de la literatura norteamericana, un novelista y cuatro poetas (Herman Melville, Emily Dickinson, Wallace Stevens, Walt Whitman y Hart Crane). "Los otros dos libros se apartan radicalmente de lo que he hecho siempre: de una parte, unas memorias literarias que espero concluir antes de morir y, más novedoso aún en alguien como yo, una obra de teatro sobre Walt Whitman".

-¿Se sabe de memoria mucha poesía? ¿Le gusta recitarla?

-Toda, toda la poesía que hay bajo el sol. Esta mañana me desperté recitando la estrofa final del Diálogo entre el yo y el alma, de William Butler Yeats:

"Me contenta seguir hasta su fuente / todo evento en acción o pensamiento. / ¡Medirlo todo; perdonármelo todo! / Cuando así me libero del arrepentimiento / fluye tanta dulzura en nuestro pecho / que debemos reír y debemos cantar, / pues todo nos bendice, y es bendecido también / todo cuanto miramos".

Bloom acerca a la boca el biberón de agua. El gesto trasluce la extraña cercanía entre la ancianidad y la infancia.

-¿Recuerda a Harold Bloom cuando era un niño de 5 o 6 años?

-Lo recuerdo muy bien. Era un niño muy solitario, el menor de cinco hermanos, tres niñas y dos niños. Me refugiaba en un rincón del piso, en el Bronx, y me pasaba el día leyendo.

-¿Puede evocar algunas de las lecturas más importantes de aquellos años?

-Ingentes cantidades de poesía, en yiddish, y luego, cuando aprendí a leer inglés por mi cuenta, con 6 años, traducciones de las sagas nórdicas. Pero quizás el libro que más me afectó fue Moby Dick, con 11 años. Me hizo experimentar una angustia y un horror metafísicos que solo había sentido con Shakespeare.

Llega la hora de hacerse la foto, ritual al que Harold Bloom se somete con júbilo casi infantil. Elige cuidadosamente una gorra de los New York Yankees, de los que se declara fervoroso fan. Es conocido su empeño por hacer ejercicio durante las entrevistas. En este caso, se limita a subir y bajar las escaleras de madera que dan al jardín trasero de la casa. "Pregunte lo que quiera", dice. Aprovecho la ocasión para pedirle que se pronuncie sobre la gran novela norteamericana de nuestro tiempo. "Los grandes novelistas americanos vivos", responde con resolución, "son Philip Roth, Don DeLillo, Cormac McCarthy y el misterioso Thomas Pynchon, probablemente el mejor de todos ellos".

Tras decir esto, Harold Bloom da por terminada la entrevista, manifestando encontrarse muy cansado, y nos acompaña hasta la puerta. Inopinadamente, el fotógrafo le espeta: "Profesor Bloom, ¿le viene a la memoria un retrato memorable de un rostro hecho con palabras?". "El espejo de mano, de Edgar Allan Poe, un texto terrible", responde.

Al llegar a Nueva York, busco el poema, que es, en efecto pavoroso, solo que no lo escribió Poe, sino Walt Whitman, y consiste en una descripción escalofriante del cuerpo repugnante de un anciano. El desliz revela qué es lo que Bloom ve al asomarse al espejo: la muerte misma, que él mantiene a raya azogue en mano. Unos minutos antes, en el curso de la conversación, evocaba un verso de su amigo Mark Strand que dice: "El espejo no es nada sin ti".

Harold Bloom cierra la puerta tras de sí, dejándonos con la sensación de que al irnos no se queda solo en la casa. Lo acompañan voces, ecos, versos y frases que necesita recitar: "Decía Valéry que los poemas no se acaban, sino que se abandonan. Tampoco es posible escaparse del laberinto de la influencia. Una vez que se llega a su centro, eres tú quien empieza a ser leído con más fuerza de la que te ha sido conferida para adentrarte en la imaginación de otros. El laberinto es la vida misma. No puedo poner punto final a este libro, porque tengo intención de seguir leyendo mientras me quede un soplo de vida".Eduardo Lago es escritor y profesor de literatura del Sarah Lawrence College de Nueva York.

"Probablemente el inicio de todo fue un ritmo": Jerome Rothenberg

2011-09-04T21:27:00.002-05:00

Texto de Joaquim Roglan/ Magazine de La Vanguardia.es

Es uno de los poetas más importantes del mundo. Hijo de Nueva York (1931), se ha paseado por el clasicismo, el dadaísmo, la contracultura y otros ismos personales e intransferibles. Ha vivido con indios, ha estudiado las más atávicas raíces de la poesía oral y de la música en África, Asia y América. Y podría muy bien ser candidato al Nobel...

Ha sido el primero que ha estudiado la poesía tribal más primitiva. Ha traducido desde los principales idiomas europeos hasta sonidos musicales ininteligibles. Ha militado en el clasicismo, el vanguardismo y en la posmodernidad. Lo sabe todo de indios, gitanos, judíos, árabes, místicos y locos del verso. Practicó el dadaísmo y marcó la contracultura del siglo pasado y del actual. Aún anda por el mundo dando recitales poéticos y musicales a la vez que experimenta con internet y los audiovisuales. Es un tótem cívico de algo que va más allá de la poesía, y su público le adora. Dicho esto y no es todo, ¿le gusta que le cataloguen como uno de los más grandes poetas vivos?

No soy yo quien debe decirlo, pero estoy en activo desde hace muchos años, he participado en diferentes corrientes literarias y muchos poetas de mi generación han muerto.

¿Quién queda en su club de poetas vivos?

David Antin, Robert Kelly, Jean Pierre Faye, Michel Deguy, Heriberto Yepes, Gary Snyder…

¿Y en el de los muertos?

Robert Duncan, Jackson Mac Low, Pierre Jean Jouve, Octavio Paz, Federico García Lorca, que fue de los primeros que leí en español, lo traduje en Suites y otras variaciones, lo releo a menudo y aún uso su vocabulario. Y Dante, sobre todo, Dante. Nunca hay que olvidar a Dante.

¿Le molesta que después de haber pasado por tantas corrientes literarias lo clasifiquen con palabras de moda como poeta multicultural o multiétnico?

Me parece bien, porque estoy en conexión con la poesía internacional. Al fin y al cabo, ahora todos los poetas son multiculturales e internacionales porque el mundo, globalizado a través de internet, permite el intercambio de ideas y de estilos.

¿Qué queda de la contracultura norteamericana con la que se le relaciona?

Empezamos a hablar de ella en los años cincuenta y sesenta del siglo pasado, pero en esencia la poesía ya es una forma de contracultura contra lo establecido, una resistencia contra las propias formas en que nos expresábamos, y esto daba pie a ir contra las normas establecidas e incluso a enfrentarse a la ideología política. La forma de manifestarse y de escribir ya era un modo de ir contra las formas impuestas.

¿Oponerse a tantas cosas ha servido para algo?

A lo largo de mi vida he visto cambios muy sustanciales, algunos para bien y otros para peor. La contracultura cambió el comportamiento, la forma de actuar entre hombres y mujeres y las ideas sobre la sexualidad. También se han transformado el trato y las relaciones entre razas y culturas, porque parte de la resistencia de los años sesenta era ir contra la segregación, el racismo y el fanatismo religioso. Esos ideales continúan y aún hay una corriente que empuja a luchar contra los prejuicios raciales y culturales.

¿Qué cambio ha visto para peor?

Actualmente hay un rebrote del miedo a otras etnias y a otras culturas. Me gustaría que eso se acabase para siempre, pero resurge, y se retrocede en algo que ya se había conseguido. A inicios del siglo XXI aún se mata por motivos religiosos, hay racismo en Europa y Estados Unidos y se manifiesta de forma violenta. La poesía intenta ir más allá, pero la resistencia trae otro tipo de contrarresistencia. Por eso para algunos la contracultura ha existido y existe, mientras otros no lo aceptan.

¿Volvería a convivir varios años con los indios séneca para hacer un libro sobre poesía primitiva?

No, porque a mi edad todo está en función de los años que viva. Fui con mi esposa, Diane, a aquella reserva porque ella preparaba su tesis doctoral y yo ya había trabajado con músicos indios. Conectamos bien con la comunidad, vivimos una ceremonia de adopción, y de allí surgió la idea de hacer mis antologías de poesía tribal de África, Asia y América.

Ahora hay cadenas de televisión que llevan a gente urbanita a vivir con tribus primitivas y luego traen a miembros de esas tribus a las grandes ciudades.

Son un espectáculo televisivo y un show antropológico que me parece una idea terrible. Convivir con otras culturas debe tener un sentido, que es aprender, ¿pero qué sentido tienen esos programas? Lo mío fue una experiencia real de interacción vital y cultural.

También le etiquetan como miembro del mítico Grupo de Nueva York. ¿Se siente parte de él?

Soy un poeta de Nueva York porque nací, crecí y viví media vida allí. Luego me instalé en la reserva india, después en Wisconsin y ahora vivo en San Diego. Cuando vuelvo a Nueva York, me siento parte de la ciudad, pero aquel grupo ya no existe.

Se le admira porque en sus trabajos con lenguas y música primitivas y con poesía oral ha conseguido la llamada traducción total. Pero según dirían los italianos, un traductor total sería un traidor total.

Tengo ideas distintas y no lo veo tan radical, porque hay diversos modos de traducir. Con las tradiciones oral americana y musical indio-americana he encontrado nuevas formas de traducción y de creación. En mi libro recopilatorio Sacude la calabaza creé nuevos poemas a base de traducciones indias.

Para usted que también exploró la poesía de los judíos místicos, ladrones y locos, ¿qué es un judío?

Había analizado culturas indias y de Asia y África y decidí explorar a fondo mi propia cultura. Yo era parte de lo que buscaba y quería evitar que me acusaran de investigar en culturas lejanas y olvidar la mía, que era la que tenía más cerca. Por eso escribía mi propia obra al tiempo que leía la Torá y otros grandes libros de los judíos. En mi libro, yo decidía lo que es judío y lo que no. Según mi criterio, son judíos los que han nacido siéndolo, los que se han convertido a otras religiones y los que se han convertido al modo de ser judío, sin olvidar que Jesús era judío. A mediados del XX, Gertrude Stein ya estudiaba a los judíos de la diáspora con un criterio muy amplio, porque la diáspora había llegado a todo el mundo y a todos los continentes.

¿Qué es un gitano, según su música y su poesía?

Es un término difícil de explicar. Hay gitanos por etnia en muchos países y, por ejemplo, en Irlanda hay un colectivo que se llama gitano formado por nómadas.

¿Qué es un chicano, según ha visto en México y en Estados Unidos?

También es complicado. Todos los chicanos que vinieron y vienen de México se convirtieron y convierten en méxico-americanos y ellos mismos se llaman chicanos dando a esa palabra un sentido como de renegados. Octavio Paz era de tradición más francesa y europea que mexicana y cuando se confrontó con los poetas chicanos decidió que tenían otro lenguaje poético.

¿Y qué es un árabe?

Otra serie de tribus. En mi libro Poemas para el milenio hay un apartado de poesía árabe desde los años cincuenta del siglo pasado hasta ahora, e incluyo poetas de Siria y Palestina. Además, ahora preparo otro libro sobre poesía del Magreb, que será muy distinto.

¿Qué piensa un estadounidense como usted de las revueltas en el Magreb y algunos países árabes?

Es una situación muy compleja, porque Al Qaeda y Estados Unidos están enfrentados. Al Qaeda es muy radical y las revueltas de Libia, Egipto, Túnez y Siria no tienen nada que ver con el fanatismo. Pero es demasiado pronto para analizarlo y para simplificarlo, porque no se puede catalogar a todos de una forma tan simplista. Es lo mismo que sufrieron los judíos en el pasado con aquella etiqueta de que todos eran iguales. Cuando hice el libro de poetas judíos, rompí los estereotipos, porque hay muchos modos de ser judío en la vida, en la cultura y en la literatura.

Dicen que su poesía enlaza muchos mundos, ¿cómo ve el actual?

Veo corrientes contrapuestas, con cosas que unen a mucha gente y a los pueblos y otras cosas que los dividen. Internet es un mod o de comunicar sin barreras ni fronteras, pero a la vez se encuentran en la red las ofensas más crueles y las ideas más racistas contra algunos colectivos. Ni en internet ni el mundo real se puede encontrar una cosa sin encontrar su opuesta. Todo convive en el tiempo, pero sólo estamos en los inicios de otra era de la comunicación; hace poco más de quince años no sabíamos ni qué era internet.

Si según usted un poema es el registro de un movimiento de la percepción a la visión, ¿cómo se hace para leer un poema en un libro electrónico?

Leo poesía en internet, pero soy más de libros. En otra antología que se titula Un libro de un libro reivindico la cultura del papel en la era electrónica. La pantalla me irrita los ojos, y cuando leo me gusta pasar las páginas. Si embargo, leyendo frente a la pantalla se puede mover el ratón y saltar líneas y palabras, y eso me permite explorar otras posibilidades de una poesía más multimedia que ya he hecho con audiovisuales y con música.

¿Sigue comprobando lo mismo que cuando escribió que en toda civilización los idiotas van de vuelta?

Probablemente siempre hay la misma proporción de idiotas, pero para mí hay un idiota sagrado, que es el de la novela de Dostoyevski.

¿Vuelve el siglo XIX?

Parece mentira, pero sí, regresa con los conflictos raciales, imperialistas y religiosos. Y si vuelve, significa que la contracultura no ha servido para nada y el siglo XX, tampoco, especialmente porque su signo y su símbolo eran el progreso. A inicios del siglo pasado también hubo cierta sensación de convulsión con la revolución rusa y con las utopías de la esperanza, pero todo por lo que luchó la contracultura se destruyó a finales del siglo.

La palabra sangre sale muchas veces en sus versos.

Sí, pero también hay mucho humor como defensa ante el mundo real. Lo malo no se puede obviar, pero si sólo hubiese el mal, se debilitaría el poder de la poesía.

¿Aún piensa que en todo hombre hay un asesino?

Sí. Otra de las cosas que retorna es una glorific ación de la violencia. No me gustan esos actores de cine que el público considera que son hombres muy machos cuando matan. No es verdad, es un error y no sé por qué hay esa glorificación de la violencia.

¿Por qué hace poesía el ser humano?

Es lo que intento investigar, a veces desde el punto de vista del poeta y a veces desde el del antropólogo.

¿Por qué los seres humanos hacen arte?

Son formas de celebrar o de conmemorar algo, y por eso se crearon la música, el arte, el arte del lenguaje, la narración y un lenguaje rítmico como un modo de contar historias. Probablemente el inicio de todo fue un ritmo muy simple, luego el movimiento corporal lo fue cambiando y por esta razón hay ahora tantas lenguas. Tenemos cientos de lenguas y cientos de formas de expresión lingüística.

¿Por qué, si ha profundizado más que nadie en las raíces del lenguaje, es mucho más famoso su compatriota Chomsky que usted?

Porque hay más gente interesada en Chomsky que en mí. Yo estoy más centrado en la poesía y en cómo se escribe en otras culturas, y hoy en día la poesía es un arte muy minoritario, aunque para mí es la forma de arte más vital.

Pero si usted escribió que el arte es chatarra.

Era una referencia a Marcel Duchamp y a otros artistas de una corriente que usan la chatarra y materiales obsoletos. Se llama el funk art y aquel poema fue una burla irónica del arte del orinal.

¿Cómo es el lector de poesía?

Personas que tienen la necesidad de creadores y de leer poesía y escribir. Se autodescriben como una inmensa minoría, y hacen un esfuerzo, porque leer poesía implica ganas, voluntad y devoción. Si hay más gente que lee novelas es porque la poesía exige un despliegue de devoción. Es parte de esa minoría la que me obliga a demostrar mi dedicación, y la que me sorprende con su devoción cuando acude a mis recitales.

¿Cómo sería su paraíso de los poetas?

Una comunidad donde los poetas fuesen la utopía y los que estableciesen las normas. Por lo cual, igual podría ser un paraíso de locos o de idiotas, pero en todo caso sería el nuestro. Dante tiene un paraíso de poetas antes del infierno y en esa especie de limbo sitúa a los grandes poetas de antes de Jesucristo. Ahora sería el momento de escribir de nuevo ese poema paradisiaco, pero encontré un texto arábigo más antiguo en el que un poeta es llevado al paraíso y allí ve a otros poetas muertos. Y cuando les pide que le reciten un poema, le responden que allí ya no los recuerdan porque ya no existen.

Usted fuma puros y dedicó un poema a un habano del número cinco. ¿En el paraíso de los poetas también estaría prohibido fumar?

Es horrible y ridículo que se prohíba fumar hasta en los espacios abiertos. En el paraíso de los poetas se podría fumar. Mi mujer y yo seguimos fumando y, según mi doctor, por eso he vivido tanto.

¿Piensa vivir lo suficiente hasta que le den el premio Nobel?

Pienso que muchos europeos se lo llevarían antes que yo. Puede que sea demasiado modesto, pero, según mi señora, es un premio muy politizado y la poesía es muy minoritaria.

También Juan Ramón Jiménez decía que escribía para esa inmensa minoría.

Totalmente de acuerdo con él.

Se ve que goza de buena salud y de un excelente sentido del humor.

Forma parte de mi naturaleza. El humor es un deseo y una forma de huir de la tentación de tomarse a uno mismo demasiado en serio. En las culturas indias, existen unas figuras que hacen de payaso en las ceremonias y bromean sobre las cosas más sagradas. Esa es una función de los artistas y de los poetas. Ya Platón en su libro La República obligó a los poetas a salir de la ciudad porque se reían de los dioses y de lo sagrado.

Parece que a lo largo de su vida se ha divertido mucho.

Aún ahora me divierto mucho.

Molinari, la humildad ante la duda

2011-09-04T08:16:00.002-05:00

DAVID TOVILLA

“La clase de poetas y de hombres que más necesitamos hoy:

no a los que afirman ni a los que niegan

sino a los que dudan y se interrogan.”

Octavio Paz

En su poemario Conjuros, Alejandro Molinari se coloca junto a nosotros para caminar acompañados en el recorrido de su trabajo creativo. Prefiere la comunicación fraterna que la abstracción para establecer distancias. Habla para que le escuchemos, no para que comenten lo hizo.

Conjuros es fiel a una tradición ancestral. Ese deseo de los humanos por acomodar el mundo de acuerdo con su perspectiva, congruente de lo que quiere o no. El ideal se aplica a las deidades, la naturaleza, los objetos o las actitudes. En esa ruta, el procedimiento propuesto por el poeta es la arenga surgida desde la sinceridad, la convicción, la declaración de principios, la experiencia, el convencimiento. El conjuro es una situación modificada en el momento en que se expresa; en este caso, el poema, al leerse, se realiza.

Sólo quien tiene algo qué decir desea “evitar que la palabra se vuelva silencio”. Alguien que haga de ella su herramienta cotidiana, su amante de cada día; su ayer, hoy y mañana como Alejandro Molinari. Aunque ellas ansíen una tregua, con él las palabras no descansan. Las hace ver, emerger, aunque estén cubiertas, distraídas o alejadas.

El poeta nos obliga a enterarnos de las verdaderas fuerzas transformadoras. Poderes infalibles como la ternura, tan capaz y creadora que puede “encender las lámparas de la casa”. Lo etéreo que mueve lo material, como ocurre en la vida real. Una reflexión desde la plenitud, la familiaridad y el anhelo.

La virtud del creador es traducir en un verso o una expresión lo que otros viven, piensan o irradian. Es la capacidad de extender un pensamiento particular en un sentimiento colectivo. Un ejercicio intelectual que sirve a hombres y mujeres de cualquier sitio o condición pero con una circunstancia semejante. Cuando Molinari apunta: “Porque no hay más que decir y todo es un campo primigenio donde retoza el aleteo de lo incierto” da voz a todos sus interlocutores que se apropian de la frase.

El autor persiste en hacer de las anécdotas un canto, una exaltación. Atavía a un género con la cobertura de sus conclusiones de gratitud, admiración y entrega. El poeta erige una ofrenda que al mismo tiempo es la pira donde se inmola para decir: “Porque toda mujer es piedra de sol: ¡arde!”, “Porque es montaña, ninguna niega su flama”, “Porque nido de golondrina, ninguna cancela la infinita vida”.

Conjuros tiene un bloque de poemas denominados “Pasos”. Un diálogo espiritual, introspectivo. El escritor nos traslada a su espacio físico para transmitirnos un caudal de reflexiones. Cada paso es un pensamiento, un peldaño, una mirada, una interrogante. Y, como todo él, proclama “la humildad ante la duda”. Sus preguntas son nuestras. Más que compartirlas, las traslada en nosotros. Sin premeditación, pensamos en aquella mujer mayor: “La abuela es a la casa lo que la ventana al alba. Ella sólo da fe de cómo el tiempo pasa”. Volteamos a ver un sitio con nuevos ojos: “La casa cruje. Se queja cuando ríe imperceptible. (...) Me siento en una esquina, como si fuera una hamaca sencilla. Me siento a escuchar el acomodo de sus huesos”. Compartimos un pensamiento que nunca nos propusimos: “No es fácil ser muro en esta casa. Todo el día uno frente al otro”. Molinari deja constancia de su permanente revisión extraordinaria de lo ordinario. Para hacernos partícipes y situarnos en la dimensión de lo que somos y ocupamos frente al mundo. ¿Somos similares a lo inanimado?¿Lo externo, en realidad es? Nos invita a revalorar, a interrogar, con la misma sencillez que el escritor lo hace: “¿Y si la casa fuese sólo un pensamiento? Los abuelos construyeron con palabras los patios, los techos y los cuartos de esta casa. No es el concepto construcción el que modela la estructura, es la palabra sencilla, su furtiva flama”. Cuando uno termina de transitar sobre las huellas marcadas por el autor sólo se puede decir: Alejandro, gracias por sembrar la duda, gracias por la humildad.

Desde la arrogancia se presumen las respuestas, en Conjuros no. Las constantes del autor son las del conocimiento mismo. El tono del poemario es el encuentro sorpresivo con lo que vemos o hacemos. Es trastocar la rutina. Crecer unido a lo habitual o inadvertido: “A veces realizo un acto sencillo: prendo la lámpara, por ejemplo”, “Los hombres no lo saben pero realizan actos complejos diarios: suben gradas para llegar temprano; eligen entre cuatro o cinco videos”, “Los hombres, no lo saben, pero dudan todo el tiempo”.

Molinari consigna, con claridad, la dimensión de la literatura. No siempre son necesarios tratados inmensos. Bastan unas líneas de poesía; de temple para aceptar nuestra suerte; de sabiduría para distinguir: lo esencial de lo accesorio, las ideas por encima de la palabrería, la acción ética sobre las apariencias. Así lo hace: “Uno nunca elige lo importante. Son las sobras del azar lo que nos toca. (…) Nos tocó por herencia el rescoldo del libre albedrío. Lo importante ya está dado. No puedo ser luz, ni chispa de fuego. Debo conformarme con ser charco: yo quisiera ser río”.

Bien llegada la riqueza de descubrimientos que dejan los Conjuros de Molinari.

Una diatriba contra el twitter

2011-09-04T08:16:00.000-05:00

Luigi Amara

De la Revista Etiqueta Negra No. 75

Desconfío del Twitter porque está condenado a ser un registro de los tiempos muertos de cada individuo conectado a Internet: la gente suele relatar sus actividades justo cuando no hace gran cosa («Mastico un chicle bomba», «Miro largamente mis uñas»), de modo que o bien la actividad que describo es tan poco absorbente que me permite hacer su recuento en «tiempo real», o bien es a tal punto absorbente que no tiene cabida en el Twitter. Los cuernos del dilema de esta nueva interfaz conducen inevitablemente hacia lo inane, hacia un simple encabezado que no tiene texto debajo. Lo demás es alarde, minificción o necesidad desperada de reconocimiento. ¿Qué estás haciendo? La pregunta que plantea esta red social puede parecer inocente, incluso trivial. Pero la avalancha de respuestas que ha provocado, con millones de personas describiendo en pocas palabras sus actividades cada segundo, casi se diría compulsivamente, habla de una época dominada por la simplificación, lo mismo que por el morbo. Descreo del Twitter porque quien desde su teléfono móvil o desde sus horas de hastío frente a la computadora ha creído urgente propagar por el ciberespacio –esa versión high-tech de los cuatro vientos– el curso de su vida, no hace sino aportar su granito de arena a la construcción del gran castillo de la banalidad. Desapruebo el Twitter porque allí la existencia no tiene la menor entidad sino hasta que es contada telegráficamente; porque cualquier acción carece de sustancia hasta que deja una estela escrita. Aborrezco el Twitter porque, al igual que esos turistas que nunca están plenamente en el lugar que visitan, tan preocupados se encuentran por tomar la foto que dé fe de que estuvieron allí, los acólitos del Twitter no hacen plenamente lo que dicen que están haciendo a causa de su mismo afán por informarlo. Tal vez no esté mal que haya ventanas, pero las que abre el Twitter se antojan demasiado angostas y mal orientadas; mirillas para acercarse no al secreto de la intimidad sino a la extroversión de lo insulso. La reducida caja tipográfica de esa especie de microblog, que sólo admite ciento cuarenta caracteres, en vez de propiciar el laconismo, la frase bien afilada en el pedernal del misterio, da pie a las oraciones más simples –sujeto-verbo-predicado, cuando mucho–, a un gorjeo monótono. No por nada twitter significa eso: «gorjeo», que, con perdón de los pájaros, designa también los esfuerzos destemplados del niño cuando empieza a hablar. No me gusta el Twitter porque, aunque se presente como una ocasión para el encuentro, ofrece un nuevo pretexto para el aislamiento. Como otras redes sociales (Facebook, Hi5, chat), promete la sociabilidad espectral de lo inalámbrico, la gélida camaradería de las pantallas electrónicas. Se ha hablado de las repercusiones de esta bitácora en miniatura en lo que ya con cierta superstición denominamos «la realidad»: su potencial para cambiar las cosas, para organizar revueltas en una sola tarde. Pero las revueltas se gestan con o sin mensajes SMS, y al final lo que circula en el Twitter tiene tan poca incidencia que nadie le presta demasiada atención. Por eso me eriza la piel; porque todo allí es fútil y evanescente, como si no hubiera tenido lugar. Prueben si no a revelar sus crímenes (o sus planes de cometerlos). No pasa nada, ni siquiera responde el eco. ¿Qué es entonces lo que desfila día y noche por el Twitter? Además de cables noticiosos y «revelaciones» sensacionalistas, lo que abunda son gritos de auxilio de solitarios que no saben cómo desenchufarse; confesiones voluntarias de quienes han comprendido que sus movimientos son vigilados y a la vez poco importan. Antes de escribir estas líneas desdeñaba la moda del Twitter, pero ahora la detesto. Porque encarna el triunfo de la acción sobre la crítica, del chisme sobre el enigma, de la descripción sobre la insinuación, de lo inmediato sobre lo imposible, el Twitter condensa el signo trágico de la impudicia de la sociedad contemporánea: canales de comunicación siempre abiertos para personas que no tienen nada que decir, para individuos aislados paradójicamente por la tecnología a los que, ay, sólo les queda el consuelo del gorjeo.

Panamá acogerá en 2013 el VI Congreso Internacional de la Lengua Española

2011-09-04T08:15:00.001-05:00

*Texto: Información del portal de los Congresos Internacionales de la Lengua Española

Panamá acogerá en 2013 el VI Congreso Internacional de la Lengua Española. Ese es el gran acuerdo al que se ha llegó el pasado 11 de julio en la reunión de trabajo que mantuvieron en el Instituto Cervantes una veintena de altos responsables de instituciones culturales españolas, presidida por la primera dama de Panamá, Marta Linares de Martinelli; la directora del Instituto Cervantes, Carmen Caffarel, y el director de la AECID, Francisco Moza. Han participado también en la sesión, entre otros, la ministra de Cultura de Panamá, María Eugenia Herrera de Victoria; el director de Relaciones Culturales y Científicas de la AECID, Carlos Alberdi; el director de la Real Academia Española, José Manuel Blecua, y el secretario general de la Asociación de Academias de la Lengua, Humberto López Morales, así como responsables de los museos Naval y de América, la Biblioteca Nacional, de Casa de América y del Archivo General de Indias.

El próximo Congreso de la Lengua —coorganizado por el Instituto Cervantes, la Real Academia Española, la Asociación de Academias y el país anfitrión— coincidirá en 2013 con otra conmemoración importante para la república panameña: el 500 aniversario del descubrimiento del Océano Pacífico por el español Vasco Núñez de Balboa. A ello se sumará la cumbre de Jefes de Estado y de Gobierno de la comunidad hispanohablante.

Los Congresos Internacionales de la Lengua Española que, con periodicidad trienal, se celebran en los países de la comunidad hispanohablante, constituyen foros universales de reflexión sobre la situación, problemas y retos del español. Pretenden avivar la conciencia de corresponsabilidad de Gobiernos, instituciones y personas en la promoción y en la unidad de la lengua, entendida como instrumento vertebrador de la Comunidad Iberoamericana en todos los órdenes, en diálogo con otras lenguas que son vivo patrimonio común de ella. Los anteriores CILE se han celebrado en Zacatecas (México) en 1997, Valladolid (España) en 2001, Rosario (Argentina) en 2004, Cartagena de Indias (Colombia) en 2007 y Valparaíso (Chile) en 2010, si bien este último se desarrolló en Internet debido al terremoto registrado en vísperas de la fecha prevista para su celebración.

Presenta Carlos Fuentes canon de escritores y obras esenciales del siglo XX y XXI

2011-09-04T08:02:00.000-05:00

En su colaboración exclusiva para el suplemento Babelia del periódico El país, Carlos Fuentes escribió sobre la historia y la evolución de dicha narrativa y presentó su canon de escritores y obras esenciales del siglo XX y XXI.

Cristóbal Colón vio las sirenas del Caribe en 1495 aunque dice que "no eran tan hermosas como las pintan". En cambio, Diego de Rosales las ve "bien agestadas, con cabezas y crines largas" y al zambullir, noté "cola y espaldas de pescado". Fernández de Oviedo abunda en la descripción de maravillas. Tiburones "que tienen el miembro viril o generativo... cada uno tan largo como desde el codo... a la punta mayor del dedo de la mano". Las sorpresas abundan en estas primeras Crónicas del Nuevo Mundo. Cocuyos que iluminan las noches. Tortugas con nidadas de mil huevos. Perlas negras. Salamandras ardientes y frías a la vez. Es la noche de la iguana, exclamó Cieza de León.

Europa necesitaba un mundo nuevo que colmara sus ansias de fantasía. Pero si la narrativa de las Américas se inicia con la imaginación mítica, Bernal Díaz del Castillo pronto la ubica en la conquista épica. Su Conquista de la Nueva España se inicia con acento mítico: México-Tenochtitlán se parece a "los encantamientos... en el libro de Amadís". Pronto, el asombro del descubrimiento es vencido por el clamor de la conquista. Una victoria llena de dudas, pues Bernal nos describe la destrucción de un mundo al que ama por otro mundo al que obedece. Su libro es la memoria de la juventud de un hombre maduro, olvidado y ciego. El mito ya es épica.

Ambos -mito y épica- serán silenciados por las prohibiciones de la Corona. La "historia oficial" sustituye a la imaginación épica mítica y la obligación de los súbditos del rey es callar y obedecer, dice el virrey de México, marqués de Croix. Sólo que junto con los "libros de los valientes", descubridores y conquistadores, llegaron las ideas de la época, secretas a veces, creciendo a pasos largos y lentos. La idea de América coincide con la Utopía de Tomás Moro, que Vasco de Quiroga quería recrear en Michoacán. Coincide con El príncipe de Maquiavelo, que parecería el abecedario de los conquistadores: no digas, haz. La descendencia literaria de Maquiavelo se encuentra en el Tirano Banderas de Valle-Inclán, los Archivos de Gallegos, el Pedro Páramo de Rulfo, El patriarca de García Márquez y, en su versión moribunda y final, en el Trujillo de Vargas Llosa. Genio y figura hasta la sepultura.

Menos obvia, más profunda, es la herencia erasmista en América. Visible en la arquitectura colonial de Aleijadinho en Ouro Preto o de Kondori en el Alto Perú, es en la poesía de sor Juana Inés de la Cruz donde la influencia erasmista es más cierta:

En dos partes dividida

tengo el alma en confusión:

una, esclava a la pasión,

y otra, a la razón medida.

¿Pasión? ¿Razón? ¿En dónde estaba entonces la fe? Si en estas condiciones el cuestionamiento propio de la novela no era posible, sí lo fue la historia que empiezan a contar, con definiciones nacionales, Clavijero en México y Molina en Chile, jesuitas expulsados de los reinos que para ellos ya eran naciones distintas de España. Es natural que a partir de las guerras de independencia (1810-1821) los historiadores se encargaran de decir lo no dicho: Lastarria y Bilbao en Chile, Mora en México y, sobre todo, Andrés Bello, el venezolano aclimatado en Chile y fundador de su Universidad, y Domingo Faustino Sarmiento, cuyo Facundo es, acaso, el libro definitivo del siglo XIX latinoamericano. Sarmiento consagra la confusión de géneros (como El Quijote): es biografía, geografía, historia, política.

La novela de la independencia la inaugura el mexicano Fernández de Lizardi con El periquillo sarniento (1816) y prolongan el género varios escritores sumamente influidos por el romanticismo, el realismo y, al cabo, el naturalismo europeos. La gran excepción se da en Brasil y se llama Joaquim Maria Machado de Assis, cuyo Blas Cubas (1881) recupera la tradición cervantina de la mezcla de géneros, el humor, el héroe menor, las ilusiones y el engaño, así como la crítica del libro dentro del libro y el cuestionamiento de la autoría.

La novela realista y documental aún tendrá momentos importantes en la obra de Rómulo Gallegos y en los novelistas de la revolución mexicana. Pero dos de estos, Agustín Yáñez y Juan Rulfo, habrían de cerrar el ciclo con obras que a un tiempo tratan de un tiempo histórico (la revolución mexicana) y la trascienden con, más que, aunque también, la novedad del estilo, la estructura y la intención. Al filo del agua y Pedro Páramo cierran un capítulo temático (la revolución), pero abren un capítulo de la escritura como arriesgada búsqueda de lo no dicho antes. Así, la historia que nos contaron en el siglo XIX se convierte en la historia que nadie había contado antes: la pasión de Pedro Páramo por Susana San Juan, la soledad inmensa de los pueblos de Yáñez, la duda acerca del tema fundador: ¿quién es mi padre, quiénes son mis madres?

El heredero mayor de Machado de Assis es Jorge Luis Borges, quien da el paso de más. El universo aspira a la totalidad pero sólo lo explica la excepción. El Aleph es todos los espacios. Funes es todas las memorias, y la Historia universal de la infamia es todas las historias. Sólo que cada "absoluto" borgiano es vencido desde adentro por un amo personal (Beatriz Viterbo en El Aleph), por una disminución del absoluto (Funes) o por la particularidad excéntrica (La infamia). Al cabo, en Pierre Menard, Borges reescribe El Quijote, línea por línea, palabra por palabra. Sólo que la intención es distinta.

Más corrosivos, más libres, en cierto modo, del juego borgiano son Juan Carlos Onetti y Julio Cortázar. Onetti, en La vida breve, triplica al protagonista sin perder la diferencia entre los tres. Y Cortázar, en Rayuela y en sus cuentos, sólo emplea la diferencia entre las dos orillas (Europa-Argentina) para indicar, al revés de Borges, la universalidad de la diferencia. Los tiempos simultáneos de una operación quirúrgica hoy y de un sacrificio ayer nos hablan de este acierto cortazariano: lo diferente puede ser simultáneo o al revés.

Hablo aquí de los contemporáneos de Borges. Bioy Casares y José Bianco, pero sobre todo de sus descendientes, Tomás Eloy Martínez, Sylvia Iparraguirre, Ricardo Piglia, Luisa Valenzuela y Matilde Sánchez. La literatura más variada y fervorosa de la América española es la argentina. La más sui géneris (como el país mismo) es la chilena. País de poetas (Neruda, Huidobro, Mistral, Parra), la narrativa moderna arranca con José Donoso y Jorge Edwards y prosigue hoy con Isabel Allende, Arturo Fontaine, Antonio Skármeta, Sergio Missana, en tanto que en Perú, después de la gran obra de Mario Vargas Llosa, que va de La ciudad y los perros a El sueño del celta, se refundan los derechos no sólo de la imaginación, sino de la expansión, simultaneidad y precipicios de la lengua. Santiago Roncagliolo es un ejemplo.

Más arduo ha sido el problema de los jóvenes novelistas de Colombia. García Márquez es, a un tiempo, referencia, calidad y estorbo. Lo significativo de Gabo es que con Cien años de soledad recogió las grandes tradiciones de la selva y el campo para transformarlas en una narrativa doble, que por el hecho de serlo, disminuye a las anteriores. Porque el secreto de Cien años de soledad es su doble narración. Los Buendía son objeto de una primera narración que resulta, al cabo, ser la falsa narración del verdadero narrador, el taumaturgo gitano Melquíades, anuncio, en sí, de una serie de narraciones continuas anteriores, imaginables, imposibles, olvidadas y deseadas.

Heredar semejante excelencia es el problema de Santiago Gamboa y de Juan Gabriel Vásquez. Ambos superan la tradición, claro está, con nueva creación. El síndrome de Ulises de Gamboa o Historia secreta de Costaguana de Vásquez no niegan lo que heredan, pero saben que el parricidio puede ser un renacimiento.

La literatura mexicana, superada la fatalidad agraria por el arte de Yáñez y Rulfo, se ha centrado en la vida urbana (Villoro, Enrigue) aunque también en el pasado como memoria de la actualidad (Solares, Celorio, Lara Zavala). El punto de renovación, sin embargo, fue el Farabeuf o la crónica de un instante (1965) de Salvador Elizondo, antecedente extremo de una imaginación tan liberada que ella misma es su única frontera. Las "prohibiciones" nacionalistas del pasado fueron superadas, pos-Elizondo, por el grupo autodenominado El Crack y su compañero Xavier Velasco. La literatura escrita por mujeres (que no literatura femenina) ha acompasado este cambio.

Regreso adonde empecé: el Caribe, cuna de nuestra cultura. Son dos de sus novelistas mayores en castellano, ya que el Caribe es región de muchas lenguas y muchos perfiles. Del Caribe son William Faulkner y Jean Rhys, Édouard Glissant, Saint-John Perse, Derek Walcott y Aimé Césaire. También, y cubanos, Alejo Carpentier y José Lezama Lima.

Lezama, poeta (Enemigo rumor, 1941) y ensayista (La expresión americana, 1957), escribió una de las más difíciles y complejas novelas latinoamericanas, Paradiso (1966). Hablo de ella por muchos motivos. La riqueza del lenguaje, las formas proteicas del libro, su atrevimiento mayúsculo en todo lo necesario para crear la obra mayor del barroco literario latinoamericano. Se recomienda leer primero a Luis de Góngora y Argote ("no puede durar el mundo... que suena a vidrio quebrado y que ha de romperse presto") y un poco a Francisco de Quevedo ("abuelo de los dinamiteros", según César Vallejo). Dura el mundo sin embargo, a pesar de los dinamiteros y el vidrio quebrado. ¿Hermético, metafórico, neoplatónico? Lezama descubre sus propias claves, y las nuestras, en un ensayo fundador de nuestra cultura, La expresión americana, donde todo lo que parecía lugar común reaparece como luminoso renacimiento: la cultura como destino porque tiene orígenes, la literatura como alusión de la realidad, la imagen como relación. Todo lo que creíamos saber de la América española, nos pide Lezama, debemos repensarlo y aun así no lo conoceremos del todo, jamás.

El otro gran cubano es Alejo Carpentier. Como Lezama, Carpentier redescubre un mundo nuestro. Lo coloca en la historia (Guerra del tiempo, El siglo de las luces), en el drama político (El acoso), en la imaginación de las culturas (El reino de este mundo), en la parodia voluntaria (Concierto barroco) y en un audaz remontarse al origen de la vida en Los pasos perdidos. Quizás ésta sea la novela clave para entender la obra de Carpentier. Una novela contiene a todas las novelas porque toda literatura, aunque no lo sepa, es idéntica a su origen más remoto. Y éste, en Los pasos perdidos, es el primer fuego en la montaña, la primera palabra en la selva, el primer baile ceremonial para celebrar el origen (siendo el origen sin saberlo). Majestuosas creaciones literarias las de Carpentier. La negra magia religiosa de Ti Noel. La magia negra política de Víctor Hugues. El derecho a la resurrección en Guerra del tiempo. El derecho al amor de Sofía y Esteban del narrador y la narrada en Los pasos perdidos. La soledad del perseguido acompañado sólo por la música de Beethoven en su acoso. Y un poder solitario, resuelto por un dictador latinoamericano que en su apartamento parisiense necesita unas palmeras y un perico para sentirse "en casa" (El recurso del método).

Incluyo en este libro a dos autores que parecerían (y son) atípicos. La brasileña Nélida Piñon, porque es gallega de origen y más cercana a este volumen que sus grandes antecedentes Jorge Amado, Clarice Lispector y João Guimãraes Rosa. No nos entenderíamos sin Brasil y Brasil no se entendería sin nosotros. Por eso, además, de Nélida, hablo en este libro de Aleijadinho y de Machado de Assis, y en cuanto a Juan Goytisolo, si escribe en castellano, habla también en hebreo y árabe. Ateo de cultura cristiana y heredero, nolens volens, de Grecia y Roma. Es nuestro porque señala como nadie nuestra heredad, en este volumen evocada.

Canon siglo XX

- El Aleph

Jorge Luis Borges

- Los pasos perdidos

Alejo Carpentier

- Rayuela

Julio Cortázar

- Cien años de soledad

Gabriel García Márquez

- Paradiso

José Lezama Lima

- La vida breve

Juan Carlos Onetti

- Noticias del imperio

Fernando del Paso

- Yo el supremo

Augusto Roa Bastos

-Pedro Páramo

Juan Rulfo

-Conversación en La Catedral

Mario Vargas Llosa

-Santa Evita

Tomás Eloy Martínez

Canon siglo XXI

-Historia secreta de Costaguana

Juan Gabriel Vásquez

- En busca de Klingsor

Jorge Volpi

-Oír su voz

Arturo Fontaine

-El desierto

Carlos Franz

- Las muertes paralelas

Sergio Missana

-Amphitryon

Ignacio Padilla

-El síndrome de Ulises

Santiago Gamboa

-Abril rojo

Santiago Roncagliolo

Carlos Fuentes recibió el 25 de agosto de 2011 el Premio Formentor de las Letras en reconocimiento a toda su obra. Se trata de una distinción en el 50º aniversario de la creación de este galardón que se recupera tras varios años suspendido. Formentor es una península estrecha de Mallorca (España) donde en los años sesenta se realizaron jornadas literarias convertidas en referencia para la vanguardia de la edición europea y el debate cultural, Fueron creadas por las familias Barceló y Buadas Rotger. Entre los anteriores galardonados figuran: Samuel Beckett, Jorge Luis Borges, Juan García Hortelano, Jorge Semprún, Saul Bellow y Witold Gombrowicz.

El abismo Almodóvar

2011-09-04T08:01:00.000-05:00

ÁNGEL S. HARGUINDEY / EL PAÍS

Es el director de cine español de mayor reconocimiento mundial. Cada estreno de una de sus películas se convierte en un acontecimiento en la industria cinematográfica nacional e internacional. En esta entrevista, Pedro Almodóvar -que está a punto de estrenar su largometraje número 18, 'La piel que habito', probablemente su película más sombría y dura- se explaya sobre temas de actualidad, desde la previsible victoria electoral de la derecha hasta el Movimiento 15-M, la reivindicación de la memoria histórica, el agobio de la proliferación de paparazzi aficionados y la necesidad de proteger con mayor convicción legal al autor frente a la piratería.

Usted escribió en la promoción de esta película sobre la importancia de una frase de Elías Canetti de 'El libro de los muertos': "... el interrumpido ir y venir del tigre ante los barrotes de su jaula para que no se le escape el único y brevísimo instante de su salvación", en referencia a la actitud del personaje de Elena Anaya, prisionera desde hace años en una jaula de oro. Sin embargo, esa sensación de vivir encerrado también se podría aplicar a su propia vida, condicionando la evolución de sus películas, que de aquellas comedias iniciales ha pasado a un cine más dramático.

Pero yo no estoy cautivo, o si lo estoy es de mí mismo. Y si busco incesantemente una rendija por la que evadirme, se debe a que continuamente busco elementos que me inspiren y me estimulen a contar nuevas historias. Y ese ir y venir forma parte de mi vida y mi trabajo. Pero no hay barrotes, o si los hay son meramente biológicos. El paso del tiempo. Respecto a La piel que habito, es cierto que probablemente sea la película más negra que haya hecho hasta la fecha. A pesar de que tiene lo más parecido a un final feliz. Pero hay una zona de la película en que el género dominante es el terror, pero un terror de verdad, sin artificio, sin sangre, ni sustos, nada que ver con la manera en que ahora se hace este género. Y esa zona terrorífica pesa mucho sobre la emoción que experimenta el espectador al verla. Al menos entre los cientos con los que he tenido la ocasión de hablar, casi todos periodistas. Pero no es una película sombría. Hay mucha luz, no he querido recurrir a una estética expresionista con sombras recortando las paredes, etcétera. He buscado mi propio camino, que justamente no es el de las sombras. En esto tengo que agradecerle a José Luis Alcaine el magistral trabajo como director de fotografía. Se merece el premio que le dieron en el Festival de Cannes a la película con mejor fotografía del festival.

Una de las características de su cine es la mezcla de géneros.

Esa mezcla también se da en La piel... La película transita entre el drama, el cine de anticipación científica, el thriller, el terror y el melodrama. Sin renunciar del todo al humor, que también lo hay y siempre lo habrá. Eso es marca de la casa.

Una mezcla de géneros en la que no respeta las reglas de ninguno de ellos. En esta nueva obra tienen especial presencia las pantallas y los circuitos de televisión interna. ¿Significa eso un reconocimiento a los tiempos que vivimos en los que se ha perdido completamente la inocencia de la mirada en aras de un obsesivo control?

Lo que yo quería subrayar es que vivimos rodeados de pantallas, de imágenes en movimiento, tanto en la calle como dentro de nuestras casas. O dentro de nuestros ordenadores. El ordenador se ha convertido en un artefacto dentro del que vivimos, que nos refleja y por el que no solo entra la realidad, sino que nos sirve para relacionarnos con los demás, aunque también puedan controlar nuestra intimidad a través de él, y sin pedir permiso. El peligro de vivir al desnudo frente a todos estos artefactos es una sensación real. Pero para un director, esta masiva proliferación de imágenes en movimiento, como cotidianidad absoluta, es muy interesante. Porque la imagen es nuestro instrumento de trabajo, y ahora mismo, para un narrador, o para la policía o para los detectives, oficios que se parecen mucho al de narrador de historias, se han enriquecido enormemente las herramientas que utilizamos y los modos de investigar / documentar/ desarrollar una historia. Bien es cierto que el control que se puede hacer de las andanzas de cualquier persona, en los tiempos que corren, es exhaustivo. Desde que sale de su casa hasta que vuelve. Hemos perdido grandes dosis de intimidad. El personaje de mi película no tiene ninguna. Está siendo siempre observada como un ratoncillo con el que se está experimentando. Además de las imágenes de control, con pantallas en blanco y negro en la cocina, está el inmenso plasma que tiene el doctor Ledgard, el personaje de Antonio, que le ocupa la mitad de la pared que da a la habitación de Vera-Elena. Mi intención es dar la impresión de que casi viven juntos. Y cuando Antonio atrae la imagen hacia sí con un zoom y el rostro de Elena es tan grande como las tres cuartas partes de Antonio, quiero decir que aunque él sea el dueño de las llaves, Elena es la que está controlando la relación. Los distintos tamaños de las pantallas donde aparece ella tienen un interés puramente narrativo, además de representar la vida misma.

Hablando de imágenes robadas, ¿qué opinión le merecen los 'paparazzi'?

No son santo de mi devoción, a no ser que te llames Ron Galella.

Pero eso es algo que solo se descubre 'a posteriori'.

Es verdad. Cuando fotografiaba a Jacqueline Kennedy por la calle, no creo que ella imaginara que esas fotos iban a ser colgadas en los museos del siglo XXI.

Si hubiera hecho hoy 'Mujeres al borde de un ataque de nervios', tendría que haber utilizado los teléfonos móviles.

Ese es el peor tipo de paparazzi, el que te encuentras por la calle a cualquier hora del día o de la noche y te graba y te fotografía, sin llamar antes a un maquillador y a una peluquera. Yo soy un tipo cercano, estoy dispuesto a hablar con toda la gente que me encuentro por la calle. Me gusta. Tengo muy buena relación con el caminante urbano. Pero hay días en que no soporto más de 10 irrupciones, con foto incluida.

¿Cree que eso repercute en su cine o en su vida?

No, hombre. Repercute en la longitud de mi zancada, en el ritmo de mi caminata. Ten en cuenta que es el único deporte que hago, caminar. Ya estoy en ese plan. Pensando en el ritmo cardiaco y en la tensión arterial. Tengo máquinas en casa, pero prefiero que me dé el aire. Ya vivo con un gato, y estoy a punto de comprarme un perro para que me saque a pasear. Yo mismo estoy sorprendido de estos cambios.

Muchos cambios desde que subía al escenario de Rockola cantando con Fabio McNamara 'Me voy a Usera' en bata de boatiné y un grueso collar de perlas de bisutería.

No entiendo de piedras preciosas. Siempre he preferido la bisutería. Pues sí, muchos cambios y muchos años. Treinta. Estoy muy orgulloso de la bata de boatiné, y del perrerío de las noches y los días de la década de los ochenta, pero si hubiera seguido así no estaríamos haciendo esta entrevista.

También su cine ha cambiado.

Gracias.

Quiero decir que de aquellas comedias disparatadas a la negrura de 'La piel que habito' hay un abismo.

Puede ser. Yo he llegado a La piel que habito de un modo natural, día a día. Película a película. Para mí es un cambio tan natural como el biológico. Me alegro de que mi cine haya cambiado. Reconozco que las historias que ahora cuento son más graves que las de hace 30 años. Es lo que me sale, pero hay cosas que no han cambiado, quiero ser entendido, que mis películas se entiendan, a pesar de sus complejidades, y quiero ser ante todo y sobre todo entretenido. Desde Pepi... hasta La piel... Es cierto que además no hago ninguna concesión, que hago lo que quiero hacer y como quiero hacerlo. Y a veces eso es un reto para mí y para el espectador. Necesito un espectador vivo, despierto, sin prejuicios y dispuesto a sorprenderse con alegría ante los giros imprevistos. Y aunque mi paleta se haya ensombrecido, son justamente las películas más oscuras, las que he rodado esta última década, las que mayor prestigio y reputación me han dado internacionalmente. Lo digo como mera información, sin engreimiento. Tal vez fuera de aquí, como no soy de la familia, valoren mejor los cambios.

En 'La piel que habito', la familia de Marisa Paredes y sus dos hijos son originarios de Brasil, un país que elige porque no tiene una tradición judeocristiana. 'La mala educación' es una clara muestra de lo que supone una educación cristiana. Ahora vivimos tiempos en los que se vislumbra un nuevo triunfo electoral de la derecha, de la que la imagen más inquietante es esa de María Dolores de Cospedal en la procesión del Corpus de Toledo. ¿Le preocupa el porvenir inmediato?

Te sorprenderás, pero me gusta la mantilla. En La Mancha es muy popular, mis hermanas se ponen mantilla en Semana Santa y yo mismo tengo una foto preciosa, de adolescente, con mis dos hermanas vestidas de negro y con mantilla, que guardo como oro en paño. No quiero ser agorero y mucho menos jugar a futurólogo en un momento en que todo cambia en cuestión de horas. Cada día ocurre algo importante, un día dimite Camps, al día siguiente muere Amy Winehouse, la junta directiva de la SGAE está dispuesta a cambiar sus estatutos y hacernos partícipes a todos los miembros, y poco después salen siete miembros de la misma junta directiva negándolo; un día, el PP aventaja en más de diez puntos al PSOE y en este instante la diferencia se acorta en tres puntos por el efecto Rubalcaba; el Papa vuelve a enfrentarse con nuevos casos de abusos y torturas en Irlanda, por enésima vez. Strauss-Kahn un día es un cerdo, y al siguiente, una pobre víctima. Durante semanas ha estado condenado al más indigno ostracismo, y de pronto la mitad del pueblo francés desea que vuelva a la política. El tabloide The News of the World cierra por un escándalo de espionaje salvaje, con ramificaciones que implican a políticos ingleses, la policía, Scotland Yard... y el propio señor Murdoch, por fin, muestra su verdadera y horrible faz. Es imposible abarcar el presente, mucho menos determinar el futuro. ¿Que si me preocupa? Por supuesto. Mucho. En este momento podemos hablar con temor de la llegada de la derecha en laspróximas elecciones, pero no quiero anticiparme. El presente va a toda hostia, arrastrando a su paso antiguos miedos y nuevas esperanzas. Creo, por ejemplo, que el 15-M nos ha traído a la izquierda española nuevas energías. Encuentro en la ciudadanía mucha más conciencia y deseos de participar, y de unirse, ojalá, que hace nueve meses. En las próximas semanas van a ocurrir muchas cosas. Yo participaré en lo que pueda, pero estaré más centrado en el estreno de La piel que habito en Europa y poco después en EE UU. Me temo que gran parte de lo que acontezca en España este otoño me lo perderé porque estaré un largo periodo en Nueva York y Los Ángeles. Pero estaré al loro.

Otra de las críticas más comunes a la etapa socialista es, precisamente, esa falta de voluntad por aplicar la Ley de la Memoria Histórica. ¿Qué opina de esto?

Lo han hecho muy mal. Cuando esa ley se aplicó en las distintas comunidades, demostró su ineficacia y falta de reglamentación. A mí me preocupa mucho el tema, no tengo ningún familiar cercano enterrado en ninguna cuneta, pero me duelen mucho las dificultades y la ausencia de ayudas que están recibiendo los familiares de las víctimas del holocausto franquista. No se abren heridas, como dice la derecha, sino que se cierran. Y es importante hacerlo ahora. Es un asunto que quedó pendiente y es urgente y muy importante que se aborde de una vez, con eficacia.

Y ya que lo ha mencionado antes, ¿qué le parece este otro movimiento grande, heterogéneo, espontáneo y peculiar, pero muy curioso sociológicamente hablando, en el que se juntan varias generaciones, que es el 15-M?

Creo que afortunadamente tumba la idea del joven apolítico que teníamos hasta ahora. Los chicos que han nacido en plena democracia se lo han encontrado todo hecho, no guardan memoria de que a veces hay que luchar para mejorar las propias condiciones de vida. Ese apoliticismo ocurría más con la primera generación de la democracia, la generación que se ha quedado viviendo con sus padres, sin necesidad de emanciparse ni a los 40 años. Sin embargo, los más jóvenes, sin previo aviso, se instalan un día de mayo en la Puerta de Sol y nos demuestran que no son como sus hermanos mayores. Son chicos preparados, pero sin perspectiva de futuro, y no están dispuestos a marcharse a Alemania a trabajar, sino que se reúnen en asamblea callejera para clamar por los problemas que les afectan y que a los políticos parecen no preocuparles. Por fin, estos miles de jóvenes han representado de modo emocionante la desafección que muchos españoles sentimos como ellos, la falta de identificación con los políticos que nos gobiernan, su repulsa a los desahucios, el modo en que se aborda la solución de la crisis, su oposición al bipartidismo, la necesidad de una nueva ley electoral, el empequeñecimiento de una democracia que debe evolucionar para seguir siéndolo. El 15-M es nuestro Mayo del 68, solo que aquí no se piden utopías, casi todo lo que denuncian y reclaman es dramáticamente real, posible y necesario.

¿No estamos exagerando entre todos la importancia de este movimiento?

Puede ser. Personalmente estoy dispuesto a cogerme a esa exageración como a un clavo ardiendo. No es que el 15-M nos vaya a arreglar elfuturo, no es un partido político, pero sí creo que han conseguido despertarnos. Es muy importante la concienciación y la participación de la sociedad civil. Creo que la solución está en el dinamismo de la ciudadanía. Aunque Franco arruinó la idea del referéndum, hay muchos temas que los políticos pueden consultar a los ciudadanos; la democracia no puede consistir exclusivamente en que cada cuatro años vayamos a votar, en casos como el actual, a dos partidos con los que no nos sentimos identificados. En las relaciones de los políticos y la ciudadanía hay que incorporar las nuevas tecnologías. Ya no sirve eso de "mejor no hacer una consulta sobre este tema, porque no lo van a entender". Ese paternalismo de los políticos no se puede mantener en la actualidad. La vida se ha dinamizado enormemente. Y ese nuevo ritmo todavía no ha llegado a la política. Y tienen que ponerse al día. Vivimos en pleno torbellino de un cambio de época, y a cada uno le toca cambiar en lo suyo. Da vértigo, pero no queda más remedio. El futuro nos ha cogido en bragas. Y hay que espabilarse.

Enormes cambios en el último momento, como se titulaba una novela de Grace Paley. Usted también se ha distinguido en ese afán de refundar la SGAE después de las noticias judiciales de este verano. Eso entronca con un problema grave en España: la lucha contra la piratería. Parece que se ha instalado la cultura de lo gratuito, pero, curiosamente, solo en los terrenos de la cultura y el ocio...

El menosprecio a la cultura y a sus creadores viene de antiguo. Me gustaría matizar la relación de los creadores con Internet. En primer lugar, todos somos internautas. Si yo estuviera empezando ahora, en vez de superochos, haría vídeos que colgaría gratis en YouTube y me daría a conocer globalmente sin necesidad de intermediarios. Y explotaría de felicidad si un millón de internautas se hubieran descargado mi corto gratis. Esto es un milagro con el que no podíamos ni soñar. Creo que este siglo se diferencia del anterior por la irrupción de Internet en nuestras vidas. Es algo tan importante que para medir el grado de libertad que existe en un país, del mismo modo que en el siglo pasado era la libertad de prensa, ahora la medida es el libre acceso a Internet, algo que no ocurre en Cuba o en China. Internet ha conseguido que montones de personas con problemas similares se pongan en contacto y se organicen, por poner solo un pequeño ejemplo. Todo eso es maravilloso, pero hay aspectos en la red que necesitan una regulación. El asunto de las descargas ilegales.

Pero va a ser difícil modificar determinados hábitos que ya están tan arraigados...

Yo entiendo que a los chicos que se han descargado todo tipo de materiales gratis es muy difícil convencerles de que determinados contenidos tienen un dueño, y que bajártelos alegremente equivale a un robo. Las películas tienen un dueño, alguien ha pagado un montón de millones de euros para producirlas. Pero además del perjuicio económico, que es descomunal, a mí me preocupa el derecho moral de los autores. La gente compra películas en la manta, o se las baja en el ordenador, con una calidad técnica ínfima. Durante meses, un montón de gente, artistas y técnicos, han dado lo mejor de sí mismos para crear un producto de máxima calidad, independientemente de que la película sea buena o mala, que al cliente de la manta le llega convertido en subproducto: imágenes oscuras, sin foco, con gente que pasa por delante de la pantalla, el sonido desincronizado, etcétera. Se me cae el alma a los pies. Nadie tiene en cuenta el derecho moral del autor de que su obra se vea tal cual fue concebida. El autor tiene que añadirse a una larga lista de "los seres más desprotegidos" de esta sociedad. La antigua lucha contra la censura se ha sustituido por la lucha contra la infracalidad a que se ven condenadas las películas pirateadas. Y no es cierto que la Red haya terminado con el mercado, que todo es gratis y que todos salimos ganando, y que nadie se está lucrando. Eso es una falacia. Con las descargas ilegales, algunos están ganando mucho dinero, y no son los dueños de los contenidos, sino las operadoras telefónicas que venden al usuario las herramientas para poder descargarse todo. Y esto solo puede impedirse desde el Gobierno. Y no lo han hecho, como tantas cosas, por una razón muy sencilla: el miedo. Para la industria cinematográfica, las descargas son un verdadero cáncer.

'La piel que habito' supone también el reencuentro con Antonio Banderas, con el que no había vuelto a trabajar desde 'Átame', un largo periodo en el que, además, los dos se han internacionalizado. En la película, Banderas tiene un extraordinario sentido de la contención, apenas mueve un músculo de la cara. ¿Cómo resultó trabajar de nuevo con él?

No mueve ningún músculo porque así se lo impuse. Antonio es muy expresivo y aquí le pedí lo contrario. Desde el principio había decidido que como la historia de La piel... es tan bestia, el tono debía ser muy austero. Aséptico. Y Antonio se ajustó perfectamente a lo que le pedía. Se sorprendió al principio, pero se sometió de inmediato. Recuerdo que durante la preparación le di un DVD de Círculo rojo, de Jean-Pierre Melville, uno de mis directores fetiche. Mucho antes que el irregular Kitano, Melville ya había inventado el silencio de los violentos y la inexpresividad facial. Los actores de Círculo rojo, una banda de sofisticados ladrones y policías obsesivos, esos sí que no mueven un solo músculo de la cara. Antonio lo entendió enseguida. Su personaje es un psicópata, el psicópata por definición está incapacitado para ponerse en el lugar del otro, por eso es capaz de las mayores atrocidades, porque no tiene conciencia del dolor. No sabe lo que es. Y para expresar esa incapacidad, lo mejor era vaciar el rostro de todo tipo de emoción, por mínima que fuera. Antonio no debía mostrar el menor sentimiento. Hasta que se enamora de Elena. El amor lo humaniza.

Con Jan Cornet, que interpreta el papel de Vicente, utilicé una fotografía muy especial que había aparecido en los periódicos cuando estábamos ensayando. Al personaje de Vicente le ocurre algo terrorífico, que no vamos a desvelar. No conozco a nadie al que le haya ocurrido nada semejante. Por lo que no podía ponerle a Jan un ejemplo real como referencia. Su rostro debía estar invadido por el miedo, un miedo absoluto, consustancial a su piel, algo que se ha instalado en sus ojos desde hacía tiempo. En realidad utilicé como referencia dos fotos; en una se veía una cogida del torero Julio Aparicio; se veía claramente cómo uno de los cuernos le atravesaba la barbilla y le salía por la boca. La otra foto, la que le puse realmente como referencia, estaba tomada dos semanas más tarde. Con esa capacidad sobrehumana de recuperación que solo poseen los deportistas y los toreros, Julio Aparicio salía por su propio pie del hospital. Contento, por supuesto, pero en sus ojos había algo que está más allá del miedo.

En su película hay también algo del Hitchcock de 'Vértigo'...

Si eres director, la influencia de Hitchcock es inevitable. Hitchcock es el gran padre del cine, y Vértigo, una película madre de muchas películas. En toda historia en la que un hombre intente modificar a una mujer, ya está incluida Vértigo. Yo recibo con alegría esa referencia. Para mí, además, la obsesión de James Stewart de darle forma a una nueva Kim Novak representa la obsesión del director con el aspecto de los actores. Nada representa más a un director, al menos a mí, que James Stewart cambiando el color y el peinado de Kim Novak, o acompañándola de tiendas y decidiendo qué tipo de ropa debe llevar. Me veo a mí mismo con Penélope o con Elena Anaya. Respecto a la imagen del director, también me identifico mucho con Luis Aragonés o Pep Guardiola. El lenguaje corporal del entrenador de fútbol cuando está viendo un partido, esa tensión y concentración absoluta es la misma que siento cuando estoy rodando. No soy futbolero, pero cuando veo una foto de ellos me reconozco a mí mismo.

Por cierto, recuerdo el enorme interés que tiene Mortier para que dirija una ópera en el Real. ¿No se lo ha planteado seriamente?

No me siento capacitado, no sé lo suficiente de ópera, no soy lo suficientemente fanático para entrar en la convención. Me preocupa la inmovilidad del espectáculo, la edad y las hechuras de los cantantes. Aunque debo confesar que he visto una ópera de Shostakóvich, The nose (La nariz), en el Metropolitan de Nueva York, la misma producción que ha triunfado, creo, en el pasado Festival de Aviñón, que desdice todo lo que afirmo. Es el espectáculo más dinámico que haya vistojamás sobre un escenario. Algo maravilloso. Está dirigida, y se ha hecho también cargo de la escenografía, por el artista William Kentridge. Si dirijo ópera algún día, sería con la condición de que este hombre se ocupara de los decorados y todo lo que apareciera sobre el escenario. Pero antes creo que debería dirigir teatro. Es algo que todavía tengo pendiente.

Pero no lo hace porque no quiere.

Cada día lo veo más cerca. De todos modos, creo que esta película me ha quitado un lastre. Me siento más ligero, más próximo a emprender nuevos proyectos lejos de Madrid, en otra lengua.

¿En EE UU? ¿Han vuelto a tirarle los tejos?

No, es un proyecto que yo mismo genero.

Usted ya había recibido muchas propuestas de Hollywood...

Sí, pero en esta ocasión, y por primera vez, tengo un proyecto propio, que me gusta mucho y que ya está bastante avanzado, cuya lengua es el inglés. Podría ser el próximo, pero con producción nuestra, quiero decir, europea.

Viena celebrará los 150 años de Klimt

2011-09-04T08:00:00.000-05:00

Notimex | El Universal

El austriaco Gustav Klimt (1862-1918) es considerado uno de los más importantes y originales pintores de su generación, pues supo imprimir la esencia de una época que supuso el despertar del arte moderno, de ahí que Viena se prepare para celebrar en 2012 los 150 años de su natalicio con numerosas actividades y exposiciones.

Según un portal español especializado en arte y cultura, en ninguna parte del mundo fuera de Viena se podrán ver el próximo año obras del autor de 'El beso', un ícono del arte del siglo XIX que se encuentra expuesta en el Belvedere de la capital austriaca.

El año que viene, la capital austriaca dará a conocer la influencia de este artista o de su círculo, el 'modernismo vienés', en el modo de vida, de pensar, de los ciudadanos del lugar, además del por qué del poder atractivo de esta época inalterable.

De hecho, expone el portal 'Hoyesarte.com', algunos recintos ya cuentan con obra de este artista y de sus contemporáneos.

Belvedere, por ejemplo, tiene un total de 22 cuadros de Klimt, lo que lo coloca en el centro con la mayor colección del mundo de este pintor.

Otras de sus obras importantes se exhiben en el Museo Leopold y en el Museo de Viena, el cual posee unos 400 dibujos, La Albertina cuenta con otros 170 dibujos de Gustav Klimt, y el Museo de Artes Aplicadas/Arte Contemporáneo MAK y la Biblioteca Nacional, dan testimonio del trabajo de este pintor, de sus contemporáneos y de su época en general.

Por ello, la capital de Austria será considerada como un epicentro cultural, esto desde 1900 cuando en Viena se dio una concentración de cultura en todos los ámbitos, lo cual abrió horizontes a un ritmo que no se había experimentado.

En este sentido, Klimt aportó originalidad al área de la pintura con sus cuadros ornamentados en oro y con sus retratos femeninos que documentan la burguesía de la época. La obra de este artista muestra el camino que se transitó desde el comienzo de la 'época de la Ringstrasse', hasta los inicios de la abstracción.

Para 1910, esta ciudad ya era la quinta más grande del mundo y el centro cultural principal de Europa Central.

El pintor vienés del siglo XIX, Hans Makart, influyó en el estilo y modo de ver la pintura a Gustav Klimt. Su peculiaridad en este arte lo llevó a decorar algunos edificios de la avenida del Ring junto con su hermano Ernsty Franz Matsch.

Tiempo después fue la originalidad y evolución de Klimt lo que influyó en pintores de nuevas generaciones, jóvenes como Egon Schiele y Oskar Kokoschka.

Este artista con otros de sus colegas, en 1897, fundaron la asociación de artistas 'Sucesión de Viena', en la que protestaban contra una concepción del arte ya superada. Esta sede lució el lema 'A cada tiempo su arte, al arte su libertad'.

Gustav Klimt también influyó en la Wiener Werkstätte, que Hoffmann y Kolo Moser, fundaron en 1903, la cual trascendió en el ámbito del diseño.

Asimismo, la estructura social sufrió cambios del siglo XIX al XX. Esto lo muestran los cuadros pintados en esos tiempos de mujeres burguesas, ya que con el paso de los años estas imágenes empezaron a exponer el avance de una burguesía que iba adquiriendo conciencia propia.

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, en 1914, el modernismo vienés vio su declive y con el fin de la misma se terminó una era, Gustav Klimt, Otto Wagner, Kolo Moser y Egon Schiele murieron el mismo año: 1918.

Así, a 94 de su muerte (6 de febrero de 1918) y 150 de su natalicio (4 de julio de 1962) , se recordará en 2012 a uno de los más importantes pintores modernistas: Gustav Klimt.

Coral Bracho gana el ''Jaime Sabines-Gatien Lapointe''

2011-09-04T07:50:00.001-05:00

NOTIMEX | El Universal

La escritora mexicana Coral Bracho dejó ver su orgullo y satisfacción por obtener hoy el Premio Internacional de Poesía ''Jaime Sabines-Gatien Lapointe'', al expresar que recibe el galardón con el compromiso literario y profesional de ''tratar de escribir cada vez mejor''.

El premio, dotado con 50 mil pesos en efectivo, fue otorgado a esta poeta porque su obra vincula el plano de la metáfora con la transfiguración erótica ''y para ello, se sirve del tránsito y la mezcla de los reinos mineral, vegetal, animal y humano'', de acuerdo con el jurado calificador.

Tras agradecer la distinción, la escritora Coral Bracho subrayó emocionada que recibe este premio ''con la clara conciencia, también, de que la mía es sólo una voz, entre muchas otras, cuya singularidad, diversidad y libertad crean y fomentan la verdadera riqueza de nuestra poesía actual''.

En su discurso de agradecimiento, reconoció que el premio que hoy recibió ''enlaza en la poesía a Quebec y a México por su generosidad'', y se dijo agradecida con el jurado calificador del certamen que este año estuvo integrado por Jean Marc Desgent, Stephane Despatie y Gaston Bellemare.

A sus palabras, abonó que ''lo recibo con muchísima alegría y profundo agradecimiento hacia los miembros del jurado, todos ellos reconocidos poetas y editores, pues este premio reúne los nombres de dos entrañables y fundamentales poetas en nuestros países, Jaime Sabines y Gatien Lapointe''.

Recordó que el Premio de Poesía ''Jaime Sabines-Gatien Lapointe'' ha sido otorgado en años anteriores a excelentes poetas de Quebec y de México. El objetivo del premio es consolidar y enriquecer las relaciones bilaterales entre ambas naciones y tiene varios patrocinadores, dos de ellos destacados.

Ellos son el Seminario de Cultura Mexicana y el Festival Internacional de Poesía ''Trois Rivieres'', quienes otorgan, cada uno, 25 mil pesos para el ganador anual del certamen. Por su parte, el Fondo de Cultura Económica (FCE) editará la obra de Bracho en un disco compacto de su colección 'Entre voces'.

En el acto, celebrado en la librería ''Octavio Paz'' del FCE, se informó que Coral Bracho nació en la Ciudad de México. Es escritora y traductora egresada de Lengua y Literatura Hispánicas en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) , institución donde también es profesora.

La escritora, cuya obra ha sido considerada como ''un claro ejemplo de la poesía neobarroca latinoamericana por el poeta Néstor Perlongher, a través de su Caribe transplatino, obtuvo en 1981 el Premio de Poesía de la Casa de la Cultura de Aguascalientes, por su libro El ser que va a morir.

Bracho también ha publicado Peces de piel fugaz, Tierra de entraña caliente, en colaboración con la pintora Irma Palacios; Jardín del mar, Los amigos primero, junto a Christine McDonnell y Marcelo Uribe; La voluntad del ámbar,Cuarto de hotel y ¿A dónde fue el ciempiés.

Cabe recordar que en un diálogo entre miembros del Seminario de Cultura Mexicana y el director de la editorial quebequense Ecrits des Forges, Gaston Bellemare, en 2003, se creó este premio de poesía para unir a ambas naciones y para ello se invitó al FCE.

De acuerdo con lo establecido desde el origen, el primer premio se entregará a un poeta mexicano, el segundo a un poeta quebequense y así alternadamente. Por México lo han recibido Alí Chumacero, Eduardo Lizalde, Elsa Cross, Juan Bañuelos y ahora tocó el turno a Coral Bracho.

Por 200 años del nacimiento, reimprimen libro de Théophile Gautier

2011-09-04T07:50:00.000-05:00

Notimex/Milenio.

Admirador de la cultura española, del poeta, dramaturgo, novelista, periodista, crítico literario y fotógrafo francés, Théophile Gautier, nacido hace 200 años, el 31 de agosto de 1811, se acaba de reimprimir en España el libro “La maja y el torero”.

En el libro se pueden apreciar descripciones de la vida española como: “Aquel sereno de marcadas facciones, de fisonomía ruda pero bondadosa; aquella muchacha de una blancura de cirio, y cuyas negras cejas hacían resaltar más profundamente aún su mortal palidez; aquel cuerpo inanimado, cuya cabeza descansaba en las rodillas de la joven, ofrecían un grupo capaz de tentar al pincel de Rembrandt”.

Lo mismo que: “Si un pintor hubiese visto pasar por las calles a aquel robusto jinete presionando entre sus piernas a aquel gran caballo negro [...] habría pintado una figura de efecto impresionante. [...] Pero los pintores estaban acostados”.

Pese a ser un ardiente defensor del Romanticismo, la obra de Théopile Gautier tiene referencias del parnasianismo (del que fue fundador), simbolismo y modernismo.

Pierre Jules Théophile Gautier, su nombre completo, nació en la población de Tarbes, situada en el departamento francés de Altos Pirineos (Hautes-Pyrénées), en el suroeste de Francia, aunque en su infancia se trasladó a vivir a París.

En principio quiso ser pintor, pero sus inclinaciones literarias le llevaron a la poesía, y entabló amistad posteriormente con Honore de Balzac y Victor Hugo. Además, en el colegio conoció a Gérard de Nerval, con quien entabló lo que luego sería una larga amistad.

Su poesía empezó a desarrollarse a partir de 1826 y comenzó a publicarla en periódicos como “La Presse”, entre otros. Durante la década de 1830 adoptó las ideas revolucionarias que había en aquellos tiempos y vivió de forma bohemia.

Al final de esta época perteneció al grupo extravagante y excéntrico de artistas de "Le Petit Cénacle", junto con De Nerval, Alejandro Dumas, Petrus Borel, Alphonse Brot, Joseph Bouchardy y Philothée O’Neddy. También recibió la ayuda de Honoré de Balzac, quien le dio trabajo en la “Chronique” de Paris.

Durante toda su vida Gautier viajó por varios lugares del mundo, entre los que destacan España, Italia, Turquía, Egipto y Argelia.

Estos viajes influyeron en sus escritos, como “Constantinopla”, “Viaje a España”, “Tesoros del Arte de Rusia” o “Viaje a Rusia”. Los libros de viaje de Gautier son considerados de los mejores del siglo XIX por su estilo personal y su difusión de cultura de cada lugar.

Cuando visitó España, en 1840, finalizaba la Primera Guerra Carlista y fue elegido para cubrir la contienda como periodista, trabajo que consideró humillante.

En su equipaje portaba un aparato fotográfico (daguerrotipo), con el que pretendía captar imágenes de su viaje. Nada se sabe de los resultados obtenidos, al parecer sus intentos fueron infructuosos

Absorto en su trabajo después de la Revolución de 1848, escribió más de 100 artículos en nueve meses. Su prestigio fue confirmado al ser director de la “Revue de Paris”, en 1851-1856.

Durante este tiempo llegó a ser periodista de “Le moniteur universel” y tuvo gran influencia en la revista “L’Artiste”, y para 1865 fue admitido al prestigioso salón de la princesa Matilde Bonaparte, prima de Napoleón II y nieta de Napoleón Bonaparte.

Pese a que fue rechazado tres veces por la Academia Francesa (1867, 1868, 1869), fue apoyado por el crítico literario más influyente de la época, Charles-Augustin Sainte-Beuve, quien lo consideró el mejor columnista de periódicos.

Gautier perteneció, junto con el poeta Charles Baudelaire y Jacques Joseph Moreau, así como muchos otros literatos e intelectuales de su época, al club dedicado a la experimentación con drogas, principalmente hachís, llamado el Club des Hashischins.

En un artículo publicado en “Revue des Deux Mondes” en 1846, Gautier detalló sus experimentos.

Theophile Gautier murió el 23 de octubre de 1872 y fue enterrado en el Cimetière de Montmartre, en París, Francia.

Fernando Vallejo Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances 2011

2011-09-04T07:49:00.000-05:00

Yanet Aguilar Sosa Enviada | El Universal

GUADALAJARA.— ¿De dónde es Fernando Vallejo? “Pongámoslo mexicano y colombiano porque yo soy de donde nací y de donde me voy a morir”. Ese escritor apasionado de la lengua, amante de los animales, enemigo de los políticos y de la iglesia católica, se convirtió ayer en el nuevo Premio FILde Literatura en Lenguas Romances 2011 por ser “una de las voces más personales, controvertidas y exuberantes de la literatura actual en español”, de acuerdo con el jurado del galardón.

El escritor confirmó ayer mismo a EL UNIVERSAL que los 150 mil dólares que recibirá del premio los entregará inmediatamente a dos asociaciones mexicanas protectoras de animales. Se trata, dijo, de “Amigos de los Animales”, de la ciudad de Xalapa, que está a cargo de la señora Marta Alarcón; y de “Animales Desamparados”, del DF, a cargo de la señora Patricia Rico. “Conozco desde hace tiempo esas asociaciones, colaboro con ellas, las he seguido y está muy bien que se lo entregue a ellas. Son de la gente más generosa, de lo mejor que tiene México”.

En 2003, tras recibir el premio Rómulo Gallegos por su novela El desbarrancadero, el escritor también donó el monto del premio a una asociación defensora de los animales, en Caracas.

Fernando Vallejo conversó vía telefónica con los periodistas desde la ciudad de México, donde vive desde 1971. El también narrador, ensayista y guionista de cine dijo que prefiere a José Alfredo Jiménez y a Chavela Vargas sobre Mozart y cualquier cantante de ópera, exceptuando a María Callas.

Contó que teme dejar huérfana a la perrita que lo acompaña y que recogió en la calle. Fue enfático en que detesta a los políticos porque son “granujas con poder” y sostuvo que “México se está colombianizando o ya se colombianizó y que Colombia ya se mexicanizó”.

El escritor trabaja en la biografía del filólogo colombiano Rufino José Cuervo, de quien este año se conmemora el centenario de su muerte, y, además, ya planea su siguiente libro: “Como ya me siento al final de la vida quiero escribir un libro dejando en claro las conclusiones a las que he llegado”.

Desencanto y denuncia

Jorge Volpi, en representación del jurado, fue el encargado de anunciar el nombre del ganador y señaló queFernando Vallejo había sido designado, por mayoría, ganador del Premio FIL de Literatura porque su escritura gira en torno a un único tema, Colombia, pero en realidad es “una excursión abigarrada y comprometida por los conflictos del ser humano, desde la denuncia al desencanto, pasando por una difícil ternura que a veces es entendida como agresión y disconformidad”.

El jurado, integrado también por Juan Cruz, Cecilia García Huidobro, Julio Ortega, Michael Wood y Calin Mihailescu, le otorgó el premio que será entregado el 26 de noviembre, durante la inauguración de la 25 Feria Internacional del Libro de Guadalajara, que tiene a Alemania como invitado de honor.

Vallejo habló de literatura, de la novela que es el gran género literario desde hace tres siglos, de su afán por escribir biografía, de su pasmo ante el ruido de las ciudades, de lo ruidosa que se ha vuelto la colonia Condesa en la que vive desde que llegó a México, de la desaparición del Estado en Monterrey y Colombia, de los políticos rapaces y de la iglesia, su peor enemiga.

El novelista escribió de violencia y narcotráfico en La virgen de los sicarios, una de sus obras más leídas, llevada al cine bajo la dirección de Barbet Schroeder, pero ese es un tema que, dijo ayer, no volverá a abordar. Cuando escribió esa novela en 1993, entonces la palabra sicario, que viene de la palabra daga, puñal, no se usaba en el idioma pero estaba en el diccionario.

“Aquí en México nadie la conocía, después un buen día empecé a ver que la palabra entraba en los periódicos y de pronto la empecé a ver en las primeras páginas de aquí, de Argentina y de España. ¿Qué quería decir eso?, que estos países se estaban colombianizando; es decir, que si Colombia era la punta del desastre, la Argentina iban siendo todos ellos”, señaló el narrador.

Los caminos de dos países

Enfático, el autor de Desbarrancadero dijo que México está recorriendo el camino del narcotráfico, ese que Colombia recorrió hace 20 años, pero también Colombia está recorriendo un camino que recorrió México hace 50 o 100 y que sigue recorriendo.

“El camino que recorrió el PRI, el de la corrupción política, el de la injusticia y el del cinismo más descarado y más ladrón de la clase dirigente, de la clase política, de estos servidores públicos. ¿Qué quiere decir esto?, que México se está colombianizando o ya se colombianizó y que Colombia ya se mexicanizó. Nos repartimos los males, somos países hermanos”.

Vallejo se dijo testigo de cómo el Estado desaparece en todos lados, desaparece para Monterrey y desaparece para controlar el ruido.

“Yo vi desaparecer el Estado de Colombia primero, desapareció del campo, quedó a merced de la cuadrilla de bandoleros, luego desapareció de las afueras de la ciudad, luego de la ciudad, después todos los negocios tenían que pagar extorsiones, como ahora en negocios del norte de México. Extorsión doble, del gobierno para sostener burócratas impúdicos, más la extorsión de la policía y luego de las mafias del lugar. Es la desaparición del Estado y la entronización de la ley de la jungla. A ver cómo nos defendemos y cómo nos va”.

Al escritor, nacido en Medellín, Colombia en 1942, le interesan varios temas, los ha reflexionado por años y en este momento de su vida dijo estar llegando a conclusiones sobre el idioma. Contó que un buen día se quitó la venda moral que “me habían puesto desde que nací y que me impedía ver, que me la puso mi país, Colombia, y la religión en la que me bautizaron, la católica”.

Así descubrió con claridad que su prójimo también eran los animales y no sólo el hombre; pero sobre todo se dio cuenta que su gran enemiga era la sociedad que no entendía eso, porque la habían educado igual que a él:

“Entonces le declaré la guerra a la religión y escribí un libro que es muy pirateado y de título impronunciable (La puta de Babilonia), para denunciar las infamias, la ceguedad intelectual y moral de esa que se llama religión y que es en realidad una empresa criminal”.

Polémico como siempre, dijo que sus otros enemigos son todos los políticos. “Del Presidente para abajo, los de aquí, los de España, los de Colombia, los de Francia, los de los Estados Unidos, toda esa partida de bribones que se las dan de servidores públicos cuando en realidad son aprovechadores públicos, que se aprovechan del micrófono y del alma de sus países y que no dejan hablar por cuatro o por seis años”.

Pasión por la literatura y la música

Fernando Vallejo, quien ejecuta piezas clásicas en su piano y se le conoce por su gusto por la música clásica, ayer se declaró, sin embargo, fan de la música latinoamericana, que definió como música de fantasmas, que le trae recuerdos, que le llega al alma.

“Me gusta más José Alfredo que Mozart y Chavela Vargas más que cualquier cantante de ópera, quitando a la Callas… a mí la música que más me llega el alma es la música latinoamericana que ya nadie oye, las rancheras, los tangos, las milongas, los boleros, esa es música del pasado, música de fantasmas, eso ya no le interesa a nadie, esa es la música mía, la que me llega al corazón, la oigo muy de vez en cuando y siempre es una experiencia muy profunda, muy intensa, siempre me remite a mi pasado, a mi niñez y a mi juventud, me ayuda como a no desintegrarme, como a seguir sosteniendo el espejismo del yo, de que yo soy el que fui, la música tiene esa virtud”.

Contó que alguien le regaló un iPod suficiente para escuchar música por 40 días, que hizo una selección y la redujo a sólo 24 horas. Incluso, explicó que si pudiera seleccionar sólo fragmentos, la reduciría a cinco horas porque cree que la música clásica es muy fría y que la puede reducir a muy pocos autores y a muy pocas obras.

Definió su literatura como cargada de datos personales, como biografías. “Decidí siempre escribir en primera persona mis novelas, escribí también unas biografías y estoy presente en ellas, escribo biografías noveladas o novelas biográficas, de todas maneras la biografía es un género menor de la literatura”.

Su obra literaria nada tiene que ver con las novelas fáciles que se escriben hoy en día, en tercera persona y con narrador omnisciente. “Nunca quise escribir novelas así, esas son las novelas fáciles y las que tienen las fórmulas que ya conocemos, las formulas choteadas, manidas, los lugares comunes”.

Vallejo planea dos libros pero tiene claro que pasan rápido, que pueden estar una semana, unos meses y se olvidan porque la realidad los deja atrás, ni siquiera su lenguaje es entendible para la gente de hoy. “Ahora se necesita un léxico con sus notas a pie de página para explicar las palabras. El mundo va muy rápido y todo lo deja atrás, libros, películas y granujas con poder”.

Patti Smith y Kronos Quartet ganan Nobel de música

2011-09-04T07:47:00.000-05:00

EFE | El Universal

La cantante de rock Patti Smith y el grupo de música clásica Kronos Quartet, ambos estadounidenses, recibieron el 30 de agosto de 2011, en el Konserthus de Estocolmo el premio Polar, considerado el "Nobel" de la música.

Smith, "una Rimbaud con amplificadores Marshall" , fue galardonada por "dedicar su vida al arte en todas sus formas" , demostrando "cuánto rock and roll hay en la poesía y cuánta poesía hay en el rock and roll" , según el fallo.

El jurado distinguió al Kronos Quartet por haber "revolucionado el potencial del género de cuarteto de cuerdas en cuanto a estilo y contenido" durante cuatro décadas.

Smith agradeció al recibir el premio el apoyo del público por haberle dado "energía y coraje" a lo largo de su carrera y prometió "trabajar aún más duro" a partir de ahora para honrar el premio.

Entre lágrimas, la popular cantante y poetisa tuvo también palabras de agradecimiento para sus músicos, sus hijos y su esposo, el fallecido Fred "Sonic" Smith, guitarrista de la mítica banda de rock de garaje MC5.

El líder del Kronos Quartet, David Harrington, resaltó que al grupo lo guía, desde su formación en 1973, una idea, "encontrar la mejor música y tocarla de la mejor forma posible" , porque la música es "uno de los recursos esenciales del ser humano" .

"La mejor pieza aún no ha sido escrita, la mejor nota aún no ha sido tocada" , dijo Harrington para resumir el lema del cuarteto.

Tanto Smith como el Kronos Qartet recibieron de manos del rey Carlos XVI Gustavo el galardón, dotado con un millón de coronas suecas (110 mil euros o 160 mil dólares).

Smith (Chicago, 1946) comenzó su carrera artística como poeta a comienzos de la década de 1970 y de sus lecturas públicas de poesía surgió un trío con Lenny Kaye y Richard Sohl, con el que tocó de forma regular en Nueva York, incluyendo el legendario Max's Kansas City; y transformó la escena musical de la Gran Manzana.

En esa época lanzó discos clásicos como "Horses" , "Radio Ethiopia" y "Easter" , antes de retirarse en 1979 de la vida pública al casarse con Fred "Sonic" Smith.

Su regreso definitivo a los escenarios llegó en 1995 con "Gone Again" , y desde entonces ha seguido grabando discos y actuando por todo el mundo, compaginando su carrera musical con su faceta como poeta, que ha sido reconocida con varios premios.

Por su parte, el Kronos Quartet tiene sus orígenes en 1973, y desde entonces ha tratado de combinar la exploración musical con el compromiso por expandir el alcance y el contexto de un cuarteto de cuerdas.

Creadores de más de 45 grabaciones, han colaborado con compositores de vanguardia e intérpretes de jazz o de rock como Tom Waits y David Bowie, además de componer piezas para películas.

Patti Smith y Kronos Quartet suceden el palmarés del premio Polar al italiano Ennio Morricone y la islandesa Björk.

El premio Polar fue creado en 1989 por Stig Andersson, editor, compositor y representante del famoso grupo sueco Abba.

Desde que en 1992 empezó a otorgarse, el Polar ha distinguido a intérpretes como B.B. King, Cyorgy Ligeti, Keith Jarrett, Bob Dylan, Ray Charles, Pierre Boulez, Elton John, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Pink Floyd, Dizzy Gillespie, Sony Rollins y Gilberto Gil.

Desconexión entre las manifestaciones culturales y las políticas de Estado en México: Canclini

2011-09-04T07:44:00.000-05:00

Juan Carlos Talavera/ La crónica de hoy

Existe una desconexión entre las manifestaciones culturales y artísticas y las políticas de Estado en México, aseguró el antropólogo Néstor García Canclini, quien agregó que esto ha provocado que en las últimas dos décadas se haya propiciado una separación visible entre el desarrollo artístico y cultural y políticas gubernamentales.

Explicó que durante el presente sexenio y, ahora con Consuelo Sáizar a la cabeza de Conaculta, persiste esa falta de conexión ya que no hay un planteamiento de los objetivos de la acción cultural del estado y sus políticas culturales. “Seguimos teniendo una política cultural centrada en las instituciones históricas, en museos y sitios arqueológicos, con un programa de apoyos a artistas y escritores, sin encarar la transformación estructural que ocurre en el desarrollo de la cultura”, dijo.

¿Cómo reaccionan las instituciones ante estos desfases?, se preguntó García Canclini. “Reduciendo el presupuesto para las actividades culturales y artísticas, creando grandes eventos nacionales e internacionales como festivales y simposios lujosos que no dejan efectos durables –aunque algunos pueden ser valiosos–, y retirando dinero en la ciudad de México y provincia, donde se ha desalentado el servicio cultural”.

En su participación en el debate Del liberalismo al neoliberalismo. Tránsitos peliagudos en el escenario artístico, político y social en México, en el auditorio del Museo de Arte Contemporáneo (Muac), destacó que las autoridades culturales de México están ausentes en las reuniones internacionales donde se toman decisiones sobre digitalización de contenidos culturales, las nuevas formas de legislación y gestión de la propiedad intelectual.

El debate forma parte de las actividades complementarias de la exposición Antes de la resaca. Una fracción de los noventa en la colección del MUAC.

ESQUIZOIDES. Durante su participación, García Canclini dijo que desde el sexenio pasado existe “un fenómeno un poco extraño y un tanto esquizoide en la conducción cultural: como nunca antes se hizo una cantidad importante de estudios y encuestas que están publicados”.

“También se hicieron reuniones internacionales con directivos de los ministerios de cultura de Canadá, Francia, España, pero desde la presidencia de Conaculta no se modificó ningún plan ni se crearon nuevos programas para atender esas nuevas líneas internacionales que estaban siendo recogidas, ni se resolvieron las deficiencias y necesidades que hacían visibles esos diagnósticos y estudios; tampoco se replantearon programas de formación de artistas”.

Sin embargo, destacó que en este momento es significativo que junto con las altas esferas de la actividad cultural, esa burocratización, existe en la ciudad de México una gestión de los museos y de centros culturales muy dinámica, renovada, aunque es insuficiente.

El mapa del deseo

2011-08-14T10:04:00.003-05:00

GUILLERMO ABRIL/ EL PAÍS SEMANAL/ ELPAÍS.COM

De los pies a la boca. Un viaje por los puntos calientes de nuestra anatomía. Un recorrido erótico por las zonas que disparan el misterioso interruptor del cerebro.

Hace un par de veranos llegó una respuesta al correo de la sección de sexo de esta revista. Decía: "En verano me gusta sentarme en el chiringuito y ver pasar pies desnudos porque algunos hombres se ponen muy atractivos en la zona inferior de su fisonomía. Veo caminar robustas pantorrillas bronceadas, firmes tobillos, potentes empeines. A veces esos veraneantes tienen la coquetería de hidratar la piel de sus plantas, limar sus uñas y adornarse con sandalias bonitas. Qué guapos". El verano y el descubrimiento. La escribía Susana Moo, seudónimo de una escritora gallega de literatura erótica, cuyo universo gira en torno a los pies. Los ajenos y los propios. En su identidad digital, Moo no es su rostro, sino el final de sus piernas. Ella en sandalias. Ella descalza. Ella con las uñas recién pintadas. Genera fervor en la red. "El fetichismo de pies levanta pasiones", dice. Hombres de medio mundo contactan con ella a través del blog o de su página de Facebook. "Es un misterio. Pero en esto coinciden muchas culturas desde la antigüedad". De la punta de los pies al último cabello, por qué nos atrae lo que nos atrae es un agujero negro del cerebro. "El gran problema de la neurociencia", según el doctor Barry R. Komisaruk, psicólogo de la Universidad de Rutgers (Nueva Jersey, Estados Unidos) e investigador veterano sobre el despertar de la libido. Puede ocurrir con la observación de un empeine desde el chiringuito o con un fotograma infinitesimal de la vulva de Sharon Stone: "Bajo situaciones de deseo sexual, se activa la parte frontal del cerebro. Es una respuesta a la segregación de dopamina, un neurotransmisor que se genera en el bulbo raquídeo", explica el doctor Komisaruk. Más sencillo: "Sabemos que el sistema de la dopamina se activa con el deseo sexual. Es una forma de recompensa. Pero ¿por qué las neuronas nos hacen sentir atracción hacia determinadas cosas? Eso es aún un enigma".

El mapa del deseo. Si hubiera que trazarlo, saldría uno para cada individuo. "Da igual cada microgramo de piel que a uno le atraiga. Todo ha sido objeto de deseo en alguna cultura. Entre los japoneses, la nuca desnuda era terriblemente erótica, mucho más que los senos", dice el poeta y novelista Gregorio Morales Villena, referencia en los círculos de escritura erótica. El doctor Janiko R. Georgiadis, del departamento de neurociencia de la Universidad holandesa de Groningen, maneja sus hipótesis: "Algunas partes del cuerpo nos resultan biológicamente llamativas porque muestran capacidad reproductiva". Y traza ejemplos: el pecho, la ratio entre la cintura y la cadera, los rasgos faciales. Por supuesto, añade, el aprendizaje juega sus cartas: "Existe una evolución de las preferencias a lo largo de la vida. Las personas aprenden a admirar otros rasgos en el camino, incluyendo información no relacionada con el cuerpo, como la personalidad". Lo decía en la película Martín Hache(1997) el personaje interpretado por Eusebio Poncela: "Yo me follo las mentes". "El córtex cerebral, la parte más nueva y más desarrollada del cerebro humano, desempeña un papel crítico en la percepción de la excitación y el deseo", apunta el doctor Georgiadis. Allí se localizan también la imaginación, la decisión, el juicio. Pero cuando se nos cruza una imagen sexual perdemos el foco.

"Las regiones cerebrales que controlan la atención se activan. Nos volvemos prácticamente incapaces de no mirar", dice el doctor Martin Walter, del laboratorio de afectividad y neuroimagen clínica de la Universidad de Magdeburgo (Alemania). "La percepción de la excitación ha de generar una reacción emocional fuerte. Se activa el sistema de recompensa, y este nos pide que sigamos consumiendo o persigamos el objeto de deseo". La segregación de dopamina, añade, suele estar relacionada con el grado de novedad. "Normalmente nunca se muestran las partes más íntimas del cuerpo. Por eso mantienen un alto nivel de interés", según el doctor Walter. Y por eso, quizá, en esta etapa de destape general, la novedad se encuentre "en los territorios pequeños", según la sexóloga Natalia Rubio. Un piercing o un tatuaje en torno a lo ya visto. Son "detalles dentro de la zona", dice Rubio. Están de moda, añade, lo anal y lo genital, pero embellecido. O quizá siempre lo estuvieron. ¿Biología o cultura? A continuación les presentamos un mapa del deseo sin ánimo exhaustivo y sin orden de prelación. Es solo una sugerencia. Un recorrido erótico por aquellos lugares del cuerpo que desvían la atención y aprietan ese misterioso interruptor del cerebro.

1. EL CULO

O, lo que es lo mismo, "esa enorme luz roja", en palabras de Dian Hanson, la prestigiosa editora de volúmenes subidos de tono de Taschen, curtida en mil y una revistas pornográficas de los años setenta y ochenta. "Los traseros femeninos atraen porque históricamente las relaciones sexuales se mantenían por detrás". Como un faro en la niebla. Y un barco llegando a puerto. Según el Diccionario del sexo y el erotismo, de Félix Rodríguez, recién editado por Alianza, "a lo largo de la historia ha habido un culto al culo musculoso, especialmente de la mujer. Fue particularmente valorado en la edad de piedra, en la Edad Media y en los siglos XVI-XIX. En el siglo XX cabe destacar la década de los cuarenta, en que triunfó la cintura de avispa con caderas prominentes, y la década de los ochenta, en que tuvo su auge el body-building dándose valor a las nalgas redondas, firmes y sin grasas". El volumen enciclopédico le añade números a la pasión trasera. Al parecer, según una encuesta realizada por la revista Quo en 1999, se trata de la zona masculina que más excita a las mujeres. Erika Lust, una aclamada directora y guionista de cine X diferente y autora del libro Porno para mujeres, dice que es una de las partes del cuerpo masculino en la que más se recrea cuando se encuentra detrás de la cámara. "Las mujeres quieren ver ese culo fuerte trabajando, arriba y abajo". Es, según ella, una de las grandes diferencias con la pornografía heterosexual tradicional, falocrática y sentimentalmente rudimentaria. "Nunca muestra la espalda de los hombres ni sus brazos, ni cómo rodean con ellos a la mujer".

2. LOS PIES

Cuenta una antigua teleoperadora erótica que lo que más excitaba a sus clientes, al otro lado de la línea, era que les hablara de sus pies y de lo que les iba a hacer con ellos. Otra colega de profesión, esta especializada en dominación y humillación por vía telefónica, solía recorrer su casa en tacones mientras hablaba con sus sumisos. Les volvía locos, según contaba, oír ese toc, toc, toc de fondo, repicando contra el suelo. Uno le llegó a regalar un par de sandalias de fiesta. Y le reclamó que se las pusiera de vez en cuando para que dejara su impronta en ellos antes de devolvérselos. La podofilia es mucho más común de lo que se piensa. Alrededor de un 5% de los hombres se sienten fuertemente atraídos por los pies femeninos. O eso cuenta Dian Hanson. "Créeme, tengo experiencia en esto. Trabajé varios años en una revista para fetichistas", explica. "Algunos suelen decir: 'Oh, me encanta su forma'. Otros: 'Es porque está escondido tras el zapato'. Pero si son honestos, todos deberían reconocer que lo que realmente les atrae es el olor. Es cierto. El pie desprende feromonas. Igual que los sobacos, los alrededores del pezón y las áreas genitales. Nos conecta con la sexualidad. No hay nada de lo que avergonzarse". Hanson añade al respecto que esta pasión podal resulta infrecuente entre mujeres. Pero ahí está el caso de Susana Moo, amante del descubrimiento veraniego de los empeines potentes y las plantas bien cuidadas. Del culto erótico al pie, ilustra el escritor Gregorio Morales, hay constancia en la China de hace 10 siglos, bajo el reinado de Li Yü. Su mujer, Yao-niang, dio origen a la práctica de vendarlos para mantenerlos secretos y diminutos. En 1912, añade el autor, se prohibió esta costumbre. Lo cuenta en un texto reciente en el que explica la fiebre española por el pie durante los siglos XVI y XVII. "Francisco Pacheco, pintor y suegro de Velázquez, exigía que jamás aparecieran desnudos en los cuadros los pies de la Virgen. Ni los senos ni el sexo eran tan importantes". Y añade un episodio del Quijote en el que el cura y el barbero observan a una muchacha, Dorotea, lavarse los pies desnudos en un arroyo: "Es un pasaje fuertemente erótico, y así fue leído por sus contemporáneos".

3. EL PENE

Dice Dian Hanson que todos nos sentimos atraídos, en general, por "las cosas que salen hacia fuera". Pero el culto al pene ha tenido sus fases. Y no siempre crecientes. En la antigua Grecia, los actores de teatro solían colocarse un enorme falo para que el público distinguiera a los personajes masculinos. La misma palabra fascinación, por ejemplo, tiene su origen en un amuleto con forma de órgano masculino que los romanos solían guardar para espantar el mal de ojo. Y también en Roma, durante las fiestas en honor al dios Baco, los ciudadanos solían sacar enormes penes en procesión. Esta costumbre existe hoy a varios miles de kilómetros de distancia, en Kawasaki (Japón). Lo llaman el Kanamara Matsuri o festival del pene de metal, durante el cual exhiben un gigantesco órgano por las calles de la ciudad. La tradición se remonta, al parecer, a una epidemia de sífilis ocurrida hace 300 años. Pero entre tanto, salvando la constante adoración hindú al dios Shiva, representado por un miembro redondeado, el pene se ha visto abocado a la pudicia. La cineasta Erika Lust, doctorada en sociología y feminismo, dice que echa en falta más arte que se recree en ciertos aspectos del cuerpo masculino: "El 85% de las pinturas de desnudos colgadas en las paredes de los museos corresponden al cuerpo femenino". El falo ha pasado siglos oculto. Es tabú y no lo es. En el cine comercial es raro ver un desnudo integral masculino. No es frecuente tampoco que los quioscos vendan revistas para mujeres con enormes falos en la portada. Sin embargo, de los cuatro libros de Taschen dedicados a las partes más eróticas del cuerpo (el culo, el pecho, las piernas y el pene), este último ha sido el más vendido de la colección. Cuenta su editora que solía ver en las librerías a las parejas acercarse y observar el tamaño de los penes inmortalizados en las fotografías. Se reían y cuchicheaban. Pero la mujer se iba y el hombre permanecía atónito, pasando páginas. "Él se siente aún más fascinado que la mujer por el pene. Desde la cuna. Le preocupa el tamaño, si sube o si baja, si se mantiene arriba lo suficiente...".

4. EL PECHO

Desde los enormes senos de la Venus de Willendorf y otros exvotos similares de la edad de piedra, el ser humano ha ligado la fertilidad femenina a estas protuberancias y a su tamaño, como una muestra de "la capacidad reproductiva" de la que hablaba el doctor Janiko Georgiadis. "Su tamaño nos habla de la habilidad para amamantar. Es algo instintivo", comenta Dian Hanson. Según otra encuesta de la revista Quo del año 2000, es la parte femenina más deseada por los hombres. El volumen del pecho es quizá una de las mayores preocupaciones estéticas de las mujeres. De hecho, el refranero español siempre anduvo sobrado de referencias al tamaño y al poder de convicción irracional del pecho femenino. Y su evocación suele asociarse a cuestiones eminentemente positivas; según el Diccionario del sexo y el erotismo, por ejemplo, la palabra teta tiene un uso coloquial y figurado: "Referido a algo muy bueno". Sin tanta fuerza, ocurre también en los hombres: el pecho es una de las zonas masculinas más deseadas. Los gimnasios de musculación prometen pectorales fuertes. Y la depilación se encuentra a la orden del día, aunque también existen adoradores del pecho velludo.

5. LAS PIERNAS

Es quizá el atributo más dependiente de la ropa externa. Su veneración a lo largo de la historia ha estado directamente relacionada con el largo de la prenda que las cubría. Y, por extensión, por su grado de novedad. "Cuando tras la I Guerra Mundial la falda comenzó a subir, el erotismo del pie se trasladó a la pierna", según un sugerente texto del escritor Gregorio Morales titulado Mi fetichismo de pies tiene historia. "Se erotizaron porque se fueron cubriendo", añade Dian Hanson. Durante la edad moderna, por ejemplo, se volvieron infranqueables cuando se extendió el uso de las calzas bajo la falda, ya de por sí larga. "Ver un piquito entonces resultaba muy excitante". El camino oculto a los genitales. Llegó el cancán. La invención de las medias de nailon. Se rebajó el largo de las faldas. Siguiendo la estela estadounidense, cuando en 1968 se legalizó en este país la imaginería de la vulva y comenzó el desembarco de la minifalda, la pierna femenina perdió cierto interés. El culto a las piernas masculinas no ha causado nunca tanto fervor, aunque son una de las partes más apreciadas del cuerpo de los hombres. David Beckham llegó a asegurarse las suyas por cerca de 30 millones de euros.

6. LA VULVA

O, por decirlo mejor, en palabras de Dian Hanson, "el punto en torno al cual gira todo, el que despierta mayor fascinación. El centro biológico e histórico. Todo ha consistido siempre en introducir el pene dentro de la vagina". No impresiona estéticamente, cierto. Pero también desde las Venus paleolíticas, su representación ha ido ligada al tamaño (la de Willendorf posee unos labios mayores de gran envergadura). Hablar de la vulva es hablar de su decoración. Se trata de uno de esos "territorios pequeños" que mencionaba la sexóloga Natalia Rubio, a pulir con tatuajes o piercings. Y casi todo, en estos días, gira en torno a su depilación y al tipo de afeitado. Hay referencias del rasurado completo en la mayoría de civilizaciones antiguas, de la egipcia a la griega. Las ladillas tuvieron mucho que ver. "En la actualidad, a los hombres de 40 o 50 años les gusta el pelo. Ese era su objetivo adolescente, colarse bajo la falda y tocar pelo. Les pone ver un poquito asomando desde la ropa interior", explica Dian Hanson. El gran cambio se produjo en los noventa, durante la generación pos-sida, con el auge del porno y el miedo extendido a las enfermedades de transmisión sexual. Hanson explica que la mayoría de mujeres rasuradas suelen decir que sin pelo se sienten "más limpias". Aunque también se está produciendo un movimiento de vuelta al vello púbico; hombres y mujeres que sienten aversión hacia el "sexo de plástico", y que demandan "más pelo, más humedad y que las relaciones tengan ese toque animal y primitivo". Sabe de lo que habla. Su próximo volumen con Taschen tendrá por objeto la vulva. Se la juega: todas las fotografías van con pelo.

7. LA BOCA

Si hacemos caso a la película de Woody Allen Todo lo que usted siempre quiso saber sobre sexo y nunca se atrevió a preguntar (1972), el erotismo más palpable comienza en la boca. A partir del contacto entre labios se ponen en marcha los mecanismos internos de la sexualidad. El interruptor hace clic. Se anuncia que la cosa puede ir a más. Y entonces toca llamar a filas a un Woody Allen vestido de espermatozoide. "El placer es la forma que tiene la naturaleza de decirnos que hagamos cosas que son buenas para la supervivencia", dice el doctor Janiko Georgiadis. "El sexo ha de ser especialmente satisfactorio, para que las personas incluso lleguen a cruzar el umbral de introducir un órgano dentro del otro e intercambiar fluidos corporales". Sirvan la lengua y la saliva de metáfora. Si no nos gustaran las bocas, no estaríamos aquí. Dalí transformó los labios pintados de Marilyn Monroe en el sofá que preside la entrada del teatro-museo de Figueres. Y ahí queda para la posteridad el gesto reiterado de Jean Paul Belmondo en Al final de la escapada (1960) pasando una vez tras otra el dedo gordo por su labio grueso.

8. EL VIENTRE

Considerado la antesala de los órganos genitales, desde el origen de los tiempos ha estado vinculado a la sexualidad. De la danza oriental, por ejemplo, hay evidencias en el imperio egipcio. Los griegos custodiaron durante siglos una piedra con forma de ombligo invertido en el templo de Apolo a la que consideraron el centro del mundo. Para ellos, el ombligo también era el centro del cuerpo. La evolución estética del vientre ha pasado por diferentes volúmenes y tersuras. Las Venus paleolíticas solían presentar un aspecto desmesurado. Hoy vivimos tiempos sin grasa en los que los abdómenes rígidos de Shakira y José María Aznar, por ejemplo, compiten por las portadas.

Borges en el corazón

2011-08-14T07:53:00.001-05:00

GAY TALESE/El país

Lo que sigue es la reproducción del relato que escribí de mi única entrevista con Borges, que tenía entonces 62 años (y su madre, de 85), que llevamos a cabo en un hotel de Nueva York (creo que era el Algonquin, en la Calle 44 Oeste) y se publicó en The New York Times el 31 de enero de 1962. En aquella época, yo tenía 30 años y era redactor delTimes; aquel día mi redactor jefe me ordenó que fuera a entrevistar a Borges, cuya obra conocía por supuesto; me sentí ligeramente nervioso ante la perspectiva de conocer a la gran figura literaria en persona.

Nos encontramos en el vestíbulo del hotel, a la hora acordada, y, aunque yo sabía que era ciego, lo primero que me impresionó fue su aparente estado de alerta, la impresión que daba de enterarse de todo, sentado muy recto en una silla tapizada de respaldo alto, desde donde parecía observar las idas y venidas de docenas de huéspedes que recorrían el ruidoso vestíbulo. Junto a él se sentaba su madre, que, a pesar de tener 85 años, no aparentaba más de 60 y que, podría añadir, era de una belleza asombrosa para tener cualquier edad. Pensé que no podía haber sido más bella ni cuando tenía 25 años; porque, a los 85, irradiaba una vitalidad y una energía intemporales, y la suave piel de su rostro era la de una mujer bien conservada que (no me cabía la menor duda) debía de dedicarse a diario a mantener su atractivo; seguro que pasaba horas delante de un espejo con el fin de satisfacer su deseo de representar la perfección para todas las personas con las que se encontrase. Durante la entrevista que hice a su hijo, no pude evitar mirarla mientras nos escuchaba y, a veces, introducía alguna palabra para subrayar lo que estaba diciendo él.

La entrevista no duró más de media hora; he aquí, reproducido, el artículo que escribí en aquella memorable ocasión, en 1962, cuando conocí a Borges y a su inolvidable madre.

Como su padre y su abuelo, su bisabuelo y su tatarabuelo, Jorge Luis Borges se ha quedado poco a poco ciego. Pero hasta la ceguera, dice, tiene ventajas.

"Antes, el mundo exterior interfería demasiado", me decía este intelectual argentino de 62 años ayer en Nueva York. "Ahora, todo el mundo está en mi interior. Y veo mejor, porque puedo ver todas las cosas que sueño. Fue una ceguera gradual, nada trágica", continuó. "Si uno se queda ciego de pronto, el mundo se le hace añicos. Pero si primero pasa por un crepúsculo, el tiempo fluye de manera diferente. No es preciso hacer nada. Uno puede quedarse sentado. Las personas ciegas tienen mucha dulzura. Las sordas, en cambio, no. Las personas sordas son muy impacientes. A veces, la gente se ríe de los sordos. Nadie se ríe de un ciego".

"El jueves", dijo el doctor Borges, "doy una conferencia en... ¿En? ¿Cómo se llama ese sitio?".

"Yale", dijo su madre.

"Eso es, Yale", siguió él. "Voy a hablar sobre William Henry Hudson, un escritor inglés nacido en Argentina. Y el 6 de febrero, estaré en Harvard. El 12 de febrero, en la Universidad de Columbia. Y el 14 de febrero, en Princeton. Hablaré de clásicos argentinos como el magnífico poema Martín Fierro, que trata de un gaucho y fue escrito en 1872 por Hernández. El gaucho es un personaje realista pero poco romántico; también presentaré al otro gran poeta argentino, Lugones, que tradujo a Homero al español".

Durante toda su gira de conferencias, el doctor Borges contará con la ayuda de una memoria extraordinaria, casi absoluta -otra consecuencia de la ceguera-, y de su madre, que, a sus 85 años, parece tan dinámica y se conserva tan bien como una de esas atractivas mujeres de 60 años dadas al narcisismo, algo que no parece ser el caso de la señora Borges. La madre de Borges, como su hijo, pasó la mayor parte de sus años prerrevolucionarios en Buenos Aires luchando contra Juan Perón, y en una ocasión pasó una semana en la cárcel por participar en una manifestación contra él.

"Los escritores sufrieron mucho con el dictador", asegura el doctor Borges, aunque igual de mala era la situación en Argentina hace 30 años, "cuando nos leíamos las obras y nos lavábamos la ropa unos a otros". Pero hoy los escritores han progresado, y en especial él. Es autor de 30 libros de ensayo, poesía y relato, y su primera recopilación traducida al inglés saldrá publicada esta primavera en New Directions, bajo el título Labyrinth.

"No creo que Perón supiera que había literatura en su país", opina el doctor Borges. "Nos puso todos los obstáculos posibles, pero lo que más le importaba, en realidad, era agitar a todo el mundo en contra de Estados Unidos y mandar a la gente a la cárcel".

Aunque el doctor Borges no puede adivinar las consecuencias a largo plazo de la última reunión de la Organización de Estados Americanos en Punta del Este, Uruguay, dice que, "por desgracia", Fidel Castro parece afianzado, y "los comunistas son muy listos".

"Los estadounidenses son siempre unos incomprendidos", añade. "Si dan dinero, la gente piensa que es un soborno. Si no lo dan...", reflexiona, "quizá sea mejor".

La madre del doctor Borges miró su reloj y le recordó que tenían una cita en otro lugar unos minutos después. Me puse de pie, les di la mano a los dos y les agradecí que me hubieran dedicado su tiempo. Volví corriendo al edificio de The New York Times, que estaba a solo dos manzanas, con la esperanza de escribir algo que hiciera justicia al rato que había pasado con aquel extraordinario hombre de letras y su madre. También pensé en lo que había dicho sobre las personas ciegas, sobre todo esta frase inolvidable: "Ahora, todo el mundo está en mi interior... Y veo mejor, porque puedo ver todas las cosas que sueño".

Traducción de María Luisa Rodríguez Tapia. Gay Talese (Ocean City, Nueva Jersey, 1932) ha publicado recientemente en España Honrarás a tu padre (traducción de Patricia Torres Londoño. Alfaguara. Madrid, 2011. 640 páginas. 21.50 euros) y el año pasado Retratos y encuentros(Alfaguara) y La mujer de tu prójimo (Debate).

Lucian Freud: El pintor de la carne

2011-08-14T07:53:00.000-05:00

Oscar Guisoni/ Especial para Milenio Semanal /

Falleció uno de los artistas plásticos más significativos de la segunda mitad del siglo XX. Alguna vez confesó que la pintura ejercía sobre él “un idéntico efecto que la carne”.

Dejó impresa en las retinas del siglo XX una obra perturbadora e intensa que lo llevó a convertirse en uno de los pintores más célebres en vida, uno de los pocos capaces de hacer saltar las cotizaciones de las subastas más exclusivas cada vez que uno de sus lienzos hacía su aparición espectacular en el mercado del arte. Provocador y libertino, bohemio, misántropo y melancólico, fue famoso por su mal genio juvenil y por su aire encantador y enigmático cuando la edad comenzó a hacer estragos en su cuerpo. Pero Lucian Freud no llegó a la cumbre por ser el nieto de Sigmund, ni por sus excesos y excentricidades, sino por haber interpretado como nadie el fragor de los cuerpos desnudos a contrapelo de las tendencias más abstractas que marcaron su época. El pasado 20 de julio, a los 88 años, murió en el Soho de Londres, el barrio que fue su búnker durante la mayor parte de su vida. Quedan sus retratos de personajes tan disímiles como la reina Isabel II de Inglaterra o la modelo Kate Moss, sus muchas mujeres y sus más de 20 hijos, fruto de una vida de leyenda que no distingue bien la frontera entre el mito y la realidad.

MI FAMILIA, LOS FREUD

Lucian nació en Berlín el ocho de diciembre de 1922, cuando su abuelo Sigmund se encontraba en la cúspide de su carrera. Hijo de Ernst, el menor de los Freud, tenía apenas 11 años en 1933 cuando su familia, de origen judío, se vio obligada a dejar Alemania ante la llegada de Hitler al poder. Se trasladaron a Londres, país que acogió a Lucian hasta el punto de hacerlo ciudadano en 1939.

Poco afecto a la disciplina de las escuelas, después de una corta temporada en la East Anglian School of Painting terminó por enlistarse en 1941, en pleno conflicto mundial, en la Marina. Llegó a realizar un solo viaje al Mar del Norte antes de arrojar la toalla: no le hizo huir el enemigo sino sus propios compañeros, lo que anticipaba una personalidad difícil. Al concluir la guerra, en 1947 pasó seis meses en París y conoció a quien habría de ser uno de sus inseparables amigos: el pintor Francis Bacon, cuya deriva estética compartiría.

Seducido por el surrealismo, conoció en la posguerra a Pablo Picasso, con quien llegó a realizar breves trabajos conjuntos. De esos primeros tiempos se recuerdan retratos donde se superponen personas y plantas de un modo casi imposible, lo que desafía toda interpretación académica. El más célebre de los cuadros de esa época es, sin duda,Bananas, de 1953, donde muestra los frutos de un jardín bautizado “Goldeneye”, propiedad del ex agente secreto inglés Ian Fleming, quien, mientras alojaba a Freud, escribía su primera novela, Casino Royale, inicio de la saga de James Bond. Freud y Fleming se detestaban, pero convivieron bajo el mismo techo gracias a la amistad y cercanía que Lucian tenía con Ann, la esposa del ex espía.

Se resistió a leer a su abuelo hasta la muerte. Lucian recordaba a Sigmund como “un señor comprensivo y muy divertido”, y no quería verse influido por sus escritos, mofándose de los críticos que emparentaban su obra con la del autor de La interpretación de los sueños. Sólo reconoció haber leído una vez Manía y humor, con la esperanza de reencontrarse con los viejos chistes que contaba el abuelo.
EN CARNE Y TELA

“Quiero que mi pintura funcione como carne. Para mí, la pintura es la persona, que ejerce sobre mí mismo un idéntico efecto que la carne”, explicó años después cuando le preguntaron sobre su abandono del surrealismo por el realismo expresionista. Casado en 1948 con Kathleen Garman Epstein, a quien pintó como habría de pintar a todas sus mujeres, tuvo con ella dos hijas a las que también pintó, para escándalo de los puritanos ingleses, desnudas, cuando ya eran algo más que señoritas, “con voluptuoso amor-odio de padre” —en palabras del escritor argentino Rodrigo Fresán. Pero Kathleen fue la primera de una larga lista, ya que la pasión de Freud por las mujeres era tan fuerte como la que sentía por la pintura y, tal vez, por las carreras de caballos, una afición que, según la leyenda, llegó a costarle hasta un millón de libras esterlinas en una sola tarde.

Tal vez porque se sentía un solitario en un mundo al que se esforzaba por penetrar con su mirada —la primera palabra que pronunció en su vida, según contó, había sido “solo”—, nunca pudo mantener relaciones demasiado estables. Sus divorcios y aventuras con mujeres cuya edad disminuía a medida que aumentaba la suya propia le dejaron casi 30 hijos, muchos no reconocidos y algunos a los que apenas llegó a conocer.

Su mal carácter era antológico, aunque sus amigos dicen que con la edad se le fue dulcificando hasta transformarlo en un anciano apacible; quedan para la leyenda sus malos momentos con la prensa, a la que concedió muy pocas entrevistas, o su agria disputa con la familia cuando quiso pintar a su posesiva madre, Lucie Brasch, un día después de su muerte.

Las modelos que pasaron por su estudio también lo recuerdan agrio. Su manía por captar la perfección de la piel lo llevaba a someterlas a extenuantes sesiones de horas diarias; en un caso, mientras pintaba una de sus obras cumbres, La familia Pearce, tardó tanto que al final tuvo que corregir las posiciones de sus modelos para hacer sitio a un niño que había nacido durante el proceso.

Su técnica desafiaba todo análisis. Adicto a los pinceles de pelo de marta o de cerda, que le permitían regodearse en los detalles más nimios y elaborar a la vez sugerentes trazos gruesos, sus telas hacían gala al final de un grosor considerable, lo que contribuía aún más a darles carnalidad. “Si un pintor tomó realmente de su modelo todo lo que tenía que tomar, ninguna persona puede ser retratada dos veces”, escribió cuando ya estaba en la cúspide de su fama. Defensor a ultranza de la realidad cruda, definía su trabajo como “puramente autobiográfico. Es sobre mí y mi entorno. Sobre mi esperanza, mi memoria, mi sensualidad y mi compromiso. Trabajo con gente que me interesa y que me importa, en habitaciones que conozco (...). Nunca pondría en un cuadro algo que no estuvo frente a mí. Eso sería una mentira sin sentido, un mero truco de destreza, puro artificio”.

LA CONSAGRACIÓN

Es difícil encontrar en la historia de la pintura contemporánea un ascenso tan perfecto a las cumbres como el suyo. Su reconocimiento internacional comenzó en la Bienal de Venecia de 1954, cuando el Reino Unido presentó a tres jóvenes artistas destinados a sacudir el paisaje de la pintura de la segunda mitad del siglo XX: dos de ellos venían precedidos de cierta fama —Francis Bacon y Ben Nicholson—; el restante era Lucian Freud.

En los años ochenta le llegó la consagración definitiva. Una retrospectiva suya cuidadosamente preparada recorrió Washington, París, Londres y Berlín, ayudando a transformarlo en el pintor vivo mejor pagado del mundo: el récord lo alcanzó en 2008, cuando Supervisora de ganancias durmiendo fue adquirida en una subasta de la casa Christie´s de Nueva York por el empresario ruso Román Abramovich por 33.6 millones de dólares. Junto con la fama llegaron los retratos a personajes célebres, algunos de los cuales levantaron ampollas en la opinión pública inglesa; el mayor escándalo lo protagonizó el minúsculo retrato de la reina Isabel II, tan pequeño que tuvo que agrandarlo dos centímetros para que cupiera la corona, necesitando muchos años de trabajo y largas sesiones de pose. A la Reina le gustó tanto que lo compró para que formara parte de su colección privada, y los críticos vieron en el atormentado rostro de la soberana los rastros que habían dejado la muerte de Lady Di y los múltiples disgustos que le habían propinado con el correr de los años sus herederos.

Lucian también retrató a la modelo Kate Moss embarazada, una obra por la que se llegó a pagar casi 10 millones de dólares, y El brigadier, retrato del general Andrew Parker Bowles, el padre de Camila, la segunda mujer del príncipe Carlos, está considerado una de sus obras maestras.

Cuando en 1988 dejó que la periodista de la BBC, Jake Auerdack, se metiera en su intimidad para realizar uno de los retratos más emotivos del artista, Freud miró a los espectadores a través de la cámara documental y exclamó: “Trato de pensar lo menos posible en las personas que miran mis cuadros. Me basta y sobra con que mis cuadros las miren a ellas”.

Más información, menos conocimiento

2011-08-14T07:52:00.002-05:00

MARIO VARGAS LLOSA/ El país.com

Nicholas Carr estudió Literatura en Dartmouth College y en la Universidad de Harvard y todo indica que fue en su juventud un voraz lector de buenos libros. Luego, como le ocurrió a toda su generación, descubrió el ordenador, el Internet, los prodigios de la gran revolución informática de nuestro tiempo, y no sólo dedicó buena parte de su vida a valerse de todos los servicios online y a navegar mañana y tarde por la Red; además, se hizo un profesional y un experto en las nuevas tecnologías de la comunicación sobre las que ha escrito extensamente en prestigiosas publicaciones de Estados Unidos e Inglaterra.

Un buen día descubrió que había dejado de ser unbuen lector, y, casi casi, un lector. Su concentración se disipaba luego de una o dos páginas de un libro, y, sobre todo si aquello que leía era complejo y demandaba mucha atención y reflexión, surgía en su mente algo así como un recóndito rechazo a continuar con aquel empeño intelectual. Así lo cuenta: "Pierdo el sosiego y el hilo, empiezo a pensar qué otra cosa hacer. Me siento como si estuviese siempre arrastrando mi cerebro descentrado de vuelta al texto. La lectura profunda que solía venir naturalmente se ha convertido en un esfuerzo".

Preocupado, tomó una decisión radical. A finales de 2007, él y su esposa abandonaron sus ultramodernas instalaciones de Boston y se fueron a vivir a una cabaña de las montañas de Colorado, donde no había telefonía móvil y el Internet llegaba tarde, mal y nunca. Allí, a lo largo de dos años, escribió el polémico libro que lo ha hecho famoso. Se titula en inglés The Shallows: What the Internet is Doing to Our Brains y, en español,Superficiales: ¿Qué está haciendo Internet con nuestras mentes? (Taurus, 2011). Lo acabo de leer, de un tirón, y he quedado fascinado, asustado y entristecido.

Carr no es un renegado de la informática, no se ha vuelto un ludita contemporáneo que quisiera acabar con todas las computadoras, ni mucho menos. En su libro reconoce la extraordinaria aportación que servicios como el de Google, Twitter, Facebook o Skype prestan a la información y a la comunicación, el tiempo que ahorran, la facilidad con que una inmensa cantidad de seres humanos pueden compartir experiencias, los beneficios que todo esto acarrea a las empresas, a la investigación científica y al desarrollo económico de las naciones.

Pero todo esto tiene un precio y, en última instancia, significará una transformación tan grande en nuestra vida cultural y en la manera de operar del cerebro humano como lo fue el descubrimiento de la imprenta por Johannes Gutenberg en el siglo XV que generalizó la lectura de libros, hasta entonces confinada en una minoría insignificante de clérigos, intelectuales y aristócratas. El libro de Carr es una reivindicación de las teorías del ahora olvidado Marshall MacLuhan, a quien nadie hizo mucho caso cuando, hace más de medio siglo, aseguró que los medios no son nunca meros vehículos de un contenido, que ejercen una solapada influencia sobre éste, y que, a largo plazo, modifican nuestra manera de pensar y de actuar. MacLuhan se refería sobre todo a la televisión, pero la argumentación del libro de Carr, y los abundantes experimentos y testimonios que cita en su apoyo, indican que semejante tesis alcanza una extraordinaria actualidad relacionada con el mundo del Internet.

Los defensores recalcitrantes del software alegan que se trata de una herramienta y que está al servicio de quien la usa y, desde luego, hay abundantes experimentos que parecen corroborarlo, siempre y cuando estas pruebas se efectúen en el campo de acción en el que los beneficios de aquella tecnología son indiscutibles: ¿quién podría negar que es un avance casi milagroso que, ahora, en pocos segundos, haciendo un pequeño clic con el ratón, un internauta recabe una información que hace pocos años le exigía semanas o meses de consultas en bibliotecas y a especialistas? Pero también hay pruebas concluyentes de que, cuando la memoria de una persona deja de ejercitarse porque para ello cuenta con el archivo infinito que pone a su alcance un ordenador, se entumece y debilita como los músculos que dejan de usarse.

No es verdad que el Internet sea sólo una herramienta. Es un utensilio que pasa a ser una prolongación de nuestro propio cuerpo, de nuestro propio cerebro, el que, también, de una manera discreta, se va adaptando poco a poco a ese nuevo sistema de informarse y de pensar, renunciando poco a poco a las funciones que este sistema hace por él y, a veces, mejor que él. No es una metáfora poética decir que la "inteligencia artificial" que está a su servicio, soborna y sensualiza a nuestros órganos pensantes, los que se van volviendo, de manera paulatina, dependientes de aquellas herramientas, y, por fin, en sus esclavos. ¿Para qué mantener fresca y activa la memoria si toda ella está almacenada en algo que un programador de sistemas ha llamado "la mejor y más grande biblioteca del mundo"? ¿Y para qué aguzar la atención si pulsando las teclas adecuadas los recuerdos que necesito vienen a mí, resucitados por esas diligentes máquinas?

No es extraño, por eso, que algunos fanáticos de la Web, como el profesor Joe O'Shea, filósofo de la Universidad de Florida, afirme: "Sentarse y leer un libro de cabo a rabo no tiene sentido. No es un buen uso de mi tiempo, ya que puedo tener toda la información que quiera con mayor rapidez a través de la Web. Cuando uno se vuelve un cazador experimentado en Internet, los libros son superfluos". Lo atroz de esta frase no es la afirmación final, sino que el filósofo de marras crea que uno lee libros sólo para "informarse". Es uno de los estragos que puede causar la adicción frenética a la pantallita. De ahí, la patética confesión de la doctora Katherine Hayles, profesora de Literatura de la Universidad de Duke: "Ya no puedo conseguir que mis alumnos lean libros enteros".

Esos alumnos no tienen la culpa de ser ahora incapaces de leer Guerra y Paz o El Quijote. Acostumbrados a picotear información en sus computadoras, sin tener necesidad de hacer prolongados esfuerzos de concentración, han ido perdiendo el hábito y hasta la facultad de hacerlo, y han sido condicionados para contentarse con ese mariposeo cognitivo a que los acostumbra la Red, con sus infinitas conexiones y saltos hacia añadidos y complementos, de modo que han quedado en cierta forma vacunados contra el tipo de atención, reflexión, paciencia y prolongado abandono a aquello que se lee, y que es la única manera de leer, gozando, la gran literatura. Pero no creo que sea sólo la literatura a la que el Internet vuelve superflua: toda obra de creación gratuita, no subordinada a la utilización pragmática, queda fuera del tipo de conocimiento y cultura que propicia la Web. Sin duda que ésta almacenará con facilidad a Proust, Homero, Popper y Platón, pero difícilmente sus obras tendrán muchos lectores. ¿Para qué tomarse el trabajo de leerlas si en Google puedo encontrar síntesis sencillas, claras y amenas de lo que inventaron en esos farragosos librotes que leían los lectores prehistóricos?

La revolución de la información está lejos de haber concluido. Por el contrario, en este dominio cada día surgen nuevas posibilidades, logros, y lo imposible retrocede velozmente. ¿Debemos alegrarnos? Si el género de cultura que está reemplazando a la antigua nos parece un progreso, sin duda sí. Pero debemos inquietarnos si ese progreso significa aquello que un erudito estudioso de los efectos del Internet en nuestro cerebro y en nuestras costumbres, Van Nimwegen, dedujo luego de uno de sus experimentos: que confiar a los ordenadores la solución de todos los problemas cognitivos reduce "la capacidad de nuestros cerebros para construir estructuras estables de conocimientos". En otras palabras: cuanto más inteligente sea nuestro ordenador, más tontos seremos.

Tal vez haya exageraciones en el libro de Nicholas Carr, como ocurre siempre con los argumentos que defienden tesis controvertidas. Yo carezco de los conocimientos neurológicos y de informática para juzgar hasta qué punto son confiables las pruebas y experimentos científicos que describe en su libro. Pero éste me da la impresión de ser riguroso y sensato, un llamado de atención que -para qué engañarnos- no será escuchado. Lo que significa, si él tiene razón, que la robotización de una humanidad organizada en función de la "inteligencia artificial" es imparable. A menos, claro, que un cataclismo nuclear, por obra de un accidente o una acción terrorista, nos regrese a las cavernas. Habría que empezar de nuevo, entonces, y a ver si esta segunda vez lo hacemos mejor.

La capa de hielo ártico disminuye casi hasta mínimos históricos

2011-08-14T07:52:00.001-05:00

Fotos de la submarinista Natalia Avseenko: minutodigital.com

Texto retomado de Lavanguardia.com

Moscú (Efe).- La capa de hielo en el Ártico ha disminuido casi hasta mínimos históricosdebido a las altas temperaturas de los últimos meses, según informa el Centro Meteorológico de Rusia (CMR).

En estos momentos el hielo ártico cubre una superficie de 6.860 millones de kilómetros cuadrados, cerca del mínimo registrado en 2007, señala el CMR en su página web.

Todos los mares árticos rusos se encuentran por debajo de la norma en lo que se refiere a su superficie helada desde las aguas de la parte europea de Rusia al mar de Chukotka, frente a la península de Alaska.

En concreto, la superficie de hielo en la zona suroccidental del mar de Kara está un 56 por ciento por debajo de la norma, mientras en el caso del mar de Chukotka este porcentaje es del 35 por ciento.

Por esta razón, las condiciones para la navegación por las aguas árticas son consideradas "muy buenas", tendencia que se mantendrá hasta septiembre.

El CMR informa de que durante este mes casi todas las rutas árticas están libres para la navegación de buques que no sean rompehielos. La reducción de la capa de hielo que cubre el océano Glacial Ártico debido al calentamiento global ya permitió en 2010 que un petrolero ruso reabriera la ruta marítima ártica, alternativa al canal de Suez y que estaba cerrada al tráfico comercial.

Un barco mercante procedente de Europa Occidental necesita casi la mitad de tiempo para llegar a Asia a través de la ruta ártica que por el canal de Suez, con el consiguiente ahorro de combustible.

Según algunos expertos, el progresivo deshielo debido al ascenso de las temperaturas conducirá a que este océano hacia 2040 quede en verano totalmente despejado, lo que permitirá prescindir de los rompehielos.

Los barcos pueden viajar todo el año entre Murmansk y la isla de Nueva Zembla, pero cuando se acaba el mar de Bárents y comienza el de Kara, los hielos eternos dificultan enormemente la navegación.

Tras superar el mar de Kara, los barcos aún deben surcar las aguas heladas de los mares de Laptev, Siberia Oriental y, por último, el de Chukotka. Rusia es el único país del mundo que cuenta con una flota de rompehielos atómicos, por lo que tendría el monopolio de la ruta.

Murió Lucian Freud, el pintor que le dio un nuevo sentido al desnudo

2011-08-14T07:51:00.000-05:00

POR WILLIAM GRIMES - THE NEW YORK TIMES

Lucian Freud, el artista que reformuló el arte del retrato y ofreció un nuevo enfoque del arte figurativo, murió el miércoles en su casa de Londres. Tenía 88 años. Era nieto de Sigmund Freud y ya era una figura importante en el mundo del arte de Londres cuando, en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, comenzó una serie de retratos que lo consagraron como una voz nueva y potente.

Desde fines de la década de 1950, los desnudos de Freud adquirieron una nuevacarnalidad y volumen. El artista llevaba al límite a sus modelos, muchas veces amigos íntimos. Eran sesiones agotadoras, día tras día. Sus rostros muestran fatiga, angustia, aletargamiento.

Freud había nacido en Berlín en 1922. Su padre, el arquitecto Ernst, fue el hijo menor de Sigmund Freud. En 1933, luego de la llegada de Hitler al poder, los Freud se mudaron a Londres, donde Lucian mostró pocas dotes académicas, pero una escultura –un caballo en arenisca– le permitió ingresar a la Central School of Arts and Crafts de Londres. Era un bohemio, le gustaban los barrios sórdidos y los juegos de azar (“las deudas me estimulan”, dijo una vez). En 1948, se casó con Kitty Garman, a quien pintó en varios retratos, como “Niña con rosas”.

Sus primeras obras, a menudo con una narración implícita, tenían una fuerte influencia de pintores de la Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) alemana, como Otto Dix, aunque sus influencias se remontan a Alberto Durero y los maestros flamencos. Y a veces se aventuró en el surrealismo.

Una influencia decisiva fue Francis Bacon, un artista que como él estuvo en la Bienal de Venecia de 1954 y que aparece en una de sus obras más famosas, una cabeza pintada en óleo sobre cobre. La libertad de Bacon inspiró a Freud para dejar los retratos lineales y pasó a un estilo de retrato más áspero. “Los colores profundos y saturados tienen una significación emocional que quiero evitar”, dijo una vez. A su biógrafo, Lawrence Gowing, le dijo: “Para mí, la pintura es la persona”.

Freud tenía una fuerte inclinación autobiográfica. “Mi obra es enteramente sobre mí y mis alrededores”, dijo. Y sólo en raras ocasiones, Freud aceptó pintar un retrato oficial, como el que hizo del coleccionista Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, totalmente vestido, en “Hombre en una silla”. Su grave retrato de la reina Isabel (2001), que la muestra coronada por la una diadema de diamantes, dividió las aguas. Algunos críticos elogiaron la pintura diciendo que era veraz, pero un editor de arte de The Times, de Londres, escribió: “El cuello no deshonraría a un pilar de rugby”. El fotógrafo real dijo que “deberían encerrar a Freud en la Torre de Londres”.

En 2008 se convirtió en el artista vivo mejor cotizado, cuando se pagaron 33,3 millones de dólares por su obra “La supervisora de subsidios durmiendo”.

La poderosa imagen 'retro' de Amy

2011-08-13T17:18:00.000-05:00

FERNANDO NAVARRO - Madrid - Elpais.com

Producto cuidado hasta el más mínimo detalle, la imagen de Amy Winehouse siempre fue un viaje en el tiempo. Si algo llamó la atención de aficionados (y expertos) de la música de todo el mundo cuando esta chica de barrio llegó a lo más alto de las listas de éxito con Back to Black fue, aparte de su voz canalla, su gran atractivo retro: los estampados, vestidos imposibles y su característico recogido cardado iban como broche de oro a su elegante soulde reminiscencias de los sesenta.

Junto a sus hits, tal vez el mayor logro de Winehouse haya sido que todo el mundo retenga su imagen en la mente. Poderosa imagen de gala, una especie de relámpago estético, que aunaba el punto callejero contemporáneo con el adorno de otra época. Entre los jóvenes, causaba furor ver a esa morena desgarbada cantar esa música que parecía novedosa aunque no lo era y con un estilo tan definido, realzado con complementos, pañuelos, grandes pendientes y zapatos retro. Era toda una filosofía de la estética, estudiada a la perfección y que se miraba en el mismo espejo en el que se miraba su música (especialmente con Back to Black ya que el anterior Frank tenía más ecos jazzísticos): la era del pop femenino de lasgirl groups en Estados Unidos.

Fueron bastantes las bandas de chicas que en los sesenta formaron parte de este tipo de conjuntos. Las que más éxito consiguieron fueron The Supremes, el grupo de Diana Ross que simbolizó más que nadie el sonido de la joven América desde su base de operaciones en la Tamla Motown, en Detroit. Pero en esa efervescencia pop, con verdadero gen afroamericano, se encontraban también otras maravillosas formaciones como The Ronettes, The Shirelles, The Marvelettes, The Shangri-Las, The Crystals o The Velvelettes. Con su voz llena de alma, Winehouse tomó de ellas no solo una perspectiva musical con la que iluminar su música, gracias sobre todo a los arreglos del productor Mark Ronson, convertido desde entonces en un rey midas de la mesa de mandos, sino también su fotografía femenina.

Winehouse recuperó el soul pero también recuperó esa femineidad. Según se recoge en la biografía Amy Winehouse. La chica mala del pop rock, cuando la cantante británica se refería a sus adoradas Ronettes, el grupo de soul urbano reclutado e ideado por Phil Spector, aseguraba: "Se trata de efectos de sonido y atmósferas, y casi puedes oír sus peinados". Puede sonar alocado pero tal vez no lo sea: oír los peinados de abultados e inmensos moños de Veronica Bennett (más tarde conocida como Ronnie Spector), Estelle Bennett y Nedra Talley pasaba por apreciar ese sonido voluminoso, repleto de capas instrumentales, que coronaban una canción como un recogido cardado una cabeza.

Ese moño fue toda una institución en los sesenta norteamericanos, incluso británicos. Conocido como peinado colmena (beehive), Audrey Hepburn se hizo célebre al llevarlo en la película Desayuno con diamantes (1961) como también sucedió con Janice Rand a bordo del USS Enterprise en la serie Star Trek (1966). Un poco antes se dejó ver el más recatado de Kim Novak en Vértigo (1958). En Reino Unido, una de sus mejores cantantes, Dusty Springfield, la voz de toda una generación, también llevó este florido peinado. La mayoría de las girl groups en las que se fijó Winehouse lo utilizaron como elemento estético, diferenciador de la mujer y que otorgaba estilo. Las chicas que cantaban a los amores y desamores con su pop inocente glorificaban su estética enaltecida con sus vestidos estilizados y sus flores en sus peinados. A diferencia de lo que pasó con la irrupción del rock'n'roll de los cincuenta, donde los Elvis Presley, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis o Gene Vicent dominaban el cotarro, la estética les pertenecía a ellas pero también la música y el éxito. Las girl groups se adueñaron de las listas con su propio modo de hacer las cosas y conquistar a las audiencias. Lo mismo que Amy Winehouse tras el triunfo mundial de Back to Black.

Su modo retro también tenía en cuenta el cuidado maquillaje. Como una Elizabeth Taylor haciendo de Cleopatra, su marcada raya del ojo (eyeliner) y su abundancia de rímel en las pestañas se hicieron notas características de su estilo. Podría parecer un mero recurso pero era sin duda otra forma bien pensada de acercarse y recuperar la época de las reinas del pop. The Ronettes o The Marvelettes también las utilizaron con naturalidad. Incluso el uso de tops, pañuelos, bustiers o sandalias de tacón alto (peep toe shoes) hacían revivir los mejores años de las conocidas pin-ups, las ilustraciones y fotografías de chicas atractivas y estilosas que cultivaron la cultura popular del siglo XX y que han pasado por ser iconos artísticos como en el caso de Betty Page. La imagen femenina de la pin-up se asienta en el maquillaje, el peinado, los escotes y el poder de la cadera, hábil y conscientemente utilizada por Winehouse en sus videoclips y conciertos.

No es de extrañar, por tanto, que el diseñador Karl Lagerfeld la proclamará la Brigitte Bardot del siglo XXI como tampoco lo es que la pin-up por excelencia de la historia, Betty Boop, fuera el primero de los numerosos tatuajes que la cantante británica se puso en su cuerpo. Incluso en su brazo derecho tenía dos ilustraciones más de pin-ups junto al nombre de su abuela Cynthia. Los tatuajes, como los piercings, fueron los elementos contemporáneos a su aspecto chulesco e independiente. Era una pose natural y desinhibida a la que añadió todo tipo de abalorios, como pulseras, grandes colgantes o pendientes.

Amy Winehouse hizo de su imagen retro todo un modelo actualizado para la industria del entretenimiento. Sin resucitar el soul, que nunca ha estado muerto porque en los últimos 40 años ha tenido muchos y muy buenos representantes aunque poco conocidos, Winehouse lo llevó a audiencias masivas. A su manera, lo puso en la cúspide, como su imagen de chica de barrio de Camden, con cierto aroma de auténtica pero estudiada hasta el más mínimo detalle.

Para 2014, nuevo diccionario de español

2011-07-21T09:20:00.004-05:00

EFE | El UniversalBURGOS |

El nuevo diccionario de español estará listo en 2014 y será "lo más copioso posible" , ha anunciado hoy el director de la Real Academia Española y presidente de la asociación que engloba a todas las academias de español, José Ramón Blecua.

Los directores y presidentes de las veintidós academias de la lengua española de España, América y Filipinas han iniciado hoy en Burgos una reunión plenaria de tres días en la que fijarán sus objetivos y principales actividades hasta 2014.

Blecua ha explicado a los periodistas en la inauguración del encuentro que el diccionario será un trabajo en común que se hará gracias a la solidaridad de todas las academias de la lengua española.

También ha recordado que el diccionario de español se lleva actualizando 300 años, lo que a su juicio le hace único en el mundo.

El director de la Academia española ha destacado la coincidencia del periodo de trabajo actual con el tercer centenario de esta institución, que nació en 1713 en Madrid por iniciativa de Felipe V.

Durante la reunión plenaria que ha comenzado hoy, los académicos han realizado un examen de los materiales fundamentales para la enseñanza del español a los niños.

Para ello, han repasado el temario y las obras básicas para esa enseñanza en materias como la gramática, la ortografía y un diccionario práctico.

Blecua ha insistido también en la importancia de la investigación, "que debe ser un complemento imprescindible sin el que no se puede entender la enseñanza del idioma".

En este sentido, ha considerado "fundamental" contar con los "nuevos medios electrónicos" como herramientas para la difusión y la investigación.

Ha puesto como ejemplos de la importancia de utilizar los medios tecnológicos el hecho de que el nuevo "Diccionario histórico" sólo estará presente en internet y el portal de la lengua española que, según ha dicho, se ha convertido en un lugar habitual de encuentro de investigadores y de personas que simplemente quieren resolver dudas sobre usos de la lengua, lo que supone que esté recibiendo aproximadamente un millón de visitas diarias.

Blecua ha adelantado que durante los próximos días se tratarán en el encuentro los dos próximos grandes encuentros relacionados con el español, ambos a celebrar en Panamá.

Se trata del congreso de la asociación de la lengua española de Panamá, que se celebrará en noviembre de este año, y el congreso internacional de la lengua española, que tendrá lugar en 2013.

El video porno de Marilyn, a subasta por 500 mil dólares

2011-07-21T09:20:00.003-05:00

ELMUNDO.es | Madrid

La segunda copia conocida del supuesto corto pornográfico de Marilyn Monroe sale a subasta el 7 de agosto en la Feria Internacional de Coleccionismo Cinematográfico de Buenos Aires.

La película, de 8 milímetros, fue grabada entre 1946 y 1947, cuando la actriz tenía unos 21 años y aún no era conocida. Se trata de 6 minutos en blanco y negro, cuyo precio de salida, fijado por su promotor, el español Mikel Barsa, es de 500.000 dólares.

Pero la fiebre Marilyn puede hacer pagar mucho más dinero, como ocurrió en 2001, cuando un coleccionista compró la otra copia, de 16 milímetros, por 1,2 millones de dólares.

El debate sobre si la chica de las imágenes es realmente la actriz parece más o menos resuelto y, aún para los incrédulos, lo cierto es que la suma desórbitada por ver a Norma Jean (nombre original de la rubia más universal) hace bastante creíble la autenticidad de la película.

La posteridad de Adolfo Sánchez Vázquez

2011-07-21T09:20:00.002-05:00

2011-07-17 | Milenio Semanal

Fallecido el pasado ocho de julio, el filósofo dejó en su magisterio y sus libros el combate a la desigualdad y a la injusticia social como medio de alcanzar la libertad.

La generación de estudiantes de humanidades de nuestro país que alcanzó la mayoría de edad en la etapa de la caída del Muro de Berlín conoció una de las etapas más interesantes del recientemente fallecido filósofo hispano-mexicano Adolfo Sánchez Vázquez. Reconocido en los ámbitos académicos nacionales, españoles y latinoamericanos desde los años sesenta y setenta por su labor docente y ensayística pulcra, mesurada y precisa en torno a los temas, inquietudes y conceptos del marxismo humanista tradicional, ajeno y opuesto a sus versiones estalinistas, Sánchez Vázquez arribó con plena madurez intelectual a uno de los momentos cruciales de la historia del mundo: la disolución del llamado “socialismo real” y los regímenes autoritarios que le daban sustento en el mundo europeo.

La recepción que hizo de este acontecimiento histórico puso de manifiesto algo que se sabía de tiempo atrás en los círculos intelectuales del país y, muy especialmente, entre quienes dieron puntual seguimiento a su trayectoria académica en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM: Sánchez Vázquez era un pensador de talla internacional, quizá el más importante filósofo de nuestro país en los últimos 40 años. Nacido en Algeciras en 1915, estudió Filosofía en Madrid y participó activamente en la resistencia ideológica al franquismo, razón por la cual tuvo que exiliarse tras la victoria de Francisco Franco en la Guerra Civil Española. Desde entonces (1939), su desarrollo intelectual lo llevó a cabo en nuestro país.

CRÍTICO DEL SOCIALISMO REAL Y DEL CAPITALISMO

La cardinalidad de su desempeño como filósofo emergió de manera contundente tras el quebranto de uno de los flancos pertenecientes a lo que defendió durante toda una vida dedicada a la filosofía: la viabilidad del marxismo más allá de la teoría. Hasta su muerte, Sánchez Vázquez se declaró marxista, y por eso, la puesta a prueba de su pensamiento que la desaparición del mundo comunista europeo representó, hizo emerger de manera contundente lo que ya se dejaba ver desde sus escritos plenamente marxistas (de los cuales uno, que llegó a ser clásico, fue el libro Filosofía de la praxis, de 1967): poseía ideas, convicciones y argumentos propios, más allá de las estructuras del pensamiento prefabricadas por cientos, miles de comentaristas, ideólogos y enseñantes del marxismo oficializado de los años sesenta y setenta del siglo pasado. En verdad, el filósofo algecireño había forjado ya un pensamiento plenamente personal.

Una de las características más destacadas de su trabajo filosófico de la década de los noventa, que comenzó con la puesta en cuestión del socialismo real, fue la capacidad para acercarse a escuelas, corrientes y pensadores diversos al canon marxista tradicional. En ese tiempo comenzó a leer, analizar y debatir con los llamados filósofos posmodernos (Jean-Francois Lyotard, Jean Baudrillard, Gianni Vattimo), examinó las ideas de filósofos liberales como John Rawls y Richard Rorty, y se tomó el tiempo para rebatir los tempranos desplantes eufóricos en torno a la preeminencia del capitalismo de corte estadunidense, como las tesis de Francis Fukuyama, y dio la razón a aquellos que criticaron duramente los modos, las formas y las prácticas dictatoriales del en ese entonces recién finiquitado “socialismo realmente existente”. De esta manera arribó a un evento que hizo época y que se sigue recordando incluso hoy, más de 20 años después: el encuentro organizado por Octavio Paz y Vuelta. Llamado “La experiencia de la libertad”, el coloquio de intelectuales que se realizó en nuestro país en los meses de agosto y septiembre de 1990 (y que contó con transmisiones televisivas) fungió al mismo tiempo tanto como un foro de análisis social, político y cultural penetrante y animado, que como una exaltación eufórica de las supuestas virtudes de la civilización capitalista. La mayoría de las mesas osciló en esta dinámica: entre la mesura analítica y la exacerbación panfletaria.

La invitación a Sánchez Vázquez causó verdadera sorpresa, puesto que se sabía perfectamente que él seguía defendiendo la viabilidad del marxismo humanista; en este sentido, fue el único de los numerosos participantes que estuvo allí para defender dicha idea (los textos que ahí expuso fueron recogidos en su libro El valor del socialismo). Sus breves pero rotundas exposiciones dieron cuenta de una honestidad intelectual ejemplar: dio la razón a quienes criticaron sin concesiones el carácter retrógrado de los gobiernos comunistas del mundo entero, pero destacó sin equívocos los terribles infortunios del capitalismo al que la casi totalidad de los participantes en el encuentro encomiaban con desparpajo; para él, ése era un sistema mundial cuya dinámica de injusta distribución de la riqueza a nivel global produce, sin equívocos, inmensas desgracias humanas a lo largo y ancho del planeta.

LIBERTAD, DEMOCRACIA Y JUSTICIA SOCIAL

Ese fue el tenor de su apertura filosófica en la recta de cierre de su trayectoria profesional, es decir, la de sus últimos 20 años de vida. Bajo la convicción general de que el pensamiento de Marx tenía en última instancia “un carácter emancipatorio”, se dedicó a construir un pensamiento expansivo, integrador y moderno de izquierda, en el que el debate era bienvenido y el marxismo operaba más como un marco de referencia para aportaciones liberales, democráticas y de justicia distributiva, que como una camisa de fuerza en la que todo tenía que caber. Como principio rector, a fin de cuentas, lo que buscaba hacer entender con sus escritos de vejez era que lo primordial es hacer desaparecer la injusticia social e individual allí donde ésta se presentara. Tenía la convicción de que si una utopía era aún defendible, esta pasaba por la disolución de la inequidad humana en todas sus formas: política, económica o de género.

De esta manera lo afirmó en varios de sus últimos escritos, como los recopilados enÉtica y política, de 2007, libro fresco, sugerente, contundente. Allí dice: “No puede haber verdadera libertad en condiciones de desigualdad e injusticia social, como tampoco puede haber justicia social cuando se niega la libertad y la democracia”. La obra es una colección de análisis, propuestas, debates y consejos en torno a esta idea fundamental: el apuntalamiento reflexivo de la convicción de que un gobierno justo, necesariamente, pasa por “la mejora de las condiciones materiales de la existencia”. (Uno se pregunta por qué es tan difícil que los políticos que se dicen de izquierda lo tomen como libro de cabecera, y uno se responde: la mayoría de los políticos, del bando que sean, simplemente no tienen libros).

El carácter aglutinador de la última etapa de su trayectoria, que no era sino un puntual reflejo de la búsqueda y la curiosidad intelectual que siempre lo caracterizó, también se vio reflejado en otra de sus grandes pasiones teóricas: la estética o el análisis filosófico del arte. Desde época temprana, hacia la década de los sesenta, el filósofo exploró el flanco estético del marxismo: la relación que se da entre la obra de arte en tanto producto del trabajo humano, el entorno social y la individualidad del artista.

Lo cierto es que los desarrollos estéticos más importantes se han dado fuera del marxismo, desde el hegelianismo y su polémica idea del fin del arte en la modernidad, hasta los escritos de raíz analítica del filósofo estadunidense Arthur Danto con sus análisis del arte posvanguardista en el siglo XX. Por esta razón, las conferencias sobre la estética de la recepción que dictó en la Facultad de Filosofía y Letras en 2004 (recogidas en el libro De la estética de la recepción a la estética de la participación), en las que analizó la teoría alemana contemporánea del arte, representaron el remache de una cualidad crucial para todo aquel que quiera dedicarse a la filosofía y a la vida intelectual en general: la capacidad para nunca dejar de aprender, ni aun cuando se tengan casi noventa años.

Ahora que tras una dilatada y fructífera vida de 95 años su persona ha llegado a su término biológico, no queda la muerte del hombre sino la posteridad de su pensamiento. Privilegio del artista, del escritor y del pensador es dejar un legado que le sobrevive. Adolfo Sánchez Vázquez hizo su parte de manera extraordinaria durante más de medio siglo: pensar con pulcritud y plasmar en letras ese pensamiento. Entonces, toca a los que nos quedamos completar la ecuación: nutrirnos con lo que nos dejó de herencia intelectual uno de los más eminentes filósofos mexicanos de todos los tiempos.

Manuel Guillén*

*Maestro en Filosofía por la UNAM. profesor y periodista cultural desde 1996, ha participado en diversas publicaciones Nacionales. Su campo de investigación es el arte moderno y contemporáneo. Correo electrónico:guillenfree@yahoo.com.mx

"Debemos evitar que el arte se reduzca a mero entretenimiento" : Gerard Mortier

2011-07-21T09:20:00.000-05:00

Elpais.com

Gerard Mortier va dos metros por delante. Sea para hacerse la foto o para acompañar al periodista hasta el ascensor, el director artístico del Teatro Real camina por el pasillo a una velocidad imposible de seguir manteniendo la respiración. También su mente parece ir dos metros por delante: pasa de Hannah Arendt a Lady Gaga y de Wagner a Bill Viola con la misma naturalidad con la que trufa su español de giros franceses e italianos. Y con la misma determinación con la que pidió a los artistas rusos Emilia e IIya Kabakov que proyectaran una instalación -una enorme cúpula- para el San Francisco de Asís de Olivier Messiaen. Después de estrenarse en 2003 en la Trienal del Ruhr, dirigida entonces por Mortier, la obra podrá verse y escucharse en Madrid a partir del 6 de julio en cinco funciones, pero no en el Teatro Real, sino en el Madrid Arena. Además de aguantar los 24 toneladas de la escenografía, el emplazamiento -con una capacidad de 4.300 espectadores por función- es toda una declaración de intenciones respecto a la necesidad de ampliar la audiencia tradicional de la ópera. Mortier admite que el público de ese género de ambición artística total -música, canto, teatro, poesía, arquitectura- suele ser "conservador", pero apostilla: "Hay que tratar de que no se vuelva reaccionario".

Nacido en Gante (Bélgica), en 1943, y tan preocupado por el presente político de su país como por el futuro cultural de Europa, Gerard Mortier está a punto de cerrar su primera temporada al frente del coliseo madrileño después de dejar su impronta en las principales estaciones del continente. En 1991 sucedió a Herbert von Karajan como director del Festival de Salzburgo, donde pasó 10 temporadas. Luego vendrían la creación de la citada Trienal del Ruhr y la dirección de la Ópera de París. Parece, pues, la persona adecuada para analizar el estado de la cultura en un tiempo en que esta vive su particular revolución industrial.

La velocidad de Mortier en los pasillos se vuelve calma en su despacho. Coloca la taza de té al lado del diccionario alemán-español -no llegará a usarlo- y habla como si tuviera todo el tiempo del mundo. Eso sí, hace dos aclaraciones. Una: cuando habla de cultura se refiere a la occidental, es decir, a "una parte decisiva pero no única" del panorama mundial. Dos: "La cultura para mí es la civilización y el arte es parte de la cultura. Y a veces hay arte que surge contra la propia cultura en la que se inserta". Vista su fama de polémico -le persigue el tópico de "gestor vanguardista"-, la segunda aclaración tiene algo de autorretrato.

Pregunta. ¿Qué factor es el que mejor define la cultura actual?

Respuesta. Me temo que el consumo. Esto lo analizó muy bien Hannah Arendt. Es muy peligroso que la cultura se transforme en objeto de mercado, porque de la mano del mercado va la publicidad, que gasta enormes sumas de dinero en promocionar algunos productos. Ahí tenemos a Lady Gaga, que me parece una mujer enormemente inteligente pero que es sobre todo una gran inversión. Es la música dominante. Lo grave es que lo comercial se convierta también en objeto de interés para las instituciones públicas porque comienza a recibir dinero de nuestros impuestos.

P. ¿La vieja tensión entre alta cultura y cultura de masas?

R. Sí, pero yo no hago juicios de valor sobre Lady Gaga. Entre los músicos de mi generación, Bob Dylan me parece mucho mejor artista que Luciano Pavarotti. Pero la música clásica occidental está en una situación peligrosísima. En el siglo XX se produjo un cambio trascendental. Por un lado está la música comercial y por otra, la música, digamos, intelectual. Esto era algo que nunca antes en la historia había sucedido. Mozart componía piezas para bailar y, al mismo tiempo, sinfonías. Con el nacimiento del jazz y la aparición luego del rock y el pop aparece una música que no existía.

P. Otra tensión: entre excelencia y democracia.

R. Una obra de arte es algo espiritual, quitándole a la palabra toda connotación religiosa. Desde la Revolución Francesa tenemos mucha más democracia -que ha llegado más tarde para las mujeres-, pero la democracia ha sido sobre todo material. En Occidente, las conquistas sociales han humanizado el trabajo, pero no ha conseguido aún que la gente trabaje en algo que le interese. La democracia no ha llegado al espíritu, se ha quedado en el ámbito materialista. Eso se ve cuando vas a Moscú. No me gustaba nada el sistema comunista, pero la educación ha perdido el peso que tenía. Ahora está orientada al beneficio, a ganar dinero. Solo hay que ver los programas de las escuelas y las universidades. El ejemplo más claro es Estados Unidos. Cuando he dado clases de análisis sociopolítico del teatro me he encontrado con estudiantes de 20 o 22 años que no sabían qué era Fausto. Don Juan sí, pero lo confunden con Casanova.

P. Y eso que nunca ha sido tan fácil acceder a la información.

R. Tengo 67 años y sé que con Internet los jóvenes pueden informarse como nunca, pero la cuestión es cómo hacerlo. La información es tan enorme que la clave es la selección. No hay conocimiento sin selección, selección sin criterio, ni criterio sin educación. ¿De qué te sirve tener a tu alcance todas las grabaciones de la historia de la música si no sabes cuál es la buena? Lo mismo sirve para los libros. Con todos a tu alcance, ¿por dónde empiezas? ¿Cuáles son los entretenidos, cuáles los buenos y cuáles los imprescindibles?

P. ¿Cree que el mercado ha vencido a la escuela?

R. Me gusta mi tiempo y sé que los nuevos medios de comunicación ofrecen posibilidades enormes -solo hay que pensar en las revueltas árabes o en todo lo que puede hacer para divulgar el arte-, pero la cultura vive una situación muy difícil. Cuando se convierte en un producto que hay que vender, la consecuencia es que se venden mejor los productos que se adaptan a la publicidad. La música clásica se reduce a los artistas que pueden posar como modelos. Es algo que empezó con Herbert von Karajan. Vemos que violinistas o directores que no tienen ese halo se venden peor aunque sean excelentes músicos.

P. ¿El arte no se ha democratizado?

R. La verdadera democracia no es que todos vean y oigan lo mismo, sino que todos tengan la ocasión de hacerlo. Que el que quiera leer un libro de poemas pueda acceder a él. Que tenga la ocasión de hacerlo y la formación suficiente para apreciarlo. Por eso más que de cultura se trata de educación. Ahí es donde se crea la curiosidad por el arte y donde se deben dar las herramientas para entenderlo.

P. ¿La cantidad se impone como criterio estético? El valor de lo más vendido, lo más visto, lo más visitado...

R. Es una lucha enorme convencer al público de que ir a escuchar el San Francisco de Messiaen es una experiencia vital distinta de ir a un mero divertimento. No puede ser lo mismo pasar esas dos horas leyendo una novela o un libro de poemas que pasarlas viendo la televisión. Antes hablábamos de excelencia... el arte siempre exige excelencia, siempre. Cuando vemos la catedral de Chartres lo primero que impresiona es la excelencia: cómo han podido hacerlo. A nosotros nos pasa en Angkor Wat, en Camboya, o en las pirámides de Egipto. La excelencia es la virtud más importante del arte. Para mí divulgar no significa renunciar a la excelencia.

P. ¿Y la excelencia puede ser masiva?

R. Una obra no es menos excelente porque le guste a mucha gente. Cuanto más ligada está a la esencia humana, con más facilidad llega. Por eso a los jóvenes les cuesta menos apreciar la danza contemporánea que la música contemporánea. Todo el mundo ha bailado alguna vez, el ritmo forma parte de nosotros. Todas las culturas tienen baile y canto. Pero algunos géneros, la poesía, por ejemplo, necesitan una sensibilidad distinta que se desarrolla con la civilización. Por otro lado, no es casualidad que el desarrollo de la democracia fuera paralelo al del teatro griego: es una aplicación del pensamiento sobre la polis a través de una obra de arte. Por eso es paradójico que le preguntes a un político por qué no se interesa por el arte y te responda que no tiene tiempo. No podemos olvidar que el arte es una forma de civilización, una forma de desarrollar el pensamiento, el conocimiento y la conciencia. No solo es un divertimento. Ese es el gran problema de nuestra sociedad, es la clave. Para los políticos que manejan las subvenciones, el objetivo del arte debe ser, en el 90%, divertir. Al poder solo le interesa el arte como entretenimiento. Debemos evitar que se reduzca a eso.

P. ¿A pan y circo?

R. Para muchos políticos el arte es un peligro porque hace que la gente piense y sea crítica. Prefieren reducirlo a diversión. Eso es olvidar que, junto a la religión primero y a la ciencia después, el arte es el gran motor de la creatividad humana.

P. Hecho el diagnóstico, ¿qué nos espera en el futuro?

R. Puede que en Occidente se pierda la música clásica. Suena trágico pero no lo es tanto: ya sabemos que la cultura griega no nos llegó directamente sino a través de otras, como la romana o la árabe.

P. Hannah Arendt, a la que citaba usted, decía que hay obras del pasado que sobrevivieron a siglos de abandono, pero que está por ver si sobrevivirán a una versión para entretenimiento. ¿Comparte esa inquietud?

R. La música clásica occidental ha sobrevivido mejor en Japón que en Occidente. A Messiaen se le conoce mejor en Tokio que en Madrid. Mi esperanza está en otras culturas. Actualmente, en todas las grandes ciudades de China se construyen salas de conciertos. También es interesante el caso de América del Sur, que en cierto sentido, claro, forma parte de la cultura occidental. Es ejemplar el caso de las orquestas de jóvenes de Venezuela. Allí la música es algo social, algo que ayuda a la gente, un motivo de orgullo.

P. ¿Y Europa?

R. Los grandes países occidentales han caído en un consumismo que está acabando con todo. Desde la crisis, en Estados Unidos han desaparecido muchas orquestas y las óperas sobreviven siempre que toquen Madama Butterfly o La Bohème. América es el ejemplo de cómo el consumismo ha matado la cultura. Todo está dominado por el mercado.

P. ¿Europa está en crisis?

R. Europa no será el centro del mundo en el futuro. Hay que aceptar eso. ¿Por qué debería serlo? ¿Por nuestro prestigio? En 2050, solo un 5% de la población mundial será europea. ¿Cuál será nuestro papel? Nuestra fuerza es nuestra tradición cultural. Lo que me interesa es que se conserven los valores europeos, sea donde sea, no que Europa sea una potencia mundial. La crisis europea no es intelectual, la crisis es que los jóvenes no tienen visión de futuro. No es haber tenido tres coches y tener ahora uno, es no tener trabajo.

P. Hablando de la tradición, en literatura los escritores actuales reciben más atención que los clásicos, pero en música sucede al contrario, ¿por qué?

R. La música, como construcción, es más compleja que la literatura. La literatura es, finalmente, palabra. El problema es que la música ha desaparecido de la vida cotidiana. Antes la gente cantaba o tocaba el piano -los burgueses-. También los trabajadores tenían su música, la que llamamos folclórica. Siempre ha habido música del pueblo. La gente se juntaba por la tarde y tocaba el acordeón y cantaba. Ahora todo el mundo dedica ese tiempo a ver la televisión. A los niños ya no se les canta para dormir, se les da una pastilla. Por un lado, ya no hacemos música, ya no conocemos sus leyes básicas, y no me refiero a leer una partitura: los gitanos, por ejemplo, tienen un oído estupendo. Por otra, la música digamos culta se ha ido sofisticando y volviendo cada vez más intelectual. El desfase es enorme. Se prefiere estudiar a un músico barroco menor que a un buen contemporáneo.

P. ¿Es más fácil introducir en el mundo de la ópera a artistas contemporáneos como los Kabakov, Marina Abramovic o Anselm Kiefer que a sus equivalentes músicos?

R. La ópera es un momento de la historia de la música muy conectada con una época. De hecho, es muy posible que no creemos nuevas óperas en 100 años. ¿Es grave? No. La tragedia griega clásica duró unos pocos años. Hoy representamos tragedias griegas pero no las escribimos. Ya no tenemos el paisaje social y político para escribirlas. George Steiner ha escrito un libro magnífico sobre por qué. La ópera es una forma de arte burgués, no aristocrático. La ópera Garnier es el Versalles de la burguesía. Hay formas de arte -la música, la poesía, la arquitectura- que siempre han existido y siempre van a existir. Otras no. Milan Kundera ha escrito mucho sobre la evolución de la novela, por ejemplo. También la poesía épica ha desaparecido. En la ópera hay dos direcciones: una es el divertimento y el virtuosismo, pero eso ya está, y muy bien, en espectáculos como los del Circo del Sol. La otra dirección consiste en revalorizar las emociones a través del canto en un tiempo en el que la emoción se confunde con el sentimentalismo.

Por su naturaleza, la ópera es un lugar conservador. Y no está mal mientras no se vuelva reaccionario. ¿Y qué es un reaccionario? Pues un conservador que no tiene curiosidad por lo nuevo. Yo entiendo a la gente que quiere conservar valores. Pero conservar bien es también abrir el interés a cosas nuevas. Si no, los valores se marchitan y mueren. Los conservadores no pueden pensar que la ópera es un espacio exclusivamente suyo. Yo tengo una gran fe en la emoción directa. He visto la reacción de la gente cuando hice Tristan e Isolda con Bill Viola. Hicimos 25 espectáculos. Muchas veces el público es más inteligente que los llamados profesionales de la información y de la crítica. ¿Que de 1.500 personas 30 se marchan del teatro? No está mal. También se salían de las primeras óperas de Mozart.

P. Luego está Internet, que ha revolucionado la industria y ha dinamitado el viejo concepto de autoridad.

R. Como ve [dice señalando la mesa de su despacho], no tengo ordenador. No he estudiado el caso de Internet y no quiero sacar conclusiones sobre algo que no he estudiado. Tengo colaboradores más jóvenes que lo usan y sé que la web es fundamental. La Red es un medio que debemos usar, sin duda. La pregunta es, de nuevo, cómo. ¿La autoridad? A finales del siglo XVIII perdió su autoridad la Iglesia; luego, la fue perdiendo el Estado poco a poco. Por eso, los masones y algunos intelectuales, como Goethe, promovieron la elaboración de una ética individual. Para eso debe servir la educación, para formar esa ética. Actualmente la autoridad es el mercado. Y ese es un problema serio. El que tiene el dinero marca el precio y quiere también marcar el valor.

Pero no soy pesimista. Para mí no es importante que la cultura europea sea la más fuerte sino que sus valores sobrevivan. Pero no soy un profeta, debo vivir hoy luchar contra el consumismo y la frivolidad. No podemos cambiar a la humanidad pero sí influir en algunos lugares, no queramos dominarlo todo. En pequeñas células podemos hacer cosas muy interesantes. Es maravilloso ver la emoción de 15 estudiantes emocionados con una pieza musical o con un poema.

Anglicismos, peligro para el castellano: RAE

2011-06-24T14:32:00.000-05:00

Córdoba, España

EFE | El Universal

El director de la Real Academia Española(RAE), José Manuel Blecua, aseguró este viernes en Córdoba, en el sur de España; que el peligro actual de las lenguas, y en concreto del castellano, son los anglicismos, los vocablos ingleses que "están presentes de forma habitual y que todos usamos".

En declaraciones a los periodistas antes de asistir a la entrega del premio "Feliciano Delgado al Buen Uso del Español", el director de la RAE añadió que "todas las lenguas gozan de muy buena salud" aunque, "en cada momento y estado de la evolución lingüística, se ven acosadas por una serie de peligros".

Según Blecua, las lenguas "nunca" permanecen puras porque "siempre están en contacto con otras" por lo que el préstamo léxico "es constante".

A pesar del gran uso de anglicismos por parte del castellano, ha admitido que otras lenguas también viven el "castellanismo, como por ejemplo, el inglés norteamericano".

El director de la RAE valoró el hecho de que el español esté "muy de moda" -con cerca de 6 millones de estudiantes extranjeros-, algo a lo que contribuye el comercio con América, según ha manifestado.

No obstante, reconoció que "desgraciadamente" el castellano "no es la lengua de la ciencia y la tecnología".

Sobre el buen uso del español, este filólogo que ingresó en la RAE en 2006 ocupando el sillón "h", apuntó que dicho uso se encuentra en los artículos de buenos historiadores y escritores, como Mario Vargas Llosa o Gabriel García Márquez, que suelen aparecer en los medios de comunicación.

Blecua no supo decir si en las redes sociales se hace un buen o mal uso del idioma porque no tiene perfil en ninguna de ellas aunque manifestó su deseo de tenerlas el próximo otoño.

El París de Cortázar (y el mío)

2011-06-16T06:56:00.001-05:00

Milenio.com

Juan Gabriel Vásquez

En este texto, el ganador del Premio Alfaguara 2011, que esta semana llega a México, sigue los pasos de la Maga y Oliveira en un ritual que es homenaje a Rayuela, a Cortázar y a todos los escritores que han hecho de París el escenario de sus novelas, la ciudad literaria por excelencia.

Empiezo a escribir esto en un café de la rue du Cherche-Midi, más o menos medio siglo después de la tarde en que la Maga salió de aquí, se encontró con un tal Horacio Oliveira y empezó a hablar con él acerca de nada. La Maga se llamaba en realidad Lucía, y había llegado a París desde Montevideo sin un centavo y con la intención de estudiar canto; Oliveira, por su lado, no tenía muy claro por qué había cruzado el charco desde Buenos Aires, y tampoco tenía muy claro qué había hecho en París desde su llegada, a comienzos de los años cincuenta. Pasaron la tarde juntos, él un poco exasperado por la fascinación que la Maga sentía ante cualquier cosa insignificante de cualquier vitrina del Barrio Latino, y al final acabaron en un café del boulevard Saint-Michel, al cual probablemente me iré en un rato para seguir escribiendo esto que escribo en el mismo lugar donde esa tarde la Maga le contó a Oliveira un gran pedazo de su vida. Y me parecerá normal esto de andar por París de café en café, recordando lo que les ocurrió a Oliveira y a la Maga en cada uno de ellos y escribiendo al respecto. Pero no es así: no es normal. No es normal porque esas cosas ocurrieron muchos años antes de que yo naciera. No es normal porque nunca conocí a Oliveira ni a la Maga, ni conozco a nadie que los haya conocido. No es normal, en fin, porque Oliveira y la Maga no existen ni han existido nunca: son, como lo saben sin duda los lectores, personajes de Rayuela, una de las novelas más entrañables de la literatura latinoamericana y en parte responsable, de maneras indirectas y absurdas, de que yo hubiera decidido irme a vivir a París en junio de 1996.

Tal vez no sobre que explique un poco lo anterior, para que no haya malentendidos. Yo leí Rayuelapor primera vez a los diecinueve años, en una edición de Oveja Negra que se desencuadernó apenas pasé del capítulo 25 y se siguió desencuadernando metódicamente hasta que llegué al final de la novela, donde Horacio se está fumando un cigarrillo sentado en un banco de hospital. Durante los dos años siguientes la volví a leer unas seis veces, en tres ediciones distintas, y con cada vez aumentó mi deslumbramiento, aumentaron mis ganas de conocer ese París donde la gente se pasaba el día hablando de literatura y de jazz y de pintura, pero sobre todo de literatura, y aumentó la sensación, no ya de que conocía a la Maga y a Horacio Oliveira, sino de que eran mis amigos y lo habían sido toda la vida. Así que después, cuando viajé a París con el pretexto de estudiar un doctorado pero en el fondo con la intención de aprender a escribir, lo hice sabiendo que una de las razones subconscientes de mi viaje era esa ciudad mítica que había conocido en las páginas de Cortázar. Y supe además que no era el único, que el París de Rayuela llevaba ya más de treinta años fascinando a otros jóvenes de diecinueve años como me había fascinado a mí. Porque una de las curiosidades de este libro, como bien lo sabía su autor, es la comunicación inmediata y duradera que establece con los jóvenes. Es el libro de un hombre de cincuenta años sobre un hombre de cincuenta años, y sin embargo sus lectores más fieles han sido desde el principio jóvenes de veinte. Y si uno de esos jóvenes quiere ser escritor por encima de cualquier cosa en la vida, y si ese joven ha leído y admirado a otros autores (Joyce, Hemingway, Vargas Llosa) que escribieron grandes libros en París, es muy probable que acabe un día viviendo en esa ciudad y conociendo de memoria los recorridos de las novelas e incluso recorriéndolos él mismo, como un rito o una superstición o un simple fetichismo.

Así me pasó a mí cuando llegué a París en 1996. Al día siguiente de llegar hice dos cosas: primero, ir a ver el número 12 de la rue de l’Odéon, donde quedaba en 1922 la librería que publicó el Ulises de Joyce; y segundo, agarrar mi ejemplar de Rayuela y caminar como Oliveira por la rue de Seine, luego asomarme al arco que da al quai de Conti, cruzar la calle y subir los peldaños del Pont des Arts, donde la Maga solía pararse a mirar el río, apoyada en el pretil de hierro, inclinada sobre el agua y “convencida como yo de que un encuentro casual era lo menos casual en nuestras vidas, y que la gente que se da citas precisas es la misma que necesita papel rayado para escribir o que aprieta desde abajo el tubo de dentífrico”. En esas primeras páginas de Rayuela hay un verdadero mapa azaroso de París, una guía que no quiere decir nada y que no lleva a ninguna parte pero que uno puede seguir y recorrer, aunque sólo sea como homenaje a una novela que en algún momento nos pareció tan importante. Y un fetichista literario puede hacer estas cosas, pasar por el boulevard Sébastopol donde la Maga comía salchichas calientes, ir a la place de la Concorde donde la Maga encontró un paraguas roto, bajar hasta el parc Montsouris donde Oliveira tiró ese paraguas al lago. “Sé que un día llegué a París”, dice Oliveira, “sé que estuve un tiempo viviendo de prestado, haciendo lo que otros hacen y viendo lo que otros ven”. Ahora me robo las palabras para explicar o sugerir lo que me pasaba a mí: durante esos primeros meses, viví en París a través de las novelas que había leído, viví en el París de las novelas que había leído, y eso era, de algún modo, vivir de prestado. Pero era también toda una lección sobre cómo apropiarse uno de una ciudad, cómo hacerla suya, cómo sacarle los secretos.

Cortázar llegó a París en 1951, pero tardó unos años en comenzar a colonizar la ciudad con sus ficciones. Siempre he tomado como suyas las palabras que pone en boca de Oliveira: “El miedo, la ignorancia, el deslumbramiento: esto se llama así, eso se pide así, ahora esa mujer va a sonreír, más allá de esa calle empieza el Jardin des Plantes”. A mí, recién llegado 45 años más tarde, me gustaba imaginar a Cortázar descubriendo París, en parte porque París era una ciudad que parecía haberle pertenecido desde siempre. Me gustaba imaginar el momento en que, después de haber escrito los cuentos argentinos de sus primeros libros, de repente se percata de que París puede ser su escenario, y comienza a escribir la ciudad. Y entonces ahí está “Las armas secretas”, por ejemplo, donde Michèle y Pierre viven su triste destino en el barrio de Saint-Sulpice. O también “Las babas del diablo”, donde un fotógrafo franco-chileno sale del número 11 de la rue Monsieur-le-Prince, camina hasta el Sena, llega a la isla Saint-Louis, pasa primero por el quai d’Anjou y luego por el quai de Bourbon, y así llega a la punta de la isla, a una placita donde ve lo que no debía ver. O también “El perseguidor”, uno de los grandes cuentos del siglo en lengua española, donde el saxofonista Johnny Carter agarra un metro y se va de la estación de Odéon a la estación de Saint-Germain de Près, y se queda preocupado porque entre las dos estaciones hay un minuto y medio de recorrido y él ha sido capaz de tocar en su cabeza más de quince minutos de música. Y claro, como los fetichistas literarios no tenemos remedio, yo tengo que confesar que me he sentado en un café de Saint-Sulpice a leer la historia de Pierre y Michèle, que he caminado desde la rue Monsieur-le-Prince hasta la isla Saint-Louis y me he sentado en la placita para leer la historia del fotógrafo franco-chileno, y que he tomado el metro entre Odéon y Saint-Germain de Près, con el reloj en la mano, para ver cuánto tiempo dura el trayecto en realidad y cómo fue capaz Johnny Carter de imaginar quince minutos de música en un minuto y medio de recorrido.

Me fui de París a finales de 1998, después de dos años y medio en la ciudad, y desde entonces he vuelto varias veces. Todavía no sé cuál fue el apartamento del séptimo distrito donde Cortázar comenzó Rayuela, pero creo que ya he descubierto la casa donde la terminó, esa casa que, en descripción de Vargas Llosa, era alta y delgada como su dueño. Esta vez he venido por pocos días, pero he tenido tiempo de ir al 32 de la rue Madame, donde vivía el escritor Morelli en Rayuela, y también he podido repetir el recorrido que Oliveira hace con la pianista fracasada Berthe Trépat en uno de los capítulos más hilarantes y al mismo tiempo más tristes de la novela. Y he tenido tiempo de comenzar esto que escribo en un café de la rue du Cherche-Midi, de continuarlo en otro del boulevard Saint-Michel y de terminarlo en uno vecino del cementerio de Montparnasse, donde está enterrado Cortázar y adonde iré ahora, tan pronto termine esta línea que ahora se termina.

Juan Gabriel Vásquez

Juan Gabriel Vásquez nació en Bogotá, en 1973. Es autor del libro de relatos Los amantes de Todos los Santos y de tres novelas: Los informantes, que fue elegida por la revista Semana como una de las novelas colombianas más importantes de los últimos 25 años, Historia secreta de Costaguana(premio Qwerty a la mejor novela en castellano en Barcelona) y El ruido de las cosas al caer (premio Alfaguara 2011). Sus novelas se han traducido en 14 lenguas y publicado en una treintena de países.

Secretos del Moulin Rouge se exhiben en Londres

2011-06-14T21:25:00.001-05:00

LONDRES | EFE | El Universal

Una exposición que se inaugura el 16 de junio en la galería Courtauld, de Londres, famosa por su colección de impresionistas y posimpresionistas, explora la especial relación entre Henri de Toulouse-Lautrec y la bailarina Jane Avril.

Avril (1868-1943) era una de las estrellas del Moulin Rouge y a su éxito en el París de la época contribuyeron en buena medida los carteles que creó el artista francés (en el famoso cabaret) .

La exposición, que estará abierta al público hasta el 18 de septiembre, reúne no sólo los carteles y grabados sino también las pinturas que le inspiró su musa, material procedente de museos y colecciones de distintos países.

La propia galería Courtauld posee un impresionante retrato al óleo y pastel de la bailarina, el titulado Jane Avril entrando en el Moulin Rouge , de en torno a 1892, que sirve de punto de partida para la exposición.

Muestra a la estrella del Moulin Rouge con sólo 24 años, pero Avril parece mucho mayor, con su famosa cabellera rojiza, sus facciones angulosas y su mirada grave, elegantemente tocada con un sombrero verde y con una boa envolviéndole el cuello.

Parece ensimismada, una figura solitaria con un toque melancólico, muy lejos de las imágenes que se conocen de ella gracias a los carteles en los que se la ve con sus medias negras bailando el cancán.

Ambos procedían de mundos muy diferentes: el artista descendía de una familia aristocrática, la de los condes de Toulouse, y llevaba el nombre de auténtico retintín: Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa.

Pero los accidentes que sufrió en su juventud y tal vez también un trastorno congénito le convirtieron en un enano de piernas muy cortas y un enorme cabezón, algo que influiría en su deseo de escapar de su entorno social para refugiarse en el demi-monde de Montmartregracias a su extraordinario talento artístico.

Jane Avril se llamaba en realidad Jeanne Beaudon -su nombre de artista se lo sugirió un amante inglés- y era hija de una cortesana y al parecer de un cliente aristócrata.

Cuando nació Jane, el padre natural no quiso saber nada de su amante ni de la hija, y ésta se crió con una madre alcohólica y dada a maltratarla, de la que terminó huyendo con trece años para trabajar durante breve tiempo como amazona en el hipódromo parisino.

Por culpa de un trastorno nervioso, conocido popularmente como el baile de San Vito, fue internada aún adolescente en el hospital de mujeres parisino conocido como La Salpêtrière, y fue tratada por el doctor Jean-Martin Charcot, uno de los pioneros de la psiquiatría.

Fue en uno de los llamados "bailes de locas" (fiestas de disfraces para las residentes) que se celebraban anualmente en esa institución pública, cuando descubrió su verdadero talento para la danza, lo que, según confesaría ella misma, sería también su curación.

Nuevas investigaciones con motivo de la exposición londinense examinan la relación entre sus movimientos excéntricos en el escenario, descritos por un observador como "una orquídea en frenesí" , y las teorías que circulaban entonces sobre la histeria femenina.

Su paso por La Salpêtrière contribuyó en efecto al morbo de verla bailar en el escenario con sus movimientos frenéticos, casi histéricos, que justificaban el que muchos la conocieran como "Jane la Folle " Juana la Loca " entre otros motes.

A los 42 años se casó con el pintor alemán Maurice Biais, que dilapidó su fortuna y la dejó en la pobreza más absoluta. Murió en una residencia de ancianos en 1943 y está enterrada en el cementerio parisino de Père Lachaise.

Su febril energía, unida a una expresión de refinamiento conquistaron inmediatamente a Toulouse-Lautrec, que la representó en un primer afiche titulado " Jane Avril au Jardin de Paris" (1893) y que lanzó a la fama tanto al retratista como a la retratada.

Toulouse-Lautrec le dedicaría llamativos carteles, claramente influidos por la estética de Gauguin y los grabados japoneses, que se colocaban en los quioscos de la ciudad para anunciar el espectáculo y que aún hoy son tremendamente populares en todo el mundo gracias a las reproducciones que se han hecho de ellos.

No hay pruebas de que Toulouse-Lautrec y Jane Avril fueran amantes, pero su amistad, muy profunda a juzgar por los retratos más íntimos, duraría hasta la muerte del pintor en 1901, víctima del alcoholismo y con sólo 36 años.

Murió Jorge Semprún, eterno disidente y agitador cultural

2011-06-09T08:07:00.001-05:00

Milenio/Notimex/Efe

París • El escritor y ex ministro socialista español Jorge Semprún Maura, luchador por las libertades durante el franquismo, resistente contra la ocupación alemana en Francia, superviviente del campo nazi de Buchenwald y eterno agitador político y cultural murió ayer en París a los 87 años.

Formado en la Universidad de la Sorbona durante el exilio forzoso de su familia, el autor de La escritura o la vida (1995), murió en París, ciudad donde residió la mayor parte de su existencia desde los 16 años, al término de la Guerra Civil, tras haber vivido tres años en Holanda.

País donde su padre, el catedrático de Derecho José María Semprún Gurrea, llegó en 1936 como encargado de negocios del gobierno republicano, antes de convertirse en ministro de la República en el exilio.

El destino del celebrado intelectual y político nacido en Madrid el 10 de diciembre de 1923, cuya propia vida inspiró algunas de sus novelas, estuvo también marcado por el de su abuelo materno Antonio Maura, líder conservador y varias veces presidente del Consejo de Ministros durante el reinado de Alfonso XIII.

Ni el paso del tiempo ni un estado de salud cada vez más frágil impidieron que hasta el último momento Jorge Semprún mantuviese una activa agenda de actividades y proyectos.

Entre los últimos que presidió destaca su papel el pasado enero como padrino del festival Un estado del mundo y del cine junto al director palestino Elia Suleiman.

Un certamen dedicado a la paz y la justicia universal, la emigración en México y los gitanos, temas no muy lejanos de los tratados el pasado marzo en el festival de Cine de los Derechos Humanos de Ginebra, cuyos organizadores le eligieron como presidente de su jurado.

En mayo de 2010, en una entrevista publicada por el semanario L’Express, Semprún recordaba que su patria era “el lenguaje”, ni el francés ni el español en particular, sino “la necesidad de comunicación que está en nuestra naturaleza humana”.

Contaba, igualmente, que tras haber llegado a París al término de la Guerra Civil, en 1939, con leves conocimientos de la lengua de Moliere recuperó el español y se volvió de nuevo bilingüe en Buchenwald gracias al contacto con los resistentes españoles.

A lo largo de su carrera fue distinguido con numerosos reconocimientos. Entre otros, el Premio Planeta de España 1977, Premio de la Paz de los libreros alemanes 1994, Premio Weimar de Alemania 1995, Premio Jerusalén de Literatura 1997, Premio Bruno Kreisky 2006 o Premio del Club Internacional de Prensa 2010.

Recibió, también, la Gran Cruz de Carlos III (1993), Comendador de la Orden de la Legión de Honor francesa (1995) y Cruz Sant Jordi (1995).

Pesar en México
La presidenta del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Consuelo Sáizar, lamentó la muerte del escritor español Jorge Semprún, acaecida este martes en su departamento de París.

“Ha muerto Jorge Semprún, uno de los hombres que más he admirado en mi vida”, expresó la funcionaria cultural a través de la red social Twitter.

Los seguidores de Consuelo Sáizar en esta red social se han sumado a esta pérdida con comentarios como: “Viviré con su nombre, morirá con el mío. Ojalá el mundo lo hubiera conocido mejor”.

"Ser poeta no se convierte jamás en profesión": Fabio Morábito

2011-06-06T12:04:00.000-05:00

Ericka Montaño Garfias

Periódico La Jornada
Lunes 6 de junio de 2011, p. 8

No me interesa ser poeta en absoluto, dice el escritor Fabio Morábito, y aclara: Lo que me interesa es escribir un libro de poemas. Se es poeta sólo cuando se escribe poesía, después deja de serlo. Ser poeta no se convierte jamás en profesión.

Morábito (Alejandría, 1955) acaba de publicar su nuevo poemarioDelante de un prado una vaca, bajo el sello Era Ediciones, motivo de esta charla con La Jornada. “Odio a esa gente que dice que es poeta, o que le preguntas su profesión y dice: ‘poeta’, que llegan a tener tarjeta de presentación que dice: ‘poeta’. Me parece absurdo, una farsa. Creo que decirte escritor es más que suficiente, porque abre el abanico y uno puede ser desde traductor, corrector de estilo, que no deja de ser escritor, hasta un novelista de éxito, pero ¿decirse poeta...? No me interesa en absoluto, nunca me he visto como poeta; además, nunca me he visto así. Me alivia saber que durante tantos años he podido escribir poesía. Pero si alguien me dice ‘poeta’, le digo: ‘no, soy Fabio’.”

Delante de un prado una vaca es un libro del día a día. De lo cotidiano, de un programa de televisión, zapatos, aviones, un tapete persa. Toda la poesía se nutre de la cotidianidad en alguna medida. Si eso se enmascara en otros poetas, se cubre, se refina a tal grado que es difícil encontrar la huella del acontecimiento o del sabor cotidiano, es otra cosa. En general todo lo que nutre la poesía es lo que nos pasa diariamente, conversaciones, encuentros, miradas.

Pero hay que ser selectivos dentro de esa cotidianidad, una selección olfativa como la llama el autor deAlguien de lava. “El poeta sabe que ahí hay algo, a uno le ocurren mil cosas al día, la mayoría intrascendentes, pero de repente hay algo ahí: una frase oída o leída, algo visto, y eso puede ser el principio de un poema.

Es un poco misterioso que cualquier cosa, por más intrascendente, puede ser motivo de que se nos aguce el oído y decir ahí hay algo. Hay que saber escuchar las palabras, no imponer un tema, una forma o un final, sino ponerse a su servicio desde el primer verso, y no violentar a esa especie de criatura que ahí se va formando. Saber oír a fondo, para saber qué decía el poema. Pero eso ocurre no solamente en la poesía, también en la prosa.

Morábito sabe de lo que habla: es cuentista, novelista, poeta, ensayista y traductor.

Escribo dos géneros que son muy diferentes y no puedo renunciar a ninguno. Para descansar del cuento, escribo poesía. Tiene una novela en su haber Emilio, los chistes y la muerte cuya escritura tomó mucho tiempo.

“No sé si voy a regresar a la novela, porque me costó tanto trabajo. Depende de si por ahí doy con una historia.

Siempre alterno, prosa y poesía, nunca puedo hacer las dos cosas al mismo tiempo. Me resulta más difícil hacer al mismo tiempo un poema y dentro de 15 días un cuento; me parece imposible. Claro que es difícil, siempre dudo que pueda regresar al género que he dejado; por ejemplo, después de escribir la novela sentía que ya quería escribir poesía, pero como ya la había dejado un buen rato me vino el temor de no poder regresar.

Poema incluido en el libro

Siempre me piden poemas inéditos.

Nadie lee poesía

pero me piden poemas inéditos.

Para la revista, el periódico, elperformance,

el encuentro, el homenaje, la velada:

un poema, por favor, pero inédito.

Como si supieran de memoria lo que he escrito.

Como si estuvieran colmados de mi poesía

y ahora necesitaran algo inédito.

La poesía siempre es inédita, dijo el poeta en un poema,

pero ellos lo ignoran porque no leen poesía,

sólo piden poemas inéditos

Ricardo Piglia obtuvo el premio de novela Rómulo Gallegos

2011-06-03T07:40:00.000-05:00

El Universal

CARACAS.— El escritor argentino Ricardo Piglia fue distinguido con el premio de novela Rómulo Gallegos, en su XVII edición, por Blanco nocturno, según el veredicto anunciado ayer.

Esa novela fue destacada de entre 12 finalistas por el jurado -compuesto por la mexicana Carmen Boullosa, el colombiano William Ospina y el venezolano Freddy Castillo- por su fuerza literaria y poética que “propone una reflexión sobre nuestro tiempo”.

Piglia es profesor de literatura latinoamericana en la universidad Princeton (Nueva Jersey) y ha publicado cuatro novelas.

El galardón Rómulo Gallegos está dotado con 100 mil dólares, además de la publicación de la obra.

Con el galardón otorgado por la Fundación de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELAG), Piglia suma su nombre a una galería de escritores iberoamericanos que lo obtuvieron anteriormente, como el colombiano Gabriel García Márquez o el peruano Mario Vargas Llosa, ambos premios Nobel de literatura.

Blanco nocturno estuvo entre las 194 novelas participantes y entre las 12 obras finalistas, seis de las cuales eran de autores argentinos.

El jurado distinguió la obra de Piglia con un veredicto unánime, resaltando el talento literario y su precisión en la prosa.

Asimismo, destacó la “fuerza poética y la ironía” que propone en su novela, indicando que Piglia “reescribe los géneros” literarios.

“Blanco nocturno reescribe el género policiaco, histórico y propone una reflexión sobre nuestro tiempo. Destacan su rigurosa observación de hechos y personajes, la nitidez de su lenguaje, la sabiduría literaria que le permite cautivar al lector y mantener la atención del relato con subterránea fuerza poética”, indicó.

Obra prolífica

La intriga, el suspenso y una particular capacidad para crear realidades han hecho del escritor argentino Ricardo Piglia una de las plumas más prestigiosas de América Latina.

Las distinciones que sumó su última novela Blanco nocturno, como el Premio Nacional de la Crítica de España y el Premio Rómulo Gallegos, ratifican la vigencia de este escritor que sabe recrear la novela negra en todo su esplendor.

En esa obra, la trama policial por un asesinato se mezcla con el relato de la vida y las tradiciones de un tranquilo pueblo de la llanura pampeana.

Ricardo Piglia nació el 24 de noviembre de 1941 y vivió sus primeros años en Adrogué, en los suburbios al sur de Buenos Aires.

“Una historia política, una cosa de rencores y odios barriales”, forzaron la mudanza de la familia al balneario de Mar del Plata.

Su padre, de ideología peronista, sufrió persecuciones y buscó en la costa atlántica mayor tranquilidad.

Fue él quien introdujo a Ricardo en el mundo literario, donde desarrolló una extensa trayectoria como profesor, guionista, crítico y autor de libros de relatos, ensayos y novelas.

En 1967, Piglia publicó su primer libro de relatos, La invasión, con 10 cuentos que ya plantearían los temas que atravesarían su obra a lo largo de los años y que fue premiado por la Casa de las Américas.

En 1975 escribió Nombre falso, un libro de cuentos.

Mientras que en 1980 apareció la novela Respiración artificial, que marcó un hito en la literatura argentina.

Su siguiente novela, Ciudad ausente (1992), la convirtió en una ópera en colaboración con el músico Gerardo Gandini, que, en 1995, se estrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Piglia fue galardonado en 1997 con el Premio Planeta por su novela Plata quemada, en medio de una polémica por una demanda judicial presentada por otro finalista, que culminó con un fallo que sostuvo que Piglia “no debió postularse para la obtención del premio” porque para la época del concurso “se encontraba vinculado contractualmente con la empresa editora Espasa Calpe Argentina”, grupo editorial relacionado con el premio.

No obstante, Plata quemada fue llevada años más tarde al cine por Marcelo Piñeyro y entonces fue distinguida con el Premio Goya 2000 al mejor largometraje extranjero.

En 2005, Piglia recibió el Premio Iberoamericano José Donoso por su contribución a la literatura latinoamericana, según evaluó el jurado.

Algo de historia del galardón

El concurso de novela Rómulo Gallegos fue creado en 1964 por el entonces presidente venezolano Raúl Leoni para homenajear a Gallegos, y tiene como finalidad exaltar a la mejor novela postulada en español.

El galardón comenzó con una periodicidad de cuatro años y desde 1999 es bianual.

Entre sus ganadores figuran los mexicano Carlos Fuentes (1977), Fernando del Paso (1982), Ángeles Mastretta (1997) y Elena Poniatowska (2007), los españoles Enrique Vila-Matas (2000) e Isaac Rosa (2005), y el venezolano Arturo Uslar Pietri (1991). (Con información de DPA)

Gana Leonard Cohen Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011

2011-06-01T07:56:00.000-05:00

Milenio.com

Madrid.- El poeta y músico canadiense Leonard Cohen, conocido especialmente por su faceta de cantautor, es el ganador del Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011, al imponerse a los escritores Ian McEwan y Alice Munro.

El presidente del jurado encargado de la concesión del galardón, Víctor García de la Concha, dio a conocer el premio para Cohen por una obra literaria que ha influido en tres generaciones de todo el mundo.

Esto, a través de la creación de un imaginario sentimental en el que la poesía y la música se funden en un valor inalterable, dijo el ex presidente de la Real Academia de la lengua Española.

“El paso del tiempo, las relaciones amorosas, la tradición mística de Oriente y Occidente y la vida contada como una balada interminable configuran una obra identificada con unos momentos de cambio decisivo a finales del siglo XX y principios del XXI”, remarcó.

Cohen es considerado uno de los autores más influyentes de la actualidad y tanto sus poemas como sus canciones han explorado con profundidad y belleza las grandes cuestiones del ser humano.

Leonard Norman Cohen nació en Montreal (Canadá) en 1934, en el seno de una familia de emigrantes judíos e interesado por la literatura desde la niñez, en 1955 se licenció en esta especialidad en la Universidad McGill de Montreal.

En esa época se produjeron sus primeros contactos con la música y formó parte de The Buckskin Boys, un grupo de aficionados a la música country. Más tarde, se trasladó a Nueva York con una beca de estudios que le permitió ingresar en la Columbia Graduate School.

En 1956 recibió una subvención del Canada Council para escribir un libro, y publicó su primera obra poética, titulada “Let us compare mythologies”, inspirada en Federico García Lorca, por el que siempre ha manifestado gran admiración.

Autor de trece libros, en la década de los 60 Cohen se instaló temporalmente en la isla de Hydra, en Grecia, y comenzó a componer canciones aunque sin abandonar la literatura.

Durante esos años publicó su segundo libro, “Spice-box of Earth” (1961), su primera novela “The favourite game” (1963) y un nuevo libro de poemas “Flowers for Hitler” (1964).

A estos seguirían la novela, “Beautiful losers” (1966); el poemario “Parasites of Heaven” (1966) y las obras “The energy of slaves” (1972) y “Book of mercy” (1984).

Además, “Book of longing” (2006), una colección de poesía, prosa y dibujos, fue el primer libro de poesía en alcanzar el número 1 en las listas de ventas en Canadá. En 2011, Cohen publicó “Poems and Songs”.

El cantautor regresó en 1967 temporalmente a Estados Unidos y publicó su primer disco, “Songs of Leonard Cohen”, que incluía algunos de sus temas más conocidos como Suzanne y Sisters of Mercy.

A este trabajo siguieron “Songs From a Room” (1969), con gran acogida por parte del público, y “Songs of Love and Hate” (1971), que le confirmó como uno de los autores más destacados del momento.

A lo largo de las décadas de los 70 y 80 realizó giras por todo el mundo y publicó álbumes como “Live Songs” (1973), “New Skin for the Old Ceremony” (1974), “Death of Ladies’Man” (1977), “Recent Songs” (1979) y “Various Positions” (1984), cuyo tema Hallelujah ha sido, desde entonces, cantado por más de 150 artistas.

Admirado por artistas de renombre, muchos han interpretado sus temas y han grabado discos homenaje como “I´m your fan” (1991), “Tower of song” (1995), en el que intervienen cantantes como Billy Joel, Sting, Elton John y Bono; “Leonard Cohen: I’m your man” (2006) y “According to Leonard Cohen” (2007).
Notimex

Subastan un filme inédito de 1916 con imágenes de Charlie Chaplin

2011-05-31T08:59:00.000-05:00

Lavanguardia.com

Londres. (EFE).- Una copia de un filme inédito de 1916 que incluye imágenes del genial actor cómico británico Charlie Chaplin (1889-1977) se subastará el 29 de junio en la casa londinense Bonhams, anunciaron hoy los organizadores.

La cinta, de casi siete minutos de duración, tiene una historia curiosa, ya que fue adquirida en el 2009 por su actual propietario, Morace Park, en el portal de subastas eBay por 3,20 libras (unos 3,7 euros o 5,3 dólares), y luego se ha demostrado que es una de las primeras muestras existentes de cine de animación.

El frágil filme, que se ofrecerá al mejor postor en una puja dedicada a recuerdos del mundo del espectáculo, se titula Charlie Chaplin in Zepped, aunque el intérprete nacido en Londres no actuó expresamente para la producción, sino que sus escenas han sido extraídas de otras de sus cintas.

No obstante, los expertos consideran que la película, rodada en negativo de nitrato de 35 milímetros, tiene valor por sí misma por tratarse de uno de los primeros ejemplos de animación conocidos en la historia del cine.Cuando Park adquirió la cinta -porque le gustó la lata en la que venía- pensó que tal vez había descubierto la última copia de un filme olvidado de Chaplin, por lo que decidió llevar a cabo una investigación.

Tras hablar con numerosos expertos en varios países y consultar archivos, se llegó a la conclusión de que seguramente fue un filme elaborado para animar a los ciudadanos frente a los horrores de la guerra.La película muestra imágenes del bombardeo de un Zeppelin sobre Londres, mientras que Chaplin actúa con su particular estilo.Los Zeppelin se utilizaron durante la primera Guerra Mundial en bombardeos contra Francia e Inglaterra, por lo que Zepped habría sido pensada para disipar los temores a ese artefacto con el humor del cómico londinense.

El profesor Paul Wells, director del grupo de investigación de animación de la universidad inglesa de Loughborough, opina que el "Zeppelin podría ser real, pero también podría ser un ejemplo temprano de marioneta"."Si el Zeppelin es genuino, serían las únicas imágenes conocidas grabadas en directo de un bombardeo sobre Londres con ese tipo de aparato, y si no lo es y es animación, constituiría un ejemplo extremadamente raro de ese tipo de animación", indicó en un comunicado Bonhams.

Durante su investigación, Park descubrió que el Consejo británico de clasificación cinematográfica había catalogado la película en 1917 y encontró también un anuncio publicitario en la publicación Manchester Film Renter que anunciaba un pase restringido, la última referencia conocida al filme.

Una anotación en los documentos revela que al filme se le concedió una licencia de exportación y al inicio de la cinta hay fotogramas de censura que indican que la producción iba a enviarse a Egipto para subir la moral a las tropas británicas.Bonhams sugiere que tal vez el pase al que aludía el anuncio en el Manchester Film Renter era para un grupo limitado de ciudadanos a quienes quizás el filme no gustó por su crudeza, lo que explicaría que al final no se distribuyera para el gran público.

El biógrafo oficial de Chaplin, David Robinson, apunta que, "aunque el título de la cinta anuncia con grandes letras Charlie Chaplin in the Zepped, es muy improbable que su protagonista conociera siquiera su existencia, y ciertamente no tuvo nada que ver en su realización".

Sin embargo, añade Robinson, el filme "tiene interés por sí mismo", ya que su desconocido autor ha incorporado tomas descartadas de tres películas anteriores de Chaplin (His new profession, 1914; A jitney elopement, 1915; y The tramp, 1915), además de que usa pioneras técnicas de animación.

La directora de subastas de recuerdos del espectáculo de Bonhmas, Stephanie Connell, anticipa que la cinta alcanzará en la puja un valor de seis cifras."El hecho de que este frágil e inflamable filme de nitrato haya sobrevivido desde 1916, que en él aparezca la estrella de cine más icónica del periodo y que sea inédito para el gran público es algo increíble, y sin duda hará una gran aportación a la historia del primer cine", afirmó.

Allie Haze será la Emmanuelle del siglo XXI

2011-05-30T08:39:00.002-05:00

De acuerdo con Le Nouvelle Observateur Allie Haze será la perfecta Emmanuelcomo antes lo hicieron Marcela Walerstein y como no Silvia Kristel hace ya casi 40 años atrás. Le Nouvelle Observateur dice también que esta nueva serie deEmmanuel protagonizada por Allie Haze será filmada este 2011 en 3D y por eso ha sido promocionada en este Festival de Cannes.

Allie Haze no aparecerá en los títulos de crédito con su nombre porno sino con el que se le venía conociendo en el cine convencional Brittany Joy. Allie Haze que firmo hace unas semanas su contrato exclusivo para Vivid Entertaiment, estuvo en Francia con motivo del 64 Festival del Cine de Cannes. Allie Haze también estuvo dando una entrevista para las afamadas revistas porno francesas Le Nouvelle Observateur y Hot Video donde dio a conocer que será la nueva protagonista de la nueva seria erótica de nueve películas Emmanuel el clásico erótico de los 70. La serie estará producida por Alan Siritzky.

Allie Haze la bella porn star recientemente fue galardonada con el premio Best New Starlett en los premios XRCO. Fue Siritzky el que se fijo en Allie Haze y pensó que esta nueva belleza porno que había flirteado anteriormente con el cine convencional en pequeños papelitos para series y películas con el nombre deBrittany Joy sería ideal para la nueva serie de 9 capítulos del clásico erótico de los 70 Emmanuel.

Media Reports señalan que esta nueva Emmanuel continuara con el sello de las primeras series de los 70 pero que la harán de manera que también pueda llegar a la joven audiencia contando la caprichosa manera en la que la joven Emmanuel despierta a la sexualidad. La serie ha sido grabada en 3D y evoca un estilo de vida natural que recorre el mundo desde New York hasta Vietnam finalizando en el glamuroso Paris.

“Tenía la necesidad de ser responsable y honesto en este film y dirigir todos los tópicos relevantes de Emmanuel tanto para el público adulto joven como para el más maduro dice Siritzky. Puede sorprender que Emmanuel sea el moderno emisario de lo que desean las mujeres modernas. Mucho ha cambiado desde que Emmanuel fue estrenada en cines pero no la esencia de lo que Emmanuel como mujer significo y significa. Emmanuel es la manera en que la vida representa a la mujer, continua diciendo Siritzky. Emmanuel es la belleza, es el estilismo, es la feminidad, la provocación y la sensualidad que todas las mujeres han creado a lo largo de la historia. El principal mensaje es que ahora más que nunca la mujer inculca su feminidad en todas las épocas y culturas.”

Literatura erótica y mujer, por encima de los prejuicios

2011-05-30T07:55:00.000-05:00

SPANISH.CHINA.ORG.ON – ¿La idea del erotismo y la sexualidad tienen límites culturales o son universales? ¿Qué tabúes existen en cada cultura? ¿Qué papel juega la literatura erótica en países tan distantes como España y China? A éstas y otras preguntas procuró dar respuesta el coloquio celebrado el jueves pasado en el Instituto Cervantes de Pekín, bajo el título “El amor en los tiempos de la literatura: Una reflexión sobre la novela erótica en España y China”.

Las ponentes fueron la escritora española Mercedes Abad (Barcelona, 1961), autora de obras de literatura erótica, como ‘Ligeros libertinajes sabáticos’ por la que ganó el premio ‘La sonrisa vertical’ en 1986, y la escritora china Hong Ying (Chongqing, 1962), una de las pioneras del género erótico en la literatura china actual, con obras como ‘K: el arte del amor’ (1999).

El coloquio estuvo moderado por Alicia Relinque, sinóloga y traductora al español de ‘Jin Ping Mei’, obra cumbre del erotismo literario chino, escrita en el siglo XVI.

Durante el coloquio, las ponentes pusieron de manifiesto la existencia de ciertas diferencias en la concepción de la sexualidad en ambos países, marcados como están por concepciones religiosas y sociales divergentes. Sin embargo, a pesar de la distancia geográfica y cultural, ambas, como mujeres y escritoras, revelaron experiencias similares.

“En la tradición de China, la mujer debe presentarse como pura”, señaló Hong Ying. Quizá por eso, la aparición de su novela en la China ‘K: el arte del amor’ en la China continental desencadenó un proceso judicial en su contra por la naturaleza “obscena” de su relato: las pasiones entre un hombre extranjero y una mujer china, las diferencias en la manera de afrontar el amor y el sexo de cada uno.

Hong cuenta cómo tuvo que hacer frente a numerosos prejuicios. “Muchos se preguntaban: ¿cómo una mujer puede escribir sobre eso?”, cuenta la autora, que tuvo que salir adelante con una reputación de “mujer mala”. Sin embargo, a día de hoy, Hong considera que su obra fue “una forma de mostrar que las mujeres también pueden escribir este tipo de literatura”.

Mercedes Abad también tuvo que enfrentarse a los mismos prejuicios. Su obra salió a la luz cuando ella tenía apenas 24 años, en una España, la de 1986, que, a pesar de la ‘Movida’, acababa de salir del régimen franquista y su moral ultraconservadora. La concesión de un premio de literatura erótica a una mujer levantó “polémica, curiosidad y prejuicios”, según ella. “De repente, tras ganar el premio, me salieron amantes por todas partes; los periodistas me preguntaban si mis relatos eran ‘autobiográficos”, recuerda. “Una mujer escribiendo literatura erótica era algo insólito en la España de aquella época”, afirma Abad, quien también rompió con el prejuicio de no mezclar erotismo con humor en su obra.

Ambas autoras coincidieron en señalas que el erotismo “no tiene fronteras” y que las sensaciones son iguales.

Respecto a la relación entre realidad y literatura erótica, para Hong el sexo en la realidad también tiene una parte de ensoñación, de idealización; por su parte, Abad considera que la literatura erótica busca poner por escrito el deseo de lo que no tenemos, “hacer visible lo que las mentes albergan más allá de los límites”.